El Fantasma

El éxito de Mandrake el Mago no sólo exigió la aparición del mismo en planchas dominicales sino que la King solicitó a Lee Falk otro personaje y éste dio rienda suelta a su fantasía para crear The Phantom. Estrenada en febrero de 1936 en el periódico New York American Journal disfrutó de un éxito aún mayor que el de la serie anterior. The Phantom y los muchos nombres con que ha sido traducido a idiomas de todo el mundo es una de las sagas que ha calado de forma más profunda entre los aficionados al cómic. El autor de estas líneas tiene el convencimiento de que este personaje se incrusta en la conciencia del lector de tebeos antes de su nacimiento, como si se tratase de un arquetipo jungiano, de tal modo que cuando alguien desarrolla esta afición conoce todos los detalles (el juramento, el trono de la calavera, la jungla profunda, Satán, Guran y los enanos Bandar, la paciente Diana Palmer que esperó cuarenta y un años para casarse sin envejecer una arruga) antes de leer una sola viñeta del mismo.The Phantom desarrolla sus aventuras en un territorio mítico, una Jungla Profunda (Deep Wood) así denominada en los mapas que inicialmente se situaba en algún lugar de la costa Indostánica. Según Lee Falk sus fuentes fueron Tarzán, Kipling, los héroes mitológicos y Robin Hood. A estos antecedentes declarados hay que añadir toda la literatura popular de los años veinte y treinta de este siglo, plagada de personajes como Doc Savage o La Sombra o el mismo Conan. La combinación de estas fuentes arroja unas historias plenas de exotismo, acción y fantasía, en las que se representa la superioridad del hombre blanco, pero también la incomprensión e indiferencia con que acogen sus disposiciones los indígenas y donde, curiosamente, el colonialismo occidental no se exalta aunque tampoco se critica.El hombre blanco, The Phantom, predomina sobre la población indígena, impone su ley, dicta sentencia y castiga según su código particular; pero al mismo tiempo actúa como un freno a la contaminación exterior, expulsa a los traficantes de armas e impide el alcoholismo y la avaricia entre las tribus. Para enjuiciar correctamente este enfoque hay que tener en cuenta la época en que fueron escritas estas historias, con medio mundo bajo el dominio británico y otro medio bajo el francés y el de otras potencias occidentales, sus destinatarios: adultos norteamericanos blancos afectados todavía por el crack de 1929 y la crisis económica consiguiente, y, sobre todo, la manera de narrar de Lee Falk que en ningún momento se regodea con la situación. En realidad, la misión del Fantasma consiste en preservar a la selva y sus habitantes en un estado de primitiva ingenuidad y pureza. Los blancos buenos, generalmente los oficiales del ejército inglés, no se mueven de la ciudad costera, dejando que las tribus resuelvan solos sus problemas; los blancos malos son todos aquellos que se adentran en la jungla intentando explotar sus riquezas y a sus hombres. El Espíritu que Camina da buena cuenta de ellos y los devuelve a su corrompida civilización.

Extraido de:http://www.elwendigo.com/doscien/200h96.htm

La Isla De Guilligan

Los chistes de náufragos han sido siempre uno de los motivos favoritos de los humoristas gráficos, con sus solitarios y barbudos sobrevivientes medrando en un módico islote donde apenas hay lugar para ellos y una palmera cocotera. Tal vez no por casualidad, una de las series de culto del humor televisivo norteamericano tenía por tema precisamente las desventuras de un grupo de náufragos en una perdida isla del Océano Pacífico: "La Isla de Gilligan". Hagamos un poco de memoria.

La serie

"La isla de Gilligan" ("Gilligan's Island) fue emitida por la cadena CBS durante tres temporadas, de 1964 a 1967. Su levantamiento se debió menos a la falta de audiencia (algo que nunca sucedió) que a esotéricas cuestiones de programación (1) que hacen pensar que el secreto para ser ejecutivo de una cadena televisiva durante muchos años reside únicamente en ser capaz de disimular la incompetencia. Con los años y las repeticiones, la serie se convirtió en un clásico (no sólo en Estados Unidos): tanto que su entró cómodamente entre los 200 Grandes Iconos de la Cultura Pop, según una lista compilada en 2003 por el canal VH-1 y la revista People.
El concepto básico se puede expresar de modo muy sucinto: las desventuras de siete náufragos, y sus infructuosos intentos de volver a eso que suele llamarse "civilización". Aunque al contrario de los rugbiers uruguayos cuyo avión se estrelló contra los Andes y, para sobrevivir, recayeron en el canibalismo, a los náufragos del Minnow no parecía faltarles nada. Más bien lo contrario: tenían una dieta variada y sana, basada en frutas y pescado; eran lo suficientemente industriosos (gracias al Profesor) como para emplear el bambú para fabricar desde mobiliario hasta un contador Geiger (!); y si bien los hombres no se caracterizaban precisamente por ser unos Adonis, había una linda morocha de provincias (Mary-Ann) y una bomba sexual hollywoodense (Ginger). ¿Quién en su sano juicio querría abandonar ese paraíso para volver a las colas en los bancos y oficinas públicas, los impuestos, la comida chatarra, David Bisbal, los monoambientes, las PCs que se tildan en el peor momento, los programas de chismes de la TV, Bush, Bin Laden, los virus informáticos y el fútbol visto en el Mundial de Alemania 2006?


Los Siete Locos

La idea original pretendía que los siete náufragos fueran un microcosmos representativo de la sociedad norteamericana a mitad de los años '60. Teniendo esto en vista, lo primero que podría observarse es que no hay un solo afroamericano...
El personaje principal era un torpe marinero llamado Gilligan, interpretado por el recientemente fallecido Bob Denver. Como siempre sucede, Denver no fue la primera elección, sino Jerry Van Dyke (hermano menos del afamado Dick) que rechazó el papel. Denver había tenido un papel relativamente destacado en la serie "The Many Loves of Dobie Gillis": era el joven beatnik Maynard G. Krebs. Junto a él estaba el siempre jovial y animoso Capitán (interpretado por un actor de westerns clase B, Alan Hale Jr.). Su nombre (Jonas Grumby) sólo es pronunciado en el piloto. La simpatía del Capitán tenía una destinataria preferida (Ginger) y un límite: las torpezas de su ayudante, que frecuentemente lo sacaban de quicio.
Entre los náufragos había una excéntrica pareja de millonarios. Jim Backus interpretaba con mucha gracia y don de improvisación al distraído Thurston J. Howell III (Backus era también la voz del dibujo animado Mr. Magoo, y había actuado en "Rebelde sin causa" representando nada menos que el papel del padre de James Dean). Su esposa Eunice "Lovey" Wentworth Howell era en realidad Natalie Schafer, quien por contrato había bloqueado ser objeto de close-ups (ya tenía 62 años).
Tina Louise representaba a la bomba sexual y estrella de Hollywood Ginger Grant (obvia alusión a los míticos Ginger Rogers y Cary Grant). Tina se veía a sí misma como la verdadera protagonista y chocaba a menudo con los productores, exigiendo mayor lucimiento en los guiones. Además discutía el perfil del personaje, que originalmente era más bien sarcástico y de lengua afilada. El resultado final fue un compromiso entre Marilyn Monroe y Lucille Ball, más un look cercano al de Myrna Loy. Las peleas dieron por resultado que no apareciera en ninguno de los telefilmes de reunión. (2)
Nos quedan dos personajes mencionados como "y todos los demás" en la letra de "La balada de la isla de Gilligan" (de George Wyle y el productor Sherwood Schwartz) pegadiza canción que al comienzo de cada capítulo explicaba cómo los náufragos habían encontrado su destino. Dawn Wells era una antigua Miss Nevada, y su papel, el de Mary-Ann, una simpática granjera de Kansas que era la única persona del grupo con alguna habilidad para las tareas domésticas y la más complaciente con las torpezas de Gilligan. (3) Por último, el obsesivo y distraído Profesor Roy Hinkley (Russell Johnson), tan enfrascado en sus extrañas investigaciones que nunca percibía la atracción que despertaba en Ginger y, en menor medida, en Mary-Ann. (4)
Según afirmó el productor Sherwood Schwartz en su libro "Inside Gilligan's Island" (1994), escrito muchos años después de finalizada la serie, los siete personajes representaban a los siete pecados capitales. Schwartz nunca lo había expresado antes debido al contraste (a su modo de ver, un poquito ridículo) entre la gravedad de la inspiración y la levedad del resultado. Si bien en Internet hay pruebas de quien quiso ver en Gilligan a una excepción a esta regla y a la encarnación de la inocencia (otros al mismísimo Satán, y a la isla, el Infierno), para Schwarz representa a la pereza. La lista sigue así: la soberbia (el Profesor), la envidia (Mary-Ann - a Ginger), la ira (el Capitán), la lujuria (Ginger), la codicia (el Sr. Howell) y la gula (la Sra. Howell, aunque en la serie parecieran representarla mejor el Capitán o el propio Gilligan, y Lovey Howell, a la pereza). Otro enfoque de uno de las discusiones filosóficos más increíbles con las que yo haya tropezado jamás aquí.
Si hay un octavo personaje, es el fracasado bote S.S. Minnow, llamado así por Newton N. Minow, presidente de la Comisión Federal de Comunicaciones allá por 1961. Sherwood Schwartz decía que Minow había "arruinado a la televisión" por el poder que había dado a las cadenas, en detrimento de los productores de los programas.
Un par de perlas: el director de algunos capítulos es nada menos que Richard Donner ("Arma mortal") y un colaborador de la musicalización era ¡John Williams! ("ET", "Indiana Jones", "La lista de Schindler", "JFK"...).

Los asuntos de costumbre

Un capítulo típico de "La isla de Gilligan" seguía alguna de estas tres líneas argumentales básicas:
1) la vida en la isla, y la increíble capacidad de los náufragos para reproducir la vida "civilizada" a partir de artefactos cuyo componente principal era el bambú.
2) el frecuente (y sinceramente, un poco inverosímil) arribo de visitantes, a veces malévolos y a veces no, y que, por diferentes motivos, siempre terminaban negándose a rescatar a los náufragos (o a dar aviso a las autoridades para que lo hiciesen). Sin pretensiones de redactar una lista exhaustiva, Gilligan y su amigos se las tuvieron que ver con nativos generalmente caníbales (ocho veces); con tripulantes de un submarino japonés que creían que la Segunda Guerra Mundial no había acabado; con un chico de la jungla (¡Kurt Russell!) a quien mandaron a Hawaii en globo; con un pintor que huía de la civilización; con cosmonautas soviéticos que aterrizaron en la isla cuando se preveía que lo hicieran en Siberia; con un cuarteto de rock llamado The Mosquitoes, que escapaba del acoso de sus fans ("Bingo, Bango, Bongo... e Irving"); con la condesa húngara Erika Tiffany Smith (Zsa-Zsa Gabor); con un espía soviético que se disfrazó de fantasma para asustarlos y echarlos de la isla, y que les dio un bote que contenía una bomba de tiempo; con un científico loco que quería hacer experimentos con ellos (dos veces) y con un cazador que buscaba presas grandes y, como no las halló, decidió cazar a... Gilligan.
3) un acontecimiento sucedido en el día motivaba un sueño nocturno relacionado con él, y ambientado fuera de la isla. Este truco argumental fue empleado muchas veces (casi siempre con buenos resultados), lo que también demuestra las limitaciones de la serie. Por ejemplo: Gilligan sueña que es Drácula tras ser mordido por un murciélago; Gillligan es un sheriff que protege a un pato que todos quieren comer; los cuatro hombres sueñan con ser sujetos de la adoración femenina (Gilligan, como matador, el Capitán, como sultán, el Sr. Howell, como un mimado, el Profesor, como estrella de cine); el Capitán cree que los demás son soldados japoneses; Gilligan sueña ser presidente títere (literalmente) de un país hipotético; Gilligan como Lord Almirante cazando piratas; Gilligan es un vampiro en lucha contra el Inspector Sherlock (el Profesor) y el Coronel Watney (el Capitán); Gilligan es el agente secreto 014 ("el doble de bueno de 007") y los demás son asesinos enemigos; Gilligan, como Henry Jekyll, es acusado en un juicio, y su consejera es Mary Poppins (Mrs. Howell) y su testigo La Dama de Rojo (Ginger) y se convierte en Mr. Hyde al oír hablar de comida ("¡pescado fresco!").
En todos los episodios, los náufragos fracasaban en su propósito de huida, en casi todos por una falla de último momento y por error de Gilligan, aunque por lo general, tras oír la radio de Hawaii, los náufragos se enteraban de que su intento hubiera terminado en catástrofe de todos modos. Por ejemplo, en el episodio "Splashdown", en el que iban a utilizar una cápsula interplanetaria caída en la isla, la misma es volada por control remoto por la NASA...
En el último de ellos, "Gilligan the Goddess", puesto en el aire el 17 de abril de 1967, tampoco lo lograban, y se sugería que nunca lo harían.

Secuelas

La serie tuvo unas cuantas secuelas, sin contar documentales y hasta un reality-show ideado por la cadena TBS.
* Las Nuevas Aventuras de Gilligan ("The New Adventures of Gilligan"): remake animada producida entre 1974 y 1977 por la ABC. Las voces son las originales, salvo las de Mary-Ann y Ginger (a ambas las reemplaza Jane Webb).
* Rescate de la Isla de Gilligan ("Rescue From Gilligan's Island"): telefilme de 1978. Los siete náufragos logran abandonar la isla, pero no así reintegrarse exitosamente a sociedad. En Navidad deciden compartir un crucero, y el destino los hacer naufragar y volver a caer en misma isla. Otra vez hay espías soviéticos dando vueltas, y los actores son los originales, salvo Tina Louise, remplazada por una Judith Baldwin tal vez demasiado joven para el papel pero no por ello menos impactante.
* Los Náufragos de la Isla de Gilligan ("The Castaways on Gilligan's Island") de 1979. Otra vez son rescatados, y los Howell convierten la isla en un resort. Ginger era esta vez Constance Forslund, y si hubiera funcionado, hubiera dado pie al lanzamiento de una nueva serie, en la que los náufragos hubieran recibido a un grupo de turistas nuevo cada semana, al estilo de "El Crucero del Amor" ("Loveboat").
* Los Globetrotters de Harlem en la Isla de Gilligan ("The Harlem Globetrotters on Gilligan's Island"), de 1981. Los villanos a los que enfrentan los náufragos y los Globetrotters son Martin Landau y su entonces esposa Barbara Bain (ambos trabajaron juntos en la poco recordada "Cosmos 1999"). Ginger es otra vez Constance Forslund, y debido a su mala salud, Jim Backus / Mr. Howell sólo aparece al final.
* El Planeta de Gilligan ("Gilligan's Planet") versión animada de 1982-83, con las voces originales salvo Tina Louise (Dawn Wells hizo tanto la de Mary-Ann como la de Ginger). Los náufragos escapan de la isla construyendo una nave espacial (!) pero... vuelven a naufragar, esta vez en un planeta lejano.
Además, en un capítulo de "Alf", éste (fanático de la serie) reconstruye en el patio trasero de su casa la laguna de la isla, y sueña (otro guiño) con su vida entre los náufragos. No aparecen todos, sino solamente el Capitán, Gilligan, Mary Ann y el Profesor, quienes tienen un televisor hecho de bambú y ven un show basado en los Tanner...

El despertar de Gilligan

Para el final, una curiosidad que demuestra hasta qué punto la serie penetró en la cultura popular norteamericana: el libro "Gilligan's Wake", del crítico de cine y TV de "Esquire", Tom Carson. La novela revisita buena parte de la historia del siglo XX en EE. UU. a través de la vida de los náufragos de "La isla de Gilligan". Las criticas norteamericanas (5) hablan de una obra muy divertida, y dotada de una exuberancia a la vez naif y sarcástica, que mezcla tópicos de la cultura popular (del rock y sobre todo la TV) con alusiones a la alta literatura (algo perceptible desde el título, que remite a "Finnegan's Wake" de James Joyce).
Como en la novela de Joyce, tenemos una serie de pasajes oníricos (aquí, visiones alucinatorias) debidas al personaje principal, y algunos trucos literarios menores, como un primer capítulo que termina en mitad de una oración.
En la novela no sólo aparecen los siete náufragos, sino también, entre otros, la aviadora desaparecida Amelia Earhart, John Kennedy, Jean-Luc Godard, Sammy Davis Jr., Holden Caufield, protagonista de "The catcher in the rye" (El Guardián en el Centeno) de J. D. Salinger, Richard Nixon, Jean-Paul Sartre y Daisy Buchanan (de "El gran Gatsby" de F. Scott Fitzgerald). En el primer capítulo Gillian ("Gil") está internado en la misma clínica que, por ejemplo, Nixon, y ante el "doctor Kildare" insiste que no es Gilligan, sino... Maynard Krebs.
En "El cuento del capitán" aparecen tanto su camarada de armas Jack Kennedy como un oscuro oficial de logística... sí, Nixon. En el siguiente, Thurston Howell III cuenta la entretenida historia de su amistad con Alger Hiss, un funcionario del Departamento de Estado en los años '40, que era a su vez un espía de la URSS. Hiss le presenta al distraído Thurston a amigos como un tal "Gulag Ivanovich Gliaglin", ''de los, eh, Glialgin de Baltimore". En "Hola enfermera", Ginger relata sus visitas a la casa de Frank Sinatra y su aventura con Sammy Davis Jr. Y por su parte, en su episodio, la Sra. Howell, que no soporta a Thurston (aún no están casados) tiene una aventura lesbiana con Daisy Buchanan ("El gran Gatsby").
El mejor capítulo es el que protagoniza el Profesor, quien recuerda sus tiempos en el programa nuclear norteamericano, cuando ayudara a Robert Oppenheimer a elegir a Nagasaki como segundo blanco de bombardeo nuclear vendándole los ojos y jugando a la gallinita ciega. El Profesor deviene una especie de eminencia gris en las sombras del complejo militar - industrial norteamericano, y hasta tiene la idea de que el presidente Dwight Eisenhower lo denuncie en su discurso de despedida. Lo justifica así: "Para entonces todo el mundo estaría tan harto de Einsehower, a quien le hemos construido cuidadosamente una imagen de tonto genial, y encontraría tan desconcertante la absoluta incongruencia de una advertencia proveniente de tal fuente, que cualquiera que en adelante mencionase al complejo militar - industrial simplemente sonaría tan senil como él".
El Profesor dista mucho aquí de ser un tonto genial como es en la serie: puede salir a voluntad de la isla (en realidad los náufragos están allí como parte de uno de sus experimentos), es un sádico que viola hombres y mujeres a voluntad y hasta se convierte en Godzilla. Sólo siente "genuino afecto" por una única persona: Henry Kissinger...
Mary-Ann, en el largo y alegórico capítulo final "Ayer nunca se sabe" ("Yesterday never knows", primer guiño Beatle) es definida expresamente como "la personificación de América". Mientras estudia filosofía en La Sorbona tiene una breve relación con un petiso mal afeitado y enamorado del cine llamado "Jean-Luc quelque chose" (6) con quien pierde la virginidad... por primera vez. Por alguna extraña razón, el himen siempre se reconstituye.... Este párrafo que sigue ciertamente dista de ser inocente de alegoría, con sus transparentes alusiones al magnicidio de JFK y a la primera gira de Los Beatles por EE. UU.: "Los tiempos de espera hasta que mi virginidad se renueva después de una cita se han hecho cada vez más largos e impredecibles. Mi lapso más prolongado comenzó con una cita a fines de noviembre de 1963, después de la cual no volví a convertirme en virgen por casi tres meses enteros... Para mi sorpresa, sentí que estaba volviendo a serlo mientras miraba "El Show de Ed Sullivan", sin ninguna razón que yo supiese".
Mary-Ann afirma también que "las películas de reunión eran un montón de mentiras", y que le resulta extraño que los náufragos sigan en la isla, teniendo siempre la misma edad. Ginger le cuenta su teoría: los náufragos (incluyendo a ellas) son en realidad personajes ficcionales, viviendo "historias que nos harían la encarnación del siglo XX".
¡Qué lejos que nos llevó un simple naufragio!

NOTAS
(1) La serie "La ley del revólver" ("Gunsmoke") que era emitida los sábados a la noche y andaba mal de rating, fue cambiada al lunes a la noche para darle un poco de aire. "Gilligan" le cedió su lugar y se quedó sin pantalla... Si bien no debe desconocerse que la serie estaba dando las primeras muestras de agotamiento creativo, como lo demuestra la recurrencia del antiquísimo truco de escaparse de los límites por vía de los "sueños" de los personajes.
(2) En el piloto (¡cuya filmación terminó casualmente el 22 de noviembre de 1963, el día que mataron a John Kennedy!) era en realidad una secretaria, interpretada por Kim Smythe.
(3) En el piloto era otra de las secretarias, Bunny, representada por Nancy McCarthy.
(4) En el piloto no actuó Johnson, sino John Gabriel.
(5) "Gilligan's Wake: The Minnow found again". David Kelly, New York Times, domingo 26 de enero de 2003. Hasta donde sé, la novela no tiene versión en español.
(6) "Jean-Luc-cualquier cosa", por Godard, a su vez director de "Yo te saludo, María", película en la que se puede apreciar una polémica visión de... la virginidad de María, la madre de Jesús.

Extraido de:http://www.quintadimension.com/televicio/index.php?id=180

Superagente Cobra

Super Agente Cobra es un manga de ciencia ficción creado por Buichi Terasawa. La versión animada o anime fue dirigida por Osamu Dezaki y consistió en 31 capítulos y una película que salieron al aire durante los años 80. La historia fue inspirada en parte por un escrito de Philip K. Dick titulado We Can Remember It for You Wholesale.
La serie fue transmitida en Chile por Televisión Nacional, Venezuela por Venezolana de Televisión y Perú por América Televisión recibiendo censura por su alto contenido de violencia y sensualidad en la mayoría de países donde se emitió. Paradójicamente esto lo volvió un clásico.

Cobra

Cobra es un pirata espacial que se vio forzado a esconderse de sus enemigos de la mafia espacial modificando su rostro con una cirugía plástica y borrando su memoria. Buichi Terasawa se inspiró en el actor francés Jean-Paul Belmondo para crear el personaje de Cobra.

Personajes

Cristalino: Enemigo de Cobra, cuyo cuerpo es de un cristal resistente a las rayos laser y a la energía emanada de la psicoarma.
Tarvage: Enemigo de Cobra, de naturaleza vegetal que controla a las personas mediante la implantación de una semilla en el SNC.
Jane: Cazarecompensas.
Katherine: hermana gemela de Jane, las dos son hijas del capitán Nelson y tienen tatuado en su cuerpo el mapa de un tesoro.
Lady Andromeda: Compañera cibernética de Cobra
Tortuga: Nave espacial de Cobra

Extraido de:http://es.wikipedia.org/wiki/Super_Agente_Cobra

Los Fabulosos Cadillacs

Los Fabulosos Cadillacs era una banda proveniente de Buenos Aires, Argentina. Se formó en 1985 originalmente con el nombre de "Cadillacs 57" y como una banda de ska, vistiendo al estilo de Madness o de The Specials, sus principales influencias en los primeros años del grupo. Los Fabulosos Cadillacs es una de las bandas más influyentes y exitosas del llamado "rock latino". Lograron tocar diversas mezclas de estilos aparte del rock (que era su principal estilo): ska, jazz, salsa, folclore, reggae y rap, entre otros.

La Historia

La formación se fue cambiando a través de los años, pero siempre se mantuvieron los cantantes: Gabriel Fernandez Capello (más conocido como Vicentico) y Flavio Cianciarulo (conocido por su nombre, Flavio). Ellos dos fueron los principales fundadores (junto con Sergio Rotman, Mario Siperman y Luciano Ciugno Jr.), compositores escritores de las letras de las canciones.
En 1985 cuando, aún sin ser formalmente una banda musical, ya se presentaban ante discotecas y bares como un grupo, para así tratar de impresionar o ingresar gratis, aun, incluso, sin saber tocar "bien" sus respectivos instrumentos...
Durante esta etapa, en la cual recorrían pubs subterráneos, se llamaban "Cadillacs 57". Hasta que en un giro del destino, durante una de las presentaciones, el presentador del show (valga la redundancia ) los presentó, erróneamente, como "Los Fabulosos Cadillacs" y a partir de ese momento el nombre de la banda fue ese.
En 1986, ya formalmente como banda, editaron su primer álbum Bares Y Fondas, el género que predominaba en él era el ska, influenciado por bandas como Madness o The Specials. Vale decir que la singular vestimenta de esta banda también era influenciada por los artistas anteriormente mencionados, algo muy poco usual en el entorno de las bandas de Argentina en ese entonces, haciendo que la banda se convierta en una propuesta auditiva interesante.
Los singles del disco fueron el himno "Yo quiero morirme acá", el nervioso "Silencio Hospital" y la balada "Basta de llamarme así" (canción que Capello compuso para su fallecida hermana, Tamara).Otro momento destacable del disco es la cautivante "Galápagos" de Cianciarulo.
Logran con este disco hacer varias presentaciones en los Teatros Fénix y Astros ( ambos de la ciudad de Buenos Aires) con lleno total.
Ya mas experimentados, en 1987 graban su segundo disco Yo te Avisé, en el cual Andrés Calamaro (famoso canta-autor argentino) fue el encargado de la producción. Durante este tiempo también entra a la banda como trompetista invitado, Daniel Lozano (que sería, apartir de este disco, el trompetista definitivo).
El disco le otorgo múltiples satisfacciones a la banda; ya sea en el aspecto económico (se vendieron más de 250.000 copias) y los catapulto a una moderada fama (temporal) que les permitió hacer giras internacionales por los países limítrofes. En los aspectos estrcuturales del disco se puede notar claramente que evolucionó, en cierta forma, el nivel de producción de su trabajo. Las canciones estaban ligeramente más elaboradas, aunque no querían apartarse del género del ska (el cual les otorgo "fama"). Pero más allá de ello, el álbum presenta, como novedad, la incorporación al repertorio de los Cadillacs de un ritmo que, posteriormente, los convertiría en una marca internacional; estamos hablando del reggae... esto se evidencia en la canción "Muy, muy temprano". Y en 2º lugar, una experimentación con el dub que está "impresa" en "El genio del dub".
Los singles fueron: los ska sarcásticos y bromistas de "Mi novia se cayo en un pozo ciego" y "Yo te avise ", y el himno Cadillac, "Yo no me sentaría en tu mesa" (el cual, hoy en día, sigue siendo "plagiado" para hacer canturreos alentadores en los partidos de futbol de Argentina).
El Ritmo Mundial fue su tercer disco. Grabado y editado en 1988, en este álbum Los Fabulosos Cadillacs amplían su espectro musical hacia géneros mas comerciales para la época, sin perder la sobriedad en la composición. El disco abarca géneros como el ya hartante ska, la aparición de alguna u otra balada ("Siempre me hablaste de ella" y "Nº2 en tu lista") y algún dejo de "Bad boys band" en "Conversación Nocturna".
Los singles del disco fueron "Revolution Rock" (cover de The Clash, una de las bandas que más les influyeron), "Conversación Nocturna" y la inmortal "Vasos Vacíos" en la cual, la afamada cantante cubana Celia Cruz hace su aparición como artista invitada, resultando una de las mejores baladas de los Cadillacs explícita en ritmo de rock-steady.
En 1989 comienza un periodo de decrecimiento creativo acompañado de la crisis económica que atravesaba Argentina en ese entonces que se reflejó en las ventas y en la calidad de producción de lo que seria el cuarto LP de la banda el cual se titulaba "El satánico Dr. Cadillac". Dicho trabajo deja mucho que desear en el ámbito de la composición. Aunque tiene sus momentos: la balada "Contrabando de amor" y el rap "El golpe de tu corazon" son lo mas rescatable, el resto es desechable.
El single: el indudable himno "El satánico Dr. Cadillac" (canción que le da nombre al disco).
Dato curioso: se dice que entre 1989 y 1991, y mediados del 92', son periodos sombríos en la historia de Los Fabulosos Cadillacs con respecto a sus presentaciones en vivo.

1990 - 1995

En 1990 se edita "Volumen V" un disco rescatable y a la vez fresco para lo que era la exigencia musical de ese entonces. Dicho disco fue el que les otorgo a los Cadillacs el acceso a la expansión de su música a los Estados Unidos, mediante un contrato firmado con el productor internacional Tommy Cookman.
El disco tiene estrofas pegadizas como en "Los olvidados", reggae coqueteando al punk en "Radio Kriminal", y una canción en homenaje a Luciano Ciugno Jr., que había dejado la banda para lanzarse como solista, en "Caballo de Madera".
El single: en medio de un clima inestable para la banda, su pico creativo se demuestra en la salsa rock "Demasiada Presión", que, posiblemente, sea la canción mas pegadiza de la banda.
1991 no fue un año "satisfactorio" en varios sentidos. Evidentemente la banda pasaba por un periodo de déficit creativo y esto se evidencia en la placa del año en cuestión: "Sopa de Caracol" es un insípido maxi single que contiene 4 temas (un cover del archiconocidisimo tema "Sopa de Caracol", un remix de "Demasiada Presión", una nueva versión de "El Genio del Dub", y un mix al mejor estilo bailable de la década pasada compuesto por hits de la banda hasta el momento).
Frente a caer ante tal mediocridad explícita en este último trabajo, no se esperaría que los Cadillacs se reivindiquen artísticamente como lo hicieron en el año siguiente (y en los susbiguientes).
A fines del año 1991, la banda sufre cambios en su integración. Naco Goldfinger (saxo tenor) se va de la banda, pero a su vez ingresan dos miembros que quedarían como definitivos: estamos hablando de Fernando Albareda (Alias "Trombo") en Trombon y Gerardo Rotblat (Alias "Toto") en percusiones, en reemplazo de Naco Goldfinger y Luciano Ciugno J. R. respectivamente.
En agosto del '92, sale a las calles lo que seria el septimo trabajo de la banda: titulado "El Leon", esta deliciosa obra que combina todos los géneros practicados por los cadillacs haciendo principal énfasis en los ritmos caribeños: la salsa, calipso, el reggae resultando así un álbum esencial de la historia del rock argentino.
Buena parte de las canciones que contiene este disco fueron lanzados como singles y tuvieron su respetable éxito.
Al decir que el disco es rico en géneros no hablamos en vano: nos ofrece un clima carnavalesco y fieston en "Carnaval toda la vida" (el himno de Capello) y "Gitana" (de Cianciarulo, con un estribillo inconfundible), punk-ska en "Manuel Santillan, el León" que nos detalla la muerte de un delincuente por asunto de "ajuste de cuentas", baladas hermosas ("Siguiendo la luna" y "Venganza"), reggae y salsa ("El aguijón" y "El crucero del amor").
Como dato curioso; la edición en vinilo de este álbum se redujo a unas limitadísimas 500 copias (se rumorea que, incluso, fueron menos ). ¿Los motivos? En la edición de vinilo solo se encuentran 12 temas de los 15 que contiene el CD original (o sea, por cuestiones de espacio), y además en la Argentina, en el año 1992 la producción de discos en este formato se había vuelto escasa, debido al furor generado por el "revolucionario formato" del compact-disc.
Aunque no ofreció el éxito esperado en ventas, "El León" es una muestra contundente de la maduración creativa de la banda.
Pero ese esfuerzo es recompenzado, al fin, el próximo año.
1993 es el año de su disco "Vasos Vacíos", que se trata de una compilación de 17 hits, conteniendo como bonus versiones nuevas de éxitos pasados, y dos temas inéditos para la época: "Matador" y "V Centenario". Está de más decir que "Matador" (de Cianciarulo) se convirtió en rotundo éxito en ambas partes del Atlántico, y los reinvindicó como artistas comerciales. Sin contar el récord de ventas en Argentina e incluso en Latinoamérica de "Vasos Vacíos".
"Matador" es una samba reggae que narra las historias de un criminal en un ámbito rioplatense. El video de dicha canción, dirigido por Pucho Mentasti, fue reconocido en los MTV Video Music Awards como "Mejor Video Latino del Año", además de posicionarse como número 1 en casi todos los rankings radiales.
Una de las cualidades del disco es que toma viejas canciones de los Cadillacs como "El satánico Dr. Cadillac " o "Te tiraré del altar" y las devuelve como himnos para estadio. De hecho, "Matador" es el apodo del famoso futbolista chileno Marcelo Salas, quien jugó por varios años en el equipo argentino de River Plate.
Los Fabulosos Cadillacs disfrutan del éxito de su placa durante el año 94 realizando giras y múltiples presentaciones en el estadio Obras Sanitarias de la ciudad de Buenos Aires, de las cuales, luego, extrayeron canciones en vivo y lanzaron un disco en vivo titulado (valga la redundancia) "Fabulosos Cadillacs en vivo en Buenos Aires".
Sin contar, además, que ellos fueron la primera banda de Latinoamérica en tener su propio unplugged de MTV... que paradójicamente resultó ser "Plugged", es decir, fue solo un concierto eléctrico, en vivo.

1995 - 2002
Los integrantes de la banda afirman que la época de "Rey Azúcar" (1995) fue "la primavera de la banda". Grabado en estudios californianos, "Rey Azúcar" nos ofrece a unos Cadillacs más contundentes y precisos en lo que a identifición política se refiere, aunque su sonido era completamente igual a los trabajos anteriores, pero, era de esperarse; la banda tenía que sacar provecho de la situación componiendo temas en base a ritmos que les dieron éxito.
Los Singles

"Mal Bicho" fue el primer single de este álbum. Dicha canción suena como un gran grito de repudio a los causantes de las múltiples atrocidades que fueron cometidas en varios países latinoamericanos durante la década del 70, en especial en Argentina. Aunque nos hace acordar a "Matador", la canción tuvo su respetable éxito. El video clip de la canción fue prohibido en varios países.
"Strawberry Fields Forever", cover de un clásico de The Beatles, en ritmo de rock steady con estrella vocalista invitada: la mismísima Deborah "Debbie" Harry de la banda "Blondie".
"Las venas abiertas de América Latina", rotunda canción que lleva el nombre de un libro del escritor Uruguayo Eduardo Galeano. Una rara combinación punk-ska-hardcore llevada al límite.
Aunque estos fueron los singles, no significa que sea lo mejor del álbum: Reggaes tristones como "Ciego de amor" (de Rotman, que nos hace acordar a "Siguiendo la luna"), la pegadiza "Carmela", las estruendosas "Paquito" (el relato de un joven portador del VIH) y "Hora Cero", las exquisitas "Reparito" (mitad instrumental salsesco, mitad cantada), y "Muerte Querida" y la inconfundible letra de "Padre Nuestro", que según dicen está dedicada a Kurt Cobain, el fallecido líder de la banda de grunge "Nirvana".
Luego de Rey Azúcar y con una incipiente fama en los Estados Unidos. 1996 los ve grabando un cover de "Charlie don't surf" de The Clash, para un disco homenaje a dicha banda, y también lanzando un single grabado a mano con una banda de ska norteamericana llamada "Fishbone"; el single fue "What's new pussycat?", afamada canción de Tom Jones.
El resto del año, los Fabulosos dieron recitales a lo largo de su país y por Latinoamérica, y por qué no, en giras por el viejo continente! (algo no muy común en bandas provenientes de Argentina ). En donde llegaron a compartir escenario con los reyes del punk: The Sex Pistols, y con bandas de renombre como Cypress Hill, o Red Hot Chilli Peppers, en un festival llamado "Saint Gallen, al aire libre".
Es importante aclarar que a mediados del '96, nuevamente se producen cambios en la banda: el guitarrista y fundador Anibal "Vaino" Rigozzi abandona la banda y toma el mando como productor de la misma. En su lugar entra el guitarrista Ariel "Minimal" Sanzo, que influiría en el sonido del próximo disco.
Ya en el 1997, los Cadillacs preparan y editan el disco que los confirmaría como la gran banda del rock argentino. Estamos hablando de "Fabulosos Calavera" un disco que nos presenta a unos Cadillacs más jazzeros, más tangueros y con toques de hardcore. Un gran disco experimental. Los singles fueron 3 ("El muerto", "Calaveras y Diablitos" y "Sabato"), aunque hay que prestarle atención a canciones como "Surfer Calavera" (una rara mezcla de tres estilos bien individualizados; comienza con una intro con vientos muy al estilo "Crucero del amor", se torna un poco más jazzera y despotrica con una línea bien pesada de guitarras distorsionadas en el estribillo), "Howen " (que nos recuerda un ambiente Western), y la cautivante "A.D.R.B (en busca eterna)", con una letra melancólica y que nos recuerda un ambiente porteño.
El disco les brindo numerosas satisfacciones, entre las que se destaca haber ganado el primer Grammy a una banda en toda Latinoamerica, en el año 1998.
Los Cadillacs siguen activamente realizando recitales durante dicho año, entre los que se destaca el "Calavera Experimental Concherto".
Al mismo tiempo una nueva compilación de éxitos, simplemente titulada "20 Grandes Éxitos", que contiene versiones inéditas de canciones; "Mal Bicho" (con participación de Babasónicos, afamada banda Argentina) y una canción que no llegó a salir en el disco "El Ritmo Mundial..." llamada "Igual a Quién".
Ya en 1999 los Cadillacs, lanzan lo que seria su último trabajo en estudio: "La Marcha del Golazo Solitario", un exquisito disco plagado de canciones buenas, y que posiblemente nos haga ver a unos Cadillacs que vuelven a las bases de su éxito pero sin conformarse con esto siguen su camino de experimentación:
- Los Singles: "La Vida", con esta canción, preparada para ser single de venta, abre el disco; muy pegadiza. "Vos Sabes", cuyo video causó controversia por mostrar desnudos. "Los Condenaditos", un estribillo pegadizo y melancólico en un ritmo samba. "C.J", eterna balada romántica de Capello.
Pero... habría que prestarle atención a canciones como: "Cebolla, el nadador", la osquertada "Aguila", o al excelente instrumental "57 Almas".
Subsiguieron las presentaciones en vivo del disco, en una Argentina atormentada por la mala administración económica de ese entonces.
En septiembre del 2000 se los sorprende festejando sus 15 años de trayectoria en el Estadio Obras Sanitarias de la ciudad de Buenos Aires, dicha presentación fue grabada en vivo y posteriormente editada en dos CD: "Hola" y "Chau".
Años más tarde, en el 2006, sale a la venta un DVD con dicha presentación en vivo titulado, igualmente "Hola / Chau ".
En el 2001, continúan con su gira de festejo por los 15 años. Pero se destaca una presentación en el Teatro Astros de la ciudad de Buenos Aires con el nombre de "Loco Miedo Loco", caracterizada por tener covers oriundos de todo género: "Sus ojos se cerraron" (inmortal tango de Carlos Gardel), "Sucio y desprolijo" (cercano al blues rock) y "El Cantante".
En este año, también, en la banda se evidenciaba una situación de inestabilidad: Dos de sus integrantes saldrían de la banda: Mario Siperman (teclados) y Daniel Lozano salían de la banda por razones poco claras.
La Separacion

Los rumores de separación se van incrementando durante el 2002, aunque los Cadillacs argumentaban que "solo queremos probar suerte como solistas... pero nunca nos separamos".
En este año, el cantante de la banda, Vicentico, presenta su primer trabajo solista titulado "Vicentico", con respetable éxito. Sus otros miembros forman o integran bandas como "Pez" (de Ariel Minimal), "Flavio Calaveralma Trío" (de Flavio Cianciarulo), "Cienfuegos " (de Sergio Rotman), "Mimi Maura" (Fernando Ricciardi, Gerardo Rotblat). Otros proyectos como "La cornetita" (integrado por algunos de los vientos de los Cadillacs) y "Tesoro Mío" (Soundtrack de una película) tuvieron su moderada fama underground.
En los año siguientes (2003 - 2006) no hay aparentes noticias de reunion, aunque los integrantes con sus respectivas bandas presentan sus nuevos trabajos: Pero en mayo del 2006,la banda se reúne para grabar un cover homenaje en el disco ¡Calamaro Querido! Cantando al Salmón dedicado al cantaautor del Rock Argentino Andrés Calamaro. Esto hace suponer una futura reunión de la banda.

Extraido de:http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Fabulosos_Cadillacs

Revista Billiken

¿Quién inventó Billiken? ¿Por qué le pusieron ese nombre? ¿Quéres saber cómo nació tu revis favorita? Aquí va…



Desde el 17 de noviembre de 1919, cuando apreció el Nº 1, su nombre intrigó a grandes y chicos.

¿Qué significaba Billiken?

La respuesta no es breve, pero tampoco compleja.
Según una antigua leyenda, en la India vivió un simpático dios que logró arrancarles sonrisas a dos príncipes apesadumbrados. Y viendo el dios que en el mundo había aún más tristeza, se encargó de llevar alegría a muchas otras naciones y culturas remotas.
A principios del siglo XX, el fabricante norteamericano Billy Kent conoció la leyenda y creó un muñequito petiso, barrigón, eternamente sonriente y parecido a Buda, como se lo imaginaba él al dios Hindú.
Y como éste no tenía nombre lo bautizo con el suyo. Después, el pequeño ídolo se puso de moda en todo el plantea y fue muy popular entre los chicos argentinos.
Si tener un amuleto de Billy Kent no daba tanta suerte como se decía, por lo menos era un lindo regalito de buen augurio.

Y a Constancio C. Vigil –periodista y escritor–, que es esos días buscaba afanosamente un título para una inédita revista infantil, le pareció una buena idea usar el nombre de ese muñeco que los nenes amaban. Billy Kent, dicho todo junto y sin la T, pasó a ser Billiken.
Y así fue como la revista Billiken conquistó su identidad y el corazón de incontables lectores.

Constancio C. Vigil ,El Creador

El padre de Billiken nació en Rocha, República Oriental del Uruguay, el 4 de septiembre de 1876.
Hijo de importante abogado y periodista de igual nombre, estudió ciencias y letras en la Universidad de Montevideo y, ya recibido, escribió para el diario argentino La Nación.
El 1901 dirigió La Alborada, revista que propulsaba ideales de fraternidad latinoamericana.
En 1911 fundó –en Buenos Aires. Mundo Argentino, y siete años después dirigió El Hogar.
En 1918 lanzó la revista Atlántida y la editorial homónima, en 1919 El Gráfico y Billiken, considerada la revista infantil más antigua del mundo de habla castellana.
Más tarde publicaría Para Ti, La Chacra y otras. Como pensador, Constancio Cecilio Vigil les ofreció a los adultos títulos humanistas como Vida Espiritual o Amar es Vivir, y sus mejores versos filosóficos en El Erial, traducido a numerosos idiomas. Pero sin duda su gran pasión fue educar y entretener a los chicos rioplatenses.
Exclusivamente para ellos concibió las maravillosas venturas de La Hormiguita Viajera, Misia Pepa o El Mono Relojero, además del Diario de un Niño, Marta y Jorge, La Escuela de la Señorita Susana y un libro de lectura que encantaría a varias generaciones de alumnos, padres y maestros: el inolvidable Upa.
Falleció en Buenos Aires el 24 de septiembre de 1954, tras 78 años de una vida plena de realizaciones y sueños cumplidos.




Extraido de:http://www.billiken.com.ar/historiaBilliken.php

Mazinger Z

Mazinger Z (マジンガーZ, majingā zetto?) es un manga y anime del dibujante japonés Go Nagai. Como en muchos otros casos, empezó siendo un manga para posteriormente trasladarse a la televisión. Es uno de los precursores del género Mecha de robots gigantes y manipulados por seres humanos.
El manga se publicó en la revista semanal Shōnen Jump entre el #42 de 1972 y el #35 de 1973 , antes de publicarse en tomos separados. En Japón fue un éxito.
En Latinoamérica y Europa la serie consigue gran popularidad , (a pesar de que no se emitieron todos los episodios y los que fueron emitidos no llevaban el orden correlativo) En America Mazinger Z llega hasta el año de 1979
Existen registros de otro robot de nombre Mazinger Z, de un cómic que en el año de 1978 la editorial Valenciana público con el nombre de "Mazinger Z" "El Robot de las Estrellas" basado en la película de nombre “Mazinger-Z, The Iron Superman”, producida por Goler Films S.A., y dibujada por José Sanchís Grau , creador del gato Pumby.

El Argumento

El Doctor Hell (Dr. Infierno) y el Doctor Kabuto, en medio de una expedición arqueológica, encuentran en la Isla de Rodas restos de una gran civilización, capaz de construir robots gigantes. El Doctor Hell cree que construyendo robots de ese tipo podrá gobernar al mundo y movido por su ambición de poder trata de convencer al Dr. Kabuto de unirse a él y juntos dominar al planeta, el Dr. Kabuto no esta de acuerdo y se convierte en enemigo de su ex-colega. El Dr. Infierno mata a todos los miembros de la expedición pero afortunadamente (para la historia) el Dr. Kabuto logra escapar y encuentra en la falda del monte Fujiyama la aleación de un nuevo elemento aliación Z; con el cual construye a Mazinger Z para acabar con el Dr. Infierno. El Baron Ashler por ordenes del Dr. Infierno, asesina al Dr. Kabuto, quien agonizante da instrucciones breves a su nieto, Koji Kabuto, para manejar a Mazinger Z y destruir los planes del Dr. Infierno.
En lo sucesivo, el doctor Infierno acechará constantemente con sus creaciones a la humanidad, pero ahí estará siempre Mazinger Z para enfrentarse a sus andanzas cual caballero de la Edad Media.
Nuevos robots y nuevas armas de destrucción masiva salen de las fábricas ocultas y secretas del doctor Infierno, lo que supone un reto de actualización contínuo para el Dr. Yomi, asistente del Dr. Kabuto, que atiende y supervisa la ingeniería de Mazinger Z. El Dr. Yomi también construyó un mecha de nombre Afrodita A, que era pilotada por su hija Sayaka Yomi .
A la par de la secuencia de la serie, surge un amor ambiguo entre Koji Kabuto y Sayaka. Desgarrado continuamente por las fechorías del doctor Infierno y la ira de venganza que Koji Kabuto siente por dentro, así como las personalidades de ambos (Koji es orgulloso y machista, y Sayaka es celosa y de carácter fuerte), parece que ese amor nunca cuaja.
También está presente el humor entre otros simpáticos personajes, compañeros yamigos de Koji y Sayaka.
La evolución de los artefactos robóticos va marcando el guión en el tiempo de la serie. Desde el "Spilder", que se acopla en la cabeza del robot Mazinger Z, hasta las armas instaladas y finalmente el "Jet Scrander" las alas para poder volar, o incluso la capacidad para poder sumergirse en el agua. Además de otros robots como el de Sayaka, "Afrodita-A", que ayuda a Mazinger Z cuando este se encuentra en apuros, e incluso el Robot de Boss (Jefe), uno más destartalado que construyen los científicos del laboratorio para él y sus compañeros como respuesta cómica y emocional al heroísmo inexistente en sus vidas comparadas con la de su compañero Koji.
Por otra parte, la evolución en los robots del doctor Infierno también es notable. En cada capítulo ve la luz un nuevo robot, con capacidades extraordinarias, pero que siempre adolece de un punto débil que aprovecha Mazinger Z. Igualmente, el guión se ve reforzado por los cabecillas de mando del doctor Infierno, el "Barón Ashler" (O Ashura), que es hermafrodita desde una simetría bilateral del cuerpo y, capítulos más tarde, el "Conde Broken" (Conde Decapitado - MEX) cuyo personaje muestra como característica tener la cabeza separada del tronco, y llevarla habitualmente como un casco bajo el brazo. Ambos se esfuerzan en sus cometidos, y ambos padecen la ira del doctor Infierno cuando fracasan aunque, como es lógico, por la continuación de la serie cabe el perdón a cambio de una nueva oportunidad para la victoria deseada por el doctor Hell.
En el penúltimo capítulo es en donde MAZINGER Z mata al doctor Infierno. Lamentablemente eso no sería todo por que un secuaz de éste que tenía cuerpo de tigre, el Duque Gordon, se une a otro maléfico líder. En el último capítulo el nuevo personaje envía dos robots muy poderosos para destruir a Mazinger... y lo logran, pero en ese momento aparece el papá de Koji (que siempre se creyó muerto) enviando al ataque a su creación Gran Mazinger (un robot más moderno y poderoso) que no tiene problemas en acabar con los monstruos mecánicos. Así termina el capítulo 92 de esta serie.

La Serie De TV

El guión de la serie fue escrito por Susumu Takahisa y Keisuke Fujikawa, los directores fueron Yugo Serikawa, Tomoharu Katsumata, Nobuo Onuki y Bonjin Nagaki. El diseño de los caracteres estuvo a cargo de Yoshiyuki Hane y la música de fondo fue compuesta por Shunsuke Kikuchi.
Hay varias continuaciones animadas, como Gran Mazinger y Mazinkaiser, ésta última no basada en el manga, pero contando aún con la colaboración de Go Nagai. Además, el proganista Kōji Kabuto aparece en otras series del mismo autor como UFO Robo Grendizer.

Personajes

Nota: Los nombres en caracteres japoneses vienen en el orden apellido-nombre que se usa en Japón.

Kōji Kabuto (兜 甲児), protagonista y piloto de Mazinger Z.
Shirō Kabuto (兜 シロー), hermano menor de Koji.
Profesor Juzo Kabuto (兜十蔵博士), abuelo de Koji e inventor de Mazinger Z.
Sayaka Yumi (弓 さやか), la joven y bella hija del Profesor Yumi, es el interés amoroso de Koji, coprotagonista y piloto del robot femenino Afrodita A.
Profesor Gennosuke Yumi (弓 弦之介), científico colaborador de Juzo Kabuto y padre de Sayaka Yumi.
Profesores Morimori (もりもり博士), Sewashi (せわし博士) y Nossori (のっそり博士), un trío de científicos que trabajan junto al Prof. Yumi, reparando y mejorando a Mazinger Z y Afrodita A cuando es necesario.
Boss (ボス), el jefe de una banda de motoristas, que incluye a sus secuaces Mucha (ムチャ) y Nuke (ヌケ); ellos proveen el tono cómico a la serie. Aunque tontos y torpes, y en un principio en conflicto con Koji (ya que Boss está enamorado de Sayaka), se convierten en aliados de los héroes. Más adelante en la serie Boss pilota un robot construido de chatarra llamado como él, Robot Boss.
Doctor Infierno (ドクター・ヘル, Doctor Hell) es el científico loco que trata de ser el amo y señor del mundo, aterrorizando a la humanidad con sus enormes brutos mecánicos.
Barón Ashura o Barón Ashler (アシュラ男爵), el hermafrodita (mitad hombre, mitad mujer) lugarteniente del Dr. Infierno, quien trata por todos los medios de destruir a Mazinger y ayudar al Dr. Infierno a conquistar el mundo.
Conde Brocken o Conde Decapitado (ブロツケン伯爵, Count Brocken), un oficial alemán cyborg, que tiene su cabeza separada del cuerpo, y actúa como rival del Barón Ashler, tratando de destruir a Mazinger por su cuenta para ganar el favor del Dr. Infierno.
El Vizconde Pigman (ピグマン子爵) , otro extraño secuaz del Dr. Infierno, que utiliza magia negra.
El Duque Gorgón (ゴーゴン大公), un antiguo y misterioso aliado del Dr. Infierno, a quien más adelante en la serie le provee unas bestias mecánicas muy poderosas para combatir a Mazinger.
Asuma Kasuma , este aparece solo en un capítulo y era el enamorado de Sayaka quien muere para salvarla del baron Ashler.

Mazinger Z Alrededor Del Mundo

Desde Japón y la mayoría de los países en el lejano oriente, Mazinger encontró audiencia en muchas partes del mundo, y ha sido traducido en muchos idiomas. En Europa, Mazinger fue televisado en España e Italia, con un éxito asombroso. Extrañamente, no fue mostrado en Francia hasta a finales de los 80's, y fue percibido como una imitación de Grendizer, aun cuando este era el original. La inconsistencia en la distribución de las series de Mazinger fuera de Japón condujo a una confusión similar en otros mercados de occidente.
Mazinger fue también mostrado en países de Centro y Sudamérica (con un doblaje del español hecho en México) en su totalidad y sin corregir (La versión Española fue editada a 30 episodios). El Show ha mantenido una gran admiración desde sus inicios.
Entonces, en 1984, el show salió al aire en los Estados Unidos con el título de Tranzor Z. Poco semejante a como había sido llevado el show de Manzinger, Tranzor Z fue excesivamente editado y acortado a 65 episodios, con el storyline cambiado además de cambiar los nombres de la mayoría de los personajes. La reescritura y la re-edición del show para la audiencia de los Estados Unidos fue hecha porque el contenido del show era supuestamente muy violento, y no estaba permitido (y aun sigue sin serlo) en un show que está dirigido mayoritariamente a niños y adolecentes. El contenido en la serie original fue, de hecho, altamente explicito y grafico en términos de violencia, a veces mostrando (junto con las obias batallas de robots gigantes) violentas muertes de personajes de fondo, gente corriendo y gritando mientras ciudades son destruidas por maquinas bestia y espantosas escenas de accidentes (una escena muestra un avión comercial lleno de gente volando a través de una nube, para luego chocar contra una gigantesca fortaleza de aire construida por los "chicos malos", matando a todos los pasajeros). Este y otros contenidos fueron considerados violentos para un show que debía ser considerado como "caricatura para niños". Sin embargo, muchos fans de anime argumentan que la edición de las series ocasionan un bajo raiting durante su restricción en los Estados Unidos.
Alternativamente, hubo otro doblaje del inglés del show que estaba mas apegado a la versión japonesa original; con la excepción de tener los mismos nombres de todos los personajes, el título del show y aun una versión en inglés de la canción original japonesa. No se tiene claro cuantos episodios se les dió este doblaje, o quien fue el que los produjo (Aunque fue probablemente antes de la versión de Tranzor Z). Este doblaje más preciso fue producido en Hawaii. Los doblajes de Hawaii fueron después puestos al aire en las Filipinas, donde el doblaje fue continuado por una transmisora local anteriormente a la cancelación del show por orden de Ferdinand Marcos.
En el doblaje Árabe, titulado "Mazinjer", fue hecho en un intento al efectivo en una manía de Super Robot creados en países de habla árabe por UFO Robot Grendizer. Aunque no lo hizo tan bien como Grendizer, sigue encontrando popularidad y ganando una gran cantidad de fanáticos en países de habla árabe, incluyendo Egipto. Sin embargo, solo los primeros 27 episodios fueron traducidos (Existe la posibilidad de que el doblaje árabe hayan sido de los 27 producidos en Hawaii).

Los Robots De La Serie

Mazinger Z es el robot protagonista, pilotado por Kōji Kabuto, y su arma más destructiva son los rayos fotónicos que brotan de su pecho.
Afrodita A es la robot femenina, pilotada por Sayaka Yumi, y al igual que esta con Kōji, es el amor platónico de Mazinger. Su arma destructiva son sus senos donde lleva dos misiles que arroja al grito de "pechos fuera".

Extraido De:http://es.wikipedia.org/wiki/Mazinger_Z

Bee Gees

Bee Gees fue un grupo musical británico compuesto por los hermanos: Barry Gibb, nacido el 1 de septiembre de 1946, y por los gemelos Robin y Maurice Gibb, nacidos en 1949. b A la década de los cincuenta comenzaban a actuar en público, en pequeños conciertos en su tierra natal. El nombre de Bee Gees se debe a las iniciales de Brothers Gibb (hermanos Gibb), que son BG y en inglés se pronuncia Bee Gees.
En 1958 la familia de los Gibb se muda a Brisbane, donde los hermanos siguen desarrollando sus actividades artísticas. Así, después de tocar en diversos clubs, firman en el año de 1963 el primer contrato con la RSO y un año después graban su primer álbum. En el año de 1966 consiguen su primer número uno en Australia con el tema "Spicks and specks". Un año después regresan a Inglaterra.
En el año de 1967 lanzan su primer álbum en Inglaterra First, consiguiendo un éxito y una sola inspiración de la música de The Beatles editando temas como "Holiday" "New York Mining Disaster 1941", "Every Christian Lion Hearted Man Will Show You". Todas las canciones fueron compuestas por Barry Gibb, con solo 19 años.
Después de que se mudan a Miami con el productor Arif Mardin, comienzan la etapa americana con el disco Mr. Natural, en el año de 1974 y Main Course, un año después. El estilo evoluciona desde la música romántica y sentimental hasta el Rhythm & Blues.
Poco después se pasaron a la música disco, anticipándose a lo que luego sería la moda. Editan Children of the world consiguiendo el número uno con la canción "You should be dancing".
En 1977 llega el mayor éxito a nivel mundial de la banda sonora Saturday Night Fever, el sello de la película del mismo título.
En el año de 1979 publican Spirits having flown, consiguiendo varios número uno con temas melancólicos como "Tragedy" y "Too much heaven". Su estilo ahora es nuevamente melódico en sus letras, aunque con ritmo más vivo.
En 1981 editan Living eyes, mientras se toman un descanso en su carrera como grupo para iniciar trabajos en solitario, aunque el primero fue Barry, quien colabora en composiciones para otros artistas como Barbra Streisand, Diana Ross, Bryan Adams y Kenny Rogers.
En el año 1987 se vuelven a reunir para grabar el álbum "E.S.P.", y 4 años después One. Cuatro años después editan High civilization, y en 1993 Size isn't everything. En 1997 editan Still waters, en el que los Bee Gees deslumbran a medio mundo con sus voces. En 2001 sale a la venta "This is where I came in", que fue muy bien recibido por el público y fue el último disco grabado antes de la muerte de Maurice dos años después. En ese mismo año se edita y sale a la venta The record una compilación de lo mejor de los hermanos Gibb. En 2004 aparece Number Ones otra compilación, y en 2005 aparece Love Songs una compilación de las mejores canciones de amor de los Bee Gees.
The Bee Gees (abreviatura de Brothers Gibb), grupo de música pop británico formado en torno a los hermanos Barry (nacido el 1 de septiembre de 1946 en Douglas, isla de Man) y los gemelos Robin y Maurice Gibb (nacidos el 22 de diciembre de 1949 en Douglas, isla de Man. Maurice falleció el 11 de enero de 2003 en Miami).
The Bee Gees comenzaron su carrera como grupo infantil en Manchester, antes de emigrar con sus padres en 1958 a Australia. En la década de 1960 se convirtieron en uno de los conjuntos de mayor éxito gracias a sus pegadizas baladas románticas. Tras su triunfo en un concurso radiofónico apareció el primer disco sencillo Three Kisses of Love (1963). Sus canciones, interpretadas con la característica voz en falsete, se convirtieron en éxitos mundiales. Los títulos más famosos de The Bee Gees fueron Spicks and Specks (1966), Massachusetts (1967), World (1967), Words (1968), I’ve Gotta Get a Message To You (1968). El rasgo característico de su música fueron las pulidas interpretaciones a coro. En 1969 se disolvió el grupo, pero un año más tarde volvió a unirse.
Obtuvieron grandes éxitos con la música disco y las bandas sonoras de películas como Fiebre del sábado noche (1977, de John Badham), con la que John Travolta dio el salto a la fama como actor. Las melodías más conocidas de esta última cinta son “Stayin’ Alive”, “Night Fever” y “How Deep Is Your Love”. Desde 1987 trabajan en su propio estudio de grabación en Miami (Florida). La canción “You Win Again” (1987) se convirtió en un éxito internacional. Otros discos del grupo son Bee Gees 1st (1967), Horizontal (1968), Odessa (1969), Trafalgar (1971), To Whom It May Concern (1972), Main Course (1975), Living Eyes (1981), Still Waters (1997) y This Is Where I Came In (2001).

Extraido de:http://es.wikipedia.org/wiki/Bee_Gees

Nippur De Lagash

Fue creado por Robin Wood (guionista) y Lucho Olivera (dibujante). Su primera historieta, proyectada como historia unitaria, se publico en el año 1967 en la revista D´artagnan n° 151, editada por la Editorial Columba. Aproximadamente, 449 episodios son el fruto de treinta y un años de publicación; he aquí un resumen de su historia.
1.- 1967/1970: Primeros pasos del "Errante".
Estas primeras historias realizadas por Wood y Olivera se publicaron originalmente, en blanco y negro, en la revista D´artagnan; en ellas se presentan a los personajes que acompañarán a Nippur a lo largo de su vida y se plantean los conflictos que el protagonista deberá ir resolviendo con los años. Los primeros siete episodios son historias unitarias protagonizadas por Nippur de Lagash y Ur-El de Elam, tras verse obligados a abandonar Lagash - ciudad en la que Nippur era General - debido a la traicionera invasión del rey Luggal-Zaggizi de Umma. Los amigos, tras jurar venganza, se largan a los caminos y viven emocionantes aventuras: ayudan a Teseo de Atenas a vencer al Minotauro, consiguen enemistarse a muerte con los hititas - cosa que les traerá en el futuro grandes dolores de cabeza -, y Nippur conoce y se enamora de Nofretamón, princesa de Egipto, a quien debe renunciar por orgullo. Recién a partir del episodio número ocho, puede leerse "Nippur de Lagash" antes del título de la historia del turno. Son los hechos determinantes de este período: primero: Nippur y Ur-El conocen a Sargón, actual copero del rey de Akad, el hombre que, como bien sabe aquel que haya un leído un poquito de historia, convulsionará el mundo conocido en el siglo XXIV A.C.; segundo, Ur-El abandona los caminos y a Nippur para vivir apaciblemente en la ciudad de Merem, casándose con la reina del lugar. Tras esto, el sumerio comienza a labrarse una sólida fama de hombre sabio y justo, caminante solitario y destacado militar. Bastante maltratado por la vida, tras escaparle a un destino de esclavo, decide evitar la compañía humana viviendo en desiertos y bosques.
2.- 1971/1972: La saga de los hititas en Egipto.
A lo largo de once episodios, transcurre la primera saga de Nippur. Dibuja los guiones de Wood, lucho Olivera; pero a partir del séptimo capítulo de la saga, se hará cargo de los dibujos Sergio Mulko, al principio bastante condicionado por seguir el estilo de Olivera, pero luego mucho más interesante al seguir su propio camino. En la historieta, Nippur regresa a Egipto, tras años de vagabundear por el mundo, para salvar la patria de su amada reina Nofretamón, que esta a punto de ser invadida por los ejércitos hititas. Al frente del débil ejército egipcio, Nippur consigue la victoria valiéndose, en primer término, de un grupo de selectos bandoleros, y después, consiguiendo la alianza de "Los Hombres de Fuego", una letal secta de sacerdotes-guerreros. Al terminar la guerra, una epidemia sacude a Egipto y mata a Nofretamón. Nippur, negándose a aceptar el trono egipcio, regresa a sus caminos con el corazón roto. Finalizada a la saga, la Editorial Columba lanza al mercado la revista "Nippur de Lagash", un comic book a todo color, con historias de Robin Wood brillantemente ilustradas por Ricardo Villagrán. Paralelamente, Nippur continúa apareciendo en D´artagnan pero con dibujos de Mulko y en blanco y negro.
3.- 1972/1973: Flashbacks.
El comic book de Nippur representa para Robin Wood un buen medio para darle forma más acabada al pasado del protagonista y presentar un par de personajes secundarios que, en el futuro, serán determinantes en la vida de Nippur. El hombre de Lagash vuelve a enamorarse, pero esta vez de Karien la Roja, reina de las amazonas, con quien - pese a las distancias - mantendrá un romance eterno. También conoce a Hattusil, el hitita jorobado - considerado el mejor guerrero del planeta - quien pasa a convertirse en el mejor de sus amigos. En una suerte de inserto dentro de la continuidad, se cuenta la infancia de Nippur; su educación en manos de "El Anciano", un famoso instructor de príncipes, y la historia de su primer amor. Del mismo modo, la historia de Nippur retrocede hacía las épocas inmediatamente posteriores en que, junto a Ur-El y Teseo, vencieron al Minotauro: es curioso ver a un Nippur sin barba, de no más de diecisiete años, absolutamente juvenil y despreocupado, guerreando contra bellas amazonas.
4.- 1973/1974: La saga de la búsqueda de Teseo.
Esta segunda saga, dibujada por Ricardo Villagrán en el comic book y por Mulko en D´artagnan, presenta a Nippur y sus amigos (Ur-El, Hattusil y Piritoos) buscando a Teseo, perdido en tierras desconocidas e ignorante de que en su ciudad, Atenas, un usurpador llamado Menesteo se ha hecho con la corona. La espectacular aventura termina con el regreso de los héroes, la muerte de Piritoos y la recuperación del trono ateniense para Teseo.
5.- 1974/1978: El Incorruptible.
En las historias de Nippur publicadas en este período, el sumerio comienza a ser más reconocido por el título de "Incorruptible" que por el de "Errante": su fama de hombre sabio ha superado a su fama de aventurero. En Julio del ´74 deja de salir el comic book. A partir de 1975, Mulko y lucho Olivera se reparten la tarea de dibujar los episodios escritos por Wood; al mismo tiempo, la mayor parte de los episodios publicados en D´artagnan comienzan a ser coloreados. Cada tanto, puede encontrarse algún episodio dibujado por Carlos Leopardi o por alguno de los hermanos Villagrán (Ricardo o Enrique). A fines de 1976, un joven Jorge Zaffino se convierte en dibujante titular de la serie; los guiones continúan siendo de Robin Wood pero ahora asistido por Ricardo Ferrari. Un episodio decisivo en la vida de Nippur es su efímero paso por Egipto, en donde presencia el exterminio a manos de Akhenamón - el pérfido hermano de Nofretamón y actual rey del país - de los "Hombres de Fuego" que, años antes, habían salvado a Tebas.
6.- 1978: La saga del ojo de Nippur.
A fines del ´77, Carlos Leopardi asumió la responsabilidad de dibujar la serie de Nippur; de aquí en adelante, todos los episodios serán a color. En 1978, la Editorial Columba cumplió cincuenta años... y la velita de la torta fue el ojo izquierdo de Nippur. En un giro sorprendente dentro de la historieta, el sumerio queda tuerto de un flechazo; tras esto, al borde de la muerte y con su voluntad absolutamente quebrada, el Hombre de Lagash no se recupera sino hasta que el muchacho que le hacía las veces de Lazarillo, muere por su culpa. De aquí en más, Nippur lucirá un coqueto parche de cuero negro sobre el lugar que ocupaba su ojo.
7.- 1978/1980: Historias mínimas.
El Tuerto de Lagash parece rehuirle a las aventuras, pero aunque a veces consigue limitarse a ser espectador, en ocasiones no tiene más remedio que plantarse y presentar lucha. En diciembre de 1979, Nippur de Lagash deja de publicarse en la revista D´artagnan y se muda para inaugurar su propio título: Nippur Magnun. Ahora, los dibujos corren a cargo de Ricardo Villagrán.
8.- 1980/1981: La saga de Ramsés.
Nuevamente, Nippur regresa a su amado Egipto para liberarlo de una terrible amenaza: los hicsos de Raphat, el Conquistador. Pero existe otro peligro, aunque interno: Akhenamón, el rey de Egipto que odia tanto al sumerio que es capaz de traicionar a su gente con tal de verlo muerto. Nippur cuenta con el apoyo de Karien y sus amazonas, Ur-El y los ejércitos de Merem, Hattusil (próspero, casado y feliz) y los sumerios que acaudilla; también es destacadísima la fidelidad y confianza que le dispensa el General de los ejércitos egipcios, Rajhotep. Naturalmente, la cruenta guerra tiene como vencedor a Egipto. Tras su final, hay un nuevo monarca: Rajhotep, ahora llamado Ramsés, que ha sido ungido por el propio Nippur; el antiguo rey, Akhenamón, fue asesinado por Raphat. A modo de epílogo, Nippur se entera que Karien espera un hijo suyo. La amazona huye a sus montañas, pero promete al Tuerto de Lagash llamarlo cuando esté a punto de suceder al alumbramiento. No es poco lo que ha pasado en diez episodios.
9.- 1982/1983: La saga del nacimiento de Hiras.
Los ocho capítulos que conforman la saga cuentan como Nippur y Karien deben evitar la desaparición de su hijo recién nacido, Hiras, a manos de un grupo de amazonas fanáticas que no desean que su reina mantenga lazos afectivos con hombre alguno. Tras poner los puntos sobre las íes, Nippur parte con su hijo a tierras de su acaudalado amigo Hattusil para vivir una tranquila vida de labriego. Ja. A partir de los tres últimos episodios de la saga, se hace cargo con la titularidad gráfica de la serie Enrique Villagrán, que firma con el seudónimo Gomez Sierra. A principios del ´84, se publican dos episodios de relleno escritos por Armando Fernández: uno lo dibuja Eduardo Barreto y el otro Ricardo Villagrán.
10.- 1984/1985: La saga de los hermanos tatuados.
Consta de dieciocho episodios; los más importantes están escritos por Robin Wood y dibujados por Enrique Villagrán. Hay un episodio escrito Fernández y dibujado por Zaffino, y otro escrito por Manuel Morini (Gustavo Amézaga). La historia narra como Nippur, sintiéndose en deuda con un anciano que salva la vida de su hijo Hiras, se lanza a una aventura que lo alejara años de su niño. En principio, debe reunir a tres hermanos (dos mujeres y un hombre) de frente tatuada, organizar un ejército de la nada y recuperar para el trío el reino de una isla, usurpado por un extraño rey ciego que, además de contar con un portentoso ejército de mercenarios, tiene tratos con fuerzas ocultas del mal. Una buena decena de años le lleva completar con éxito la ardua tarea, y un par más regresar a su hogar.
11.- 1986/1987: Volver.
Una verdadera odisea es el camino de regreso a casa; otra aventura es recomponer su relación padre/hijo con Hiras, ahora convertido en un arrogante y misterioso pre-adolescente que, pese al cariño que le profesa hacia su legendario padre, no desea perder la independencia ganada en tantos años de ausencia paterna. Wood y Enrique Villagrán continúan al frente de la serie, pero son fundamentales los episodios escritos por Ricardo Ferrari en los que se consolida la relación de Nippur con su hijo, y en los que en el último comienza a educarse en los templos.
12.- 1987/1990: La saga de la Reconquista.
Y llega la mega-saga más importante de la historia de Nippur: La Saga de la Reconquista de Lagash. Nippur responde al llamado de su viejo amigo Sargón, el rey de Akad, quien se apresta a iniciar la guerra contra Luggal-Zaggizi, el malvado rey de Umma que, hace más de dos décadas, expulsara a Nippur de la ciudad de Lagash. Siempre con Wood en los guiones (aunque hay algunos intervenciones de Ferrari y de Morini), Enrique Villagrán se encarga de los dibujos hasta fines de 1988, momento en el que regresa Sergio Mulko estrenando estilo. En esta saga de cincuenta y dos episodios, se reconocen fácilmente dos partes:
A.- Las Alianzas: Enviado por Sargón, Nippur inicia acciones diplomáticas tendientes a lograr la alianza de los más importantes reyes del mundo conocido. Tal vez la alianza fundamental que logra para su causa, es la de Ur-El de Merem, su viejo amigo, pese a que existe una profecía que lo condena a muerte en el momento de entrar triunfante en Lagash.
B.- La Guerra: Con inferioridad de hombres, armas y provisiones, Sargón y Nippur inician la guerra y, poco a poco, van ganando terreno. Finalmente, cansado de tanta batalla que considera inútil, Nippur decide con audacia atacar Umma , la ciudad capital de Luggal-Zaggizi; la victoria es determinante en el desarrollo de la guerra, y en ella tiene destacada participación Hiras. Nippur libera a Lagash y allí entrega a Luggal-Zaggizi al pueblo para que proceda a lincharlo; pero una vieja profecía se cumple y empaña su triunfo: Ur-El muere salvándole la vida.
13.- 1990/1991: El Rey.
En contra de su voluntad, Nippur es coronado Rey de Lagash, y comienza la dificultosa tarea de reconstruir su ciudad. Entre edicto y edicto, el Tuerto se hace un tiempito para tener un turbulento affaire con la Reina de un mundo subterráneo, del resultado del cual nace una extraña niña de tres ojos (¡!): Oona, quien queda bajo la tutela de su madre.
14.- 1991: La saga de la muerte de Nippur.
Son tres episodios espectaculares escritos por Ricardo Ferrari y dibujados por Mulko en los que pasa de todo: Nippur es dado por muerto, Hiras es coronado rey y Lagash casi se ve envuelta en una guerra. Sólo el milagroso retorno de Nippur calma las aguas.
15.- 1992/1993: La saga de Laramar.
En treinta y seis episodios, el Rey Nippur enfrenta una de las amenazas más grandes que se cirnieron sobre Lagash: una coalición de clanes de caballistas acaudillados por la reina Laramar, se apresta a tomar los nudos de comercio más importantes de Sumeria, afectando con ello los dominios de Karien, la amazona y la ciudad de el Incorruptible. Tras neutralizar diplomáticamente la amenaza latente de Sargón de Akad, que jugaba con la idea de colaborar con Laramar, Nippur, con la ayuda de Hiras, Hattusil, Karien y Lamir, el gran General de los ejércitos de Lagash, obtiene la victoria. Aunque Robin Wood firmo la mayor parte de las historias (otras fueron hijas de la imaginación de Morini), esta saga no hubiera sido posible sin la decisiva participación del guionista Néstor Barron.
16.- 1993/1994: De vuelta a los caminos.
Conjurada la amenaza de Laramar y exterminada la corrupción interna de Lagash, Nippur abdica al trono en favor de su fiel General Lamir. En un magnífico episodio de Wood - el último dibujado por Mulko -, Nippur abandona Lagash y vuelve a los caminos. El nuevo dibujante de la serie es Daniel Müller.
17.- 1994: La saga de la Reina y el Extranjero.
En esta saga menor - la última - de sólo tres episodios, Nippur reeduca a una princesa malcriada y la convierte en una magnífica reina para su pueblo.
18.- 1994/1998: Ultimas aventuras.
Tras la última saguita, Müller dibuja dieciséis episodios más de esta nueva etapa "errante" de Nippur y la serie deja de realizarse. Hubo intentos posteriores de reavivarla, pero sólo se lograron dos episodios prometedores de una nueva serie titulada "El Joven Nippur" dibujada por Gabriel Rearte, un episodio en blanco y negro del Nippur tradicional dibujado por Walther Taborda y publicado en un triste álbum-homenaje, y tres episodios más dibujados por Sergio Ibáñez, dos de los cuales se dieron a conocer en una desafortunada remake de la mítica revista Skorpio. Y eso es todo... hasta ahora.



Extraido de: http://www.nippurweb.com.ar/Nippur.htm

Soda Stereo

Gustavo Cerati conoce a Zeta Bosio estudiando publicidad en la universidad y se dan cuenta que además de compartir muchos gustos musicales, también comparten el deseo de conformar una banda con raíces de la new wave y de esa mezcla de ska pop rítmico que venia haciendo The Police por entonces. Había guitarra y bajo y solo faltaba un baterista. Charly Alberti sería el encargado de ponerle el piso contundente de ritmos a la música de Soda. En los primeros ensayos también hubo una segunda guitarra a cargo de Richard Coleman, pero éste decidió apartarse para luego conformar Fricción.

El trio comienza a tocar en el circuito del underground de Buenos Aires y realiza todos los intentos posibles para introducir su demo (Jet Set y Vitaminas) en discotecas y en la radio porteña más escuchada por los jóvenes gustos del rock de entonces: Radio del Plata. En 1984 con la producción del ya consagrado Federico Moura de Virus, sale a la venta su primer disco LP: Soda Stereo, que proponía un pop divertido y desenfadado que rápidamente alcanza repercusión. Al año siguiente y ya situados entre las bandas más prometedoras de la nueva ola del rock argentino, sale Nada Personal y comienzan las giras que llevaran a Soda al año siguiente a visitar gran parte de Latinoamérica. En el 87 Signos presenta un cambio que ya se había asomado en su anterior trabajo pero que ahora lograba plenitud con melodías más trabajas, guitarras más efectosas y un tono muy brithish a las composiciones. El paso siguiente fue dejar plasmado en disco la gira monumental que Soda había realizado por todo el continente: Ruido Blanco, es el primer álbum en vivo de la banda y alcanza a capturar toda la fuerza del grupo en las presentaciones en directo.
En 1988 los Soda graban Doble Vida y en 1990 sale al mercado un disco importantísimo para la historia de la banda: Canción Animal muestra otra variación en el grupo hacia el que quizás sea uno de sus mejores discos a nivel compositivo. Con un éxito ya indiscutible Soda se convierte en una de las bandas más importantes de habla hispana y cierra su Gira Animal en un Estadio de Vélez totalmente colmado.
El público ya había tomado a Soda como propio y el máximo registrado en una sola presentación fue el 14 de diciembre de 1991 con 250.000 personas en la Avenida 9 de Julio (show gratuito "Mi Buenos Aires Querido"). Ese año también habían batido el record de 14 funciones agotadas en el teatro Gran Rex. Tras esa etapa de sobre exposición fue natural un tiempo de recogimiento expresado en las delaciones de Cerati luego de esa presentación multitudinaria: «Es muy difícil encontrar objetivos claros después de semejante recepción. Estar parado ante tanta gente que corea tu nombre es una experiencia muy fuerte. Ahora hay que empezar de nuevo desde abajo». El LP "Dynamo" (1992) fue lo más importante que hizo Soda después de haber tocado el cielo de Latinoamérica con las manos, pero el disco estuvo lejos de ser un éxito de ventas aunque musicalmente traía novedades interesantísimas. El '94 fue el peor año de Soda: por decisión unánime, tomaron distancia y evaluaron la posibilidad de separarse definitivamente. Cerati se dedicó a proyectos solistas ("Colores Santos", con Daniel Melero, y "Amor Amarillo"), Zeta se dedicó a la producción de otras bandas (Peligrosos Gorriones, Aguirre) y Charly desapareció de la música para incorporarse al jet-set de las revistas y cuestiones relacionados con la tecnología. Luego de tres años de silencio discográfico (se editaron dos recopilaciones en 1994: "Zona de promesas", álbum de remixes, y "20 grandes éxitos"), el trío volvió con "Sueño Stereo" (1995): los conciertos de presentación del nuevo trabajo demostraron que mantenían la vigencia de años anteriores, pero la maquinaría ya llevaba mucho tiempo y este intento fue solo la frutilla del pastel que anunciaba el final de la banda que había logrado lo que ninguna otra en todo Latinoamérica.Soda Stereo anunció su disolución para mediados de 1997. La banda encaró la última gira, que pasó por México, Venezuela y Chile, antes de cerrar en un show en el estadio de River. Durante el tour se grabaron versiones en vivo, que serían editadas en dos CDs separados, bajo el nombre de "El último concierto "A" y "B" donde quedaría plasmado el agradecimiento de Soda para con su público a lo largo de más de una década: Gracias Totales!!!

Extraido de:http://www.canaltrans.com/musica/indice/s/sodastereo.html

Viaje A Las Estrellas

Star Trek es una saga de series de televisión y películas de ciencia ficción. Se inició en 1966 y actualmente se compone de 6 series de televisión y 10 películas, siendo la saga de ciencia ficción más larga que ha existido en la historia de la televisión y del cine. En sus inicios se le conoció en España como La Conquista del Espacio.
La trama de sus series y sus películas es bastante sobria en cuanto al futuro de la humanidad, consistente en cuanto a la calidad de la historia, coherente por la continuidad de la misma y congruente con la forma de ser de los humanos actuales (que intenta demostrar que el hombre no cambiará mucho en los próximos 400 años), siempre con la "continua misión de explorar extraños, nuevos mundos, y de buscar nuevas formas de vida y nuevas civilizaciones, viajando temerariamente a donde nadie ha llegado antes". Estas cualidades, sumadas a la minuciosidad de la producción y de la selección de sus elencos han hecho de ésta una saga muy sólida y única en su género.
Además de la extensa producción oficial (conducida por la empresa Paramount Pictures Inc., dueña de la franquicia de la saga), el solo nombre de Viaje a las Estrellas ha motivado una vasta creación en la industria del entretenimiento, dando lugar a cientos de novelas, videojuegos y otras obras (como por ejemplo series no oficiales producidas por fans, tales como Viaje a las Estrellas: Las Nuevas Aventuras o Viaje a las Estrellas: Renacimiento), desarrolladas todas ellas de manera tal que le hacen justicia a la sobriedad, consistencia, coherencia y congruencia de la saga oficial, haciendo de su título uno de los más reconocidos en la historia del entretenimiento a nivel mundial.

El Marco Ficticio

El Universo de ficción de la producción está protagonizado por la historia de la Federación de Planetas Unidos, y los años previos a su fundación en la Tierra, abarcando desde el año 2063, cuando ocurre el Primer Contacto entre los humanos y una raza extraterrestre, los vulcanos, hasta el año 2379, cuando la Federación pasa por momentos gloriosos pero a la vez muy difíciles al presentarse la posibilidad de tener que enfrentar a las dos más grandes superpotencias de la galaxia: el Dominio y el Colectivo Borg.
En esta Federación, la situación de la Tierra es bastante particular, ya que desde el Primer Contacto en 2063, su desarrollo no ha conocido barreras, llegando a ser un planeta paradisíaco, donde los humanos vivimos en constante progreso; así mismo, desde el año 2161, la Tierra es la capital de la Federación, teniendo como sede de gobierno a la ciudad de París, Francia y del Comando y de la Academia de la Flota Estelar en San Francisco, en la actual California y habiendo llevado su enorme desarrollo como civilización hasta los confines del espacio conocido, que suma casi la cuarta parte de la Vía Láctea.
Viaje a las Estrellas ha demostrado ser bastante realista en la mayoría de las facetas de la vida real del ser humano, como militar (pues la Flota Estelar es una institución castrense), como ciudadano, como político, como bienhechor, como malhechor, como religioso, como conservador, como liberal, etc.; así como tiene la virtud de mostrar a los personajes extraterrestres como seres similares a nosotros, con ciertas ventajas y desventajas respecto de los humanos, superando en este aspecto a la gran mayoría de las producciones del género, que más bien se han enfocado en los extraterrestres como amenazas para la Tierra y la humanidad, siendo presentados muchas veces como monstruos.
A decir de Jonathan Frakes (uno de los principales actores de la segunda serie (Star Trek: La Nueva Generación) y de varias películas como el comandante William Riker), "Viaje a las Estrellas representa la realización más grande de la Humanidad en el marco de una historia épica del futuro".

La Tecnologia

Usualmente se han empleado dispositivos o medios tecnológicos innovadores para la época, más tarde varios de ellos se han convertido en realidad, incluso de manera masiva. Un ejemplo de ello son las pantallas al tacto, los tableros de datos similares a las actuales Palms o Tablet PC, e incluso los intercomunicadores con sistema manos libres.
Cabe destacar en este sentido el uso en la serie original de "cintas de memoria" de aspecto y tamaño idéntico a los posteriormente desarrollados disquetes de 3'5.
Por otra parte, y aunque no sea una "tecnología" exclusiva de esta saga, en los últimos años se han realizado avances prácticos en el área del teletransporte (todavía a nivel molecular).

La Serie Original


En 1966, Gene Roddenberry creó una serie de televisión de aventuras espaciales para la cadena de televisión NBC, imaginando un mundo futuro en el que la Tierra está en una total armonía y las guerras, el hambre, las enfermedades y la pobreza ya no amenazan a la Humanidad y donde las diferencias políticas, raciales o religiosas ya no enfrentan a unos contra otros, y en la que un grupo significativamente multicultural de exploradores espaciales enfrentan problemas y aventuras lejos de la Tierra.
A lo largo de su extensa historia, es responsable de inventar o popularizar muchos de los temas actuales de la ciencia ficción, como son el viaje a velocidades transluz (en inglés warp speed), o el teletransportador, a pesar de que en algunos casos fuera fruto del azar, o de las circunstancias (el teletransportador era una solución barata para ahorrarse los efectos especiales de los aterrizajes).
A pesar de que inicialmente fue una serie de bajo presupuesto que apenas duró tres temporadas, el fenómeno de Viaje a las Estrellas no terminó tras la cancelación de la serie original en 1969, pues esta misma serie fue relanzada en su cuarta temporada.


Extraido de:http://es.wikipedia.org/wiki/Star_Trek