La Payana

La payana es un juego infantil que se practica con cinco piedras pequeñas o carozos de frutas, que consiste en ir tomando las mismas del suelo al tiempo que se arroja una de ellas al aire y se vuelve a tomar sin que caiga al piso.
Originalmente llamado "Kapichua", lo practicaban niños tobas y wichis con carozos o semillas a fin de desarrollar destrezas manuales y aprender a contar. Para avanzar en grados de complejidad, utilizaban progresivamente semillas más pequeñas.
En Argentina fue un juego muy popular entre los niños de edad escolar hasta la década del '80 inclusive. Actualmente su práctica constituye una rareza.
Existen muchas variantes locales, una de las formas más extendidas es la siguiente:
Los jugadores se sientan en el piso, formando un círculo, y se juega por turnos.
El primero en jugar arroja las piedras al piso, toma una de ellas y la lanza al aire mientras recoge con la misma mano una de las que ha quedado en el suelo. Debe capturar la que arrojó al aire antes de que caiga al piso. Así continúa con las piedras restantes. Esta fase se llama "la del uno".
A continuación debe arrojar nuevamente todas las piedras al piso y tomar de a dos piedras del piso en lugar de una ("la del dos")
Luego debe recoger tres al mismo tiempo y luego la restante, o viceversa ("la del tres").
Finalmente, debe guardar cuatro piedras en el puño, y arrojar la quinta al aire mientras deposita las cuatro en el piso, y volver a capturar la piedra arrojada. Hecho esto, vuelve a lanzar la piedra al aire y debe tomar las cuatro piedras al mismo tiempo y volver a tomar la restante antes de que caiga al suelo ("la del cuatro").
Cada vez que el jugador comete un error, es penalizado y debe pasar el turno al jugador siguiente, que retoma desde donde tuvo que dejar en la ronda anterior. Los errores son: mover una de las piedras que aún no se han recogido cuando se intenta tomar otra, dejar caer la piedra que se ha lanzado al aire o no lograr recoger la cantidad de piedras que corresponda.
Una vez que el jugador completa con éxito estas cuatro etapas, puede "tantear" (sumar puntos). Para ello hay distintas operaciones que a veces se realizan de manera sucesiva. Una de ellas es acomodar cuatro piedras como los vértices de un cuadrado y tomarlas de a una como en la primer etapa del juego, pero en lugar de descartar la piedra que se recoge, ésta debe ser arrojada al aire junto con la (o las) anterior(es). Cuando se finaliza la operación, se cuentan diez puntos por cada piedra que el jugador conserva en su mano. Otra variante es tomar las cinco piedras, arrojarlas hacia arriba, dar vuelta la mano e intentar atrapar la mayor cantidad posible con el dorso de la misma. Luego se vuelven a arrojar las que hayan quedado hacia arriba y se intenta atraparlas con la palma. Cada piedra atrapada vale diez puntos. No hay penalidades en el tanteo.
Finalizado el tanteo, se reinicia la serie con "la del uno".
En general, se utilizan piedras no muy redondeadas a fin de que al arrojarlas contra el piso no rueden y se separen excesivamente.
A veces se utilizan pequeños cubos de mármol de aproximadamente un centímetro de lado.
También se conoce como "ainenti", "tenenti" o "tinenti"

Extraido de:http://es.wikipedia.org/wiki/Payana

V Invasion Extraterrestre

Cuando a principios de los años ´50 la televisión dejó de ser un experimento y se convirtió verdaderamente en un medio de comunicación masivo, los productores se dieron cuenta que si abandonaban el teatro televisado y lo sustituían por seriales el publico aumentaría ya que la audiencia esperaba la continuación y con el paso de los capítulos se sumaban nuevos adeptos.
Con el inicio de los seriales se hicieron presentes, además de los vaqueros y superhéroes, los extraterrestres. Si bien los primeros tenían un rol fijo, por decirlo de alguna manera, el matar villanos o salvar a la humanidad, la incursión de los extraterrestres fue distinta.
Es decir que estos venían de otros mundos con el fin de destruir algo del nuestro. Los alienígenas entraron en la pantalla chica para ocupar un rol: Hacer referencia metafórica a algo o a alguien.
En definitiva fueron (y son) una metáfora. Decimos alienígenas cuando queremos decir comunistas, gobierno o nazismo.
En la pantalla pudimos ver como la "metáfora extraterrestre" era utilizada en el cine de los ´50 para referirse a la supuesta infiltración comunista (Invasion of the Body Snatcher, por ejemplo). Y en los ´90, luego de la caída del muro de Berlín, eran utilizados en los X-Files como una imagen de los abusos gubernamentales.
Finalmente V, la muy clásica miniserie de los 80, surgió cuando Kenneth Johnson, en una reunión con importantes cadenas de TV propuso hacer una miniserie basada en la resistencia francesa durante la invasión nazi en la segunda guerra mundial. Los empresarios no se mostraron muy interesados, por lo que Johnson decidió hacer un giro sorpresivo diciendo "La diferencia es que estos Nazis son del espacio exterior". El productor ya famoso por sus trabajos en "El Increíble Hulk" y "La Mujer Biónica" fue contratado de inmediato para realizar la miniserie en cuestión.
"La diferencia es que estos Nazis son del espacio exterior" dijo el productor Kennet Johnson, dejando en claro que los Invasores iban a ser una representación sin sutilezas de la ocupación nazi.
Johnson vio con esta propuesta la posibilidad de trasladar a la pantalla chica el tema del Holocausto; el cómo el común de la gente había servido de base para los fascistas y sus crecientes movimientos. Trató de mostrar con V como reaccionarían los americanos si un ejercito de fascistas vinieran y dijeran "nosotros estamos aquí para protegerlos de los imperialistas, son ustedes personas afortunadas"
V fue una referencia velada a El Diario de Ana Frank, en la que una sociedad entera era conquistada con respuestas fáciles por un movimiento dinámico y poderoso (claro que en la serie venidos de otro planeta), que se daba cuenta demasiado tarde que ese movimiento significaba su propia destrucción.
V comienza con la llegada de unas 50 naves madres a la Tierra estacionándose sobre las ciudades más importantes, la tripulación de esos platos se identifica como Los Visitantes que a simple vista parecen humanos.
Los Visitantes ofrecen a los terrícolas conocimientos tecnológicos y biológicos a cambio de minerales vitales que ellos necesitan; las personas aceptan y los visitantes comienzan a aumentar su presencia.
En principio la invasión es gradual: Los alienígenas condenan al ostracismo a científicos que signifiquen una amenaza para sí y se los culpa de ser la fuente más grande de los problemas de la Tierra. Al mismo tiempo los cuerpos de Juventud de Los Visitantes se dedican a reclutar humanos en sus líneas y descubrir quienes están en su contra.
Las similitudes con el nazismo en la serie saltan a la vista: desde los soldados uniformados, el control total de los medios de comunicación, la utilización de carteles propagandísticos donde se puede observar símbolos semejantes a las esvásticas el avance de grupos semejantes a las "Juventudes Hitlerianas".
Al tiempo se descubre la verdad. Los invasores no son tan humanos como parecen. En realidad son una especie de lagartos que utilizan unas máscaras especiales para parecerse a nosotros. Por otro lado su verdadero objetivo no son esos minerales sino toda la humanidad. El problema que tienen es que su planeta se quedó sin recursos y necesitan alimentos para llevarse a la olla.
Los humanos parecen ser un bocado ideal para estos lagartos por lo que se decide congelarlos y llevarlos en sus enormes naves.
Kennet Johnson dice que "el corazón de la serie es el elemento humano, lo que muestra V es como cambian las relaciones de las personas y como reaccionan". "¿Cómo reaccionaria usted ante un ejército de ocupación? ¿Y si su hijo se vuelve un miembro de la organización de la Juventud?" - se pregunta el realizador. "Cuando el tiempo pasa, los padres tienen que cuidarse mucho con lo que dicen en su propia casa por que el hijo esta ahí y los dichos podrían involucrar a otras personas". "Al igual que en la 2º guerra mundial, mucha gente dice - Yo no soy judío. O - Esto pasará, es momentáneo. O nos volvemos colaboradores. Y ahí hay un grupo de personas que dicen - ¡No!. Esto esta mal. Nosotros vamos a combatirlo- Y ellos se convierten en la resistencia" comenta Johnson.
Esta resistencia, liderada por el camarógrafo Mike Donovan, luchará para impedir que los aliens lleven a cabo sus planes. El símbolo de estos es una V, de victoria, que pintan por las calles.
Originalmente V salió al aire entre 1983 y 1985 y constó de 2 miniseries, la primera (V) de 2 capítulos de 110 minutos y la segunda (The Final Battle) de 4 episodios de 110 minutos, aunque en varios países se subdividió en episodios de una hora y se emitió como si fuera una única miniserie de 12 capítulos. Posteriormente se hizo una serie regular (V: The Series) de 19 capítulos de 60 minutos.
A pesar de lo dicho por la NBC y la Warner Bros. que criticaron duramente a Kennet Johnson por la considerable suma que gasto por la primera serie (se hablo de 50 millones de dólares), éste les tapo la boca a ambos con la cantidad de televidentes: luego de ser estrenada en mayo de 1983 el publico que la siguió fue de unos 65 millones de espectadores sólo en los EE.UU.
Esto obviamente termino en la producción de la segunda miniserie V: The Final Battle, donde los visitantes son derrotados y expulsados.
"Las primeras miniseries tenían una dignidad intelectual" explica el actor Marc Singer (Donovan en V) "no era simplemente una serie de acción y aventura, había algo mas de fondo. Era bastante poderoso, había que estar bien atento para entender las implicaciones de largo alcance que pretendía Johnson. Yo recién logre comprender todas las implicancias luego de ver lo que se había hecho tras largos meses de trabajo" concluye el actor.
"Después del éxito de las dos miniseries NBC quería hacer algo mas, y yo le propuse al entonces presidente Brandon Tartikoff que me dé un par de horas de la noche del domingo y a cambio le daba una saga de 2 horas continuadas. En principio él dijo que no, pero luego cuando nosotros (los productores) pusimos mas dinero, NBC termino pidiendo la continuación" explicó Johnson.

Durante el verano de 1983 Johnson en colaboración de Craig Buck, Peggy Goldman y Diane Frolov comenzaron con el guión de lo que sería la segunda miniserie "The Final Battle". "Probablemente era el verano más exigente de mi vida" sostiene Buck "Los 4 nos sentábamos en un cuarto durante horas a analizar la primera serie para darle forma a, lo que yo creía iban a ser, las 6 horas más asombrosas de la TV".
Pero no fueron tan bien las cosas como el equipo las planeaba, la Warner decidió recortar 5 millones en el presupuesto; "mi sensación fue que no podía cumplir con lo que nos pedían con tan poco dinero y tan poco tiempo (la querían para mayo de 1984)", así que cuando el grupo trato de volver a hablar sobre el presupuesto "se libraron descortésmente de nosotros y se trajeron un nuevo equipo para hacer una versión más barata" cuenta Buck.
Así aparecen los productores Daniel Blatt y Robert Singer con Richard Heffron como director, quienes se hicieron cargo de este proyecto. "Nosotros teníamos el tiempo en contra, teníamos poco tiempo para entregar el producto" dice Heffron; entonces recurrieron a un amigo Brian Taggert "que es muy bueno y rápido. Nos sentamos Dan Blatt, Brian y yo durante dos frenéticos días para ver como hacíamos para liberarnos de esos 5 millones que no tendríamos nunca. Lo primero que hicimos fue limitar el numero de efectos especiales y se recuperaron todas las piezas aprovechables de la serie original".
Lo que salió fue una miniserie mas convencional, donde el tema del nazismo quedaba un poco relegado dándole paso a la acción pura.
Si bien los televidentes disfrutaron la nueva miniserie (tal vez no de la misma manera) los productores anteriores no quedaron conformes ni un poquito al ver como desvirtuaron su producto "realmente pienso que esas personas no entendieron lo que era V. Mi sensación fue que intentaron poner en 6 horas de TV toda la acción y efectos especiales que entraran dentro de su presupuesto. En V usted no solo veía una situación, sino toda una sociedad; en lo que ellos hicieron todo esto se perdió, fueron por los efectos en lugar de la historia", comentaba Craig Buck.
Los 19 capítulos de The Series tampoco retomaron la línea original. Kenneth Johnson aseguro que "fue todo demasiado malo, Brandon Tartikoff me dijo - Kenny, nosotros deberíamos haber hecho lo que usted nos dijo, entonces V hubiera durado 5 años -"
V : The Series sólo duró una temporada. Tal vez porque a diferencia de las primeras, esta fue una serie totalmente pasatista, donde no importaba tanto el contenido. Además la serie regular tuvo un menor presupuesto que se notó, sobre todo, en los efectos especiales.
En los ´90 la Warner intentó hacer un nuevo capítulo de la saga, pero no logro el apoyo de sus emisoras asociadas y abandonó el proyecto.

Para todos aquellos que disfrutaron con la serie ochentística por excelencia (los peinados lo dicen todo), V es una serie (o un grupo de series, mejor dicho) donde se pudieron ver muchísimas aventuras y algunas escenas imperdibles como la de Diana abriendo inconmensurablemente la boca para tragarse una rata entera (se tuvo que hacer una cabeza mecánica para sustituir a la de la actriz Jane Badler) o la de las Naves Madres estacionándose sobre las principales ciudades del mundo (en Día de la Independencia tuvimos un deja vu).
Seguramente si viéramos nuevamente todos los capítulos la encontraríamos un tanto obvia. Pero merced a nuestra fallida memoria todavía es posible catalogarla entre nuestras favoritas.

Extraido de:http://www.quintadimension.com/modules.php?name=News&file=print&sid=117

Revista Anteojito

La "Revista Anteojito" se extendió a lo largo de 37 años de publicación ininterrumpida, con 1925 números aparecidos desde el 8 de octubre de 1964 hasta el 9 de enero de 2002. En sus páginas se trató de enseñar y entretener por igual.
Se destacaron personajes como Calculín, Hijitus, Larguirucho, Oaky, Petete, Pi Pío, Cachavacha, y muchos más . Por otra parte, había secciones como Juguemos con Anteojito, Preguntando se aprende, El Jardín de Anteojito, Calendario, ¿Saben Anteojitos...?, Aprendamos Jugando, Comiditas (de Blanca Cotta), Lectura Comprensiva, etc. A su vez, además de los personajes propios de García Ferré, la revista Anteojito presentó una gran cantidad de personajes e historietas de la más variada índole. Había algunas destinadas a niños pequeños, otras para público juvenil, e incluso había ciertas tiras que apuntaban a las jovencitas. En su época de esplendor (años '70 y principios de los '80) tenía una plantilla exclusiva de personajes reeditados, como ser Pelopincho y Cachirula (de Fola), La Vaca Aurora (de Mirco), y Don Fulgencio (de Lino Palacios). En sus últimos años presentó en sus cómics clásicos (como Príncipe Valiente, de Harold Foster), e incluso sacó suplementos especiales con personajes de Marvel (como el Hombre de Hierro).
Además tenían su espacio otros personajes originales: La Pícara Sandrita (izquierda) de Goyo Mazzeo, Los Terribles Ye-Yes (una pandilla de niños cuyas travesuras nunca llegaban a ser peligrosas), Rinkel el Ballenero (de Tulio Lovato), Sónoman (de Oswal) y una larga nómina de comics de aventuras cuyos autores no aparecían acreditados: "Al Rugir de los Motores", "Valentina Chiquilina", "Espirú", "Cloro y Mínimo" (que eran 2 ratitas) y otros, lo mismo que adaptaciones de clásicos de la literatura universal, como Simbad el Marino, Piel de Asno, Veinte Años Después, etc. Además de todos estos, Anteojito (fiel a su origen) presentó más personajes publicitarios que, tal vez, cualquier otra revista. En sus páginas vivieron cortas aventuras el Pibe Febito (de zapatillas Febo), Super Stiko (de adhesivo Stiko), y otros.

Extraido de:http://www.todohistorietas.com.ar/ferre3.htm

ABBA

Tan puros como el jabón, tan obvios y espectaculares como un musical de Broadway y tan poco "en onda" como una abuela; los fabulosos, cuadrados y suequísimos ABBA nunca fueron la personificación del rock and roll, pero nunca pretendieron serlo. Las melodías bien compuestas de Benny y Bjorn, animadas por las voces armónicas de Frida y Agnetha, siempre produjeron esa sensación de que todo está bien. Puro entretenimiento, nada más y nada menos.
Sus cuarenta éxitos en las listas pop como "S.O.S.," "Take A Chance On Me," "Fernando" y "Mamma Mia", se han mantenido en la memoria de la gente sin mayores problemas y hoy día suenan refrescantes en medio del rock alternativo.
La historia de ABBA inicia cuando Björn Ulvaeus conoce a Benny Andersson en junio de 1966. Björn cantaba en un grupo de folclore sueco y Benny era el tecladista del grupo pop más importante de Suecia en los años sesenta, The Hep Stars.
El dúo escribió su primera composición a finales de ese año, y para finales de los sesenta ya se habían establecido como una sociedad de compositores estable. Para ese momento, ambos habían puesto su colaboración en primer lugar; Benny había dejado la banda y Björn sólo iba a las grabaciones del grupo manejado por Polar Records, el que luego sería el sello grabador del cuarteto. El dueño de la disquera, Stig Anderson, se convirtió en el representante de ABBA, además de darle letra a algunas canciones al inicio.
A mediados de 1969 estos muchachos conocen a sus medias naranjas y también la otra mitad del grupo. Agnetha Fältskog, una cantante cuyo primer disco salió en 1967 se casó con Björn en julio de 1971 y Anni-Frid Lyngstad, Frida, una noruega que llegó de niña a Suecia, se casó con Benny en octubre de 1978.
Inicialmente, su colaboración tenía que ver con componer canciones, dar apoyo musical o de canto a las grabaciones de los otros. En 1970, después de darse cuenta que sus voces sonaban bien juntas, decidieron poner en escena un acto de cabaré llamado "Festfolk", que no funcionó como se esperaba. Sin embargo, dos años más tarde, los cuatro grabaron una canción llamada "People Need Love" que tuvo un suceso aceptable en Suecia. Para entonces se llamaban Björn & Benny, Agnetha & Anni-Frid.
Este éxito les llevó a participar en las eliminatorias suecas para el festival Eurovisión de 1973 con la canción "Ring, Ring". Aunque terminaron en tercer lugar la canción y el disco triunfaron en las listas suecas y en algunas europeas.
Al año siguiente volvieron a participar en las eliminatorias con "Waterloo", lo que les valió el pasaje a Brighton, Inglaterra. Ahora, se llamaban ABBA (acrónimo de sus nombres), al igual que una marca de pescado enlatado que aceptó, inteligentemente, ceder su nombre a un grupo de música pop.
El 6 de abril de 1974 ABBA y "Waterloo" ganaban el festival Eurovisión y eran catapultados a la fama, porque fue número uno por toda Europa y en Estados Unidos llegó a colocarse entre las diez primeras. De la misma manera, el LP fue número uno en Suecia. Sin embargo, el cliché de haber ganado el festival limitó seriamente las posibilidades de seguir ascendiendo. Tuvieron que pasar 18 meses para que "SOS" viniera a decir que la cosa iba en serio cuando se convirtió en un éxito mundial e hizo despegar su tercer álbum llamado homónimamente ABBA.
Del mismo disco salió "Mamma Mia" que los llevó directamente al primer lugar de las listas inglesas, lugar que ocuparían ocho veces más hasta 1980. La canción también fue número uno en Australia, donde alcanzarían 5 veces más el primer lugar.
En 1976 ABBA se establece como un grupo sólido en la escena internacional, pues sus compilaciones de éxitos en Australia e Inglaterra, aún hoy, son de los discos más vendidos en esos países. Detrás venían "Fernando" y "Dancing Queen" que sería la única canción en llegar a la primera casilla en Estados Unidos.
"Arrival" su cuarto LP salió ese mismo año. Como la espuma, canciones como "Money, Money, Money" y "Knowing Me, Knowing You" subieron por las listas de todo el mundo. Este éxito abrió las puertas para una gira por Europa y Australia entre enero y marzo de 1977. Simultáneamente empezó el trabjo en la película ABAA que se estrenó en diciembre de ese año mientras se lanzaban los sencillos "The Name Of The Game" y "Take A Chance On Me".
En la primavera boreal de 1978 viajaron a Estados Unidos a promoverse. Venían con "Summer Night City" y "Chiquitita" debajo del brazo y ya preparaban el sexto disco: "Voulez-Vous" para 1979. Empezando ese año Björn y Agnetha anunciaron su separación y aunque no pretendían terminar con el grupo, si afectó al imagen de "dos parejas felices que hacen música" que habían acuñado durante tanto tiempo.
Para finales de año vino "Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)" que coincidió con la gira por Canadá, Estados Unidos y Europa; además del lanzamiento de su segundo disco de éxitos que vendió muy bien en todas partes.
El viaje a Japón fue su última presentación en vivo, mientras que dedicaron el resto de 1980 a preparar el disco "Super Trouper" en el que vendrían "The Winner Takes It All". Meses más tarde, Benny y Frida anuncian su divorcio y esto terminó de sepultar la imagen de cuento de hadas de la banda. Aunque hubo tiempo para otro disco, para 1982 las energías se habían acabado y deciden separarse.
Sin embargo, por esas cosas de la vida, de alguna manera la agrupación nunca desapareció. Siempre hubo alguien interesado en rescatarlos. Desde la banda de tributo australiana "Björn Again" o "Roxette" que se dedicaron a reproducir su música hasta los DJs que convirtieron en Dance (un paso lógico después de que el disco fue su precursor) los temas de ABBA para que se bailaran frenéticamente en cualquier discoteca.
Quizás por esto se han editado muchísimas colecciones de sus éxitos, incluyendo la última que hasta trae sus éxitos en español, lo que no deja de asombrar a los de habla inglesa.

Extraido de:http://www.radiodos.com/paginas/archivo/artistas/abba.php

El Yo-Yo

El yo-yo (o yoyó) es un juguete infantil consistente en un disco de madera, plástico u otros materiales cuyo borde tiene una ranura profunda alrededor de la cual se arrolla un cordón que, anudado a un dedo y mediante sacudidas, hace subir y bajar el disco alternativamente. Este pequeño juguete diverte a los infantes los que suelen hacer artimañas con él. Actualmente, los yo-yos se adaptaron al nuevo siglo presentando diseños con formas irregulares o con luces y/o sinidos

Historia del yo-yo

Un artefacto similar al yo-yo existía ya hacia el año 1000 antes de Cristo en China, donde se utilizaba como instrumento hipnótico. Sin embargo, en su origen, el yo-yo del que deriva el juguete actual era un artilugio de caza, similar al de las boleadoras de los gauchos, que los tagalos de Filipinas llevaban usando durante más de 400 años. Eran grandes y tenían bordes cortantes y tacos y estaban atados a largas sogas. Hacia el 1800 el yo-yo llegó a Europa como una versión en forma de juguete de este arma. Los británicos, además de yo-yo, lo denominaron "bandalore", "quiz" y "juguete del Príncipe de Gales" mientras que los franceses lo conocía como "incroyable" (increíble) o "l'emigrette". A Estados Unidos llegó en la década de 1860 pero no fue hasta la década de 1920. Pedro Flores, un inmigrante filipino, fue la primera persona que comenzó a producir yo-yos en grandes cantidades. Los juguetes de Flores llevaban el nombre de yo-yo.
En 1929, el norteamericano Donald Duncan le compró los derechos a Flores, convirtió la palabra yo-yo en una marca de mercado (®) y cambió el nudo fijo que hasta entonces conectaba el cordel con el eje por un lazo corredizo que permitía mayor versatilidad al juguete.

Extraido de:http://es.wikipedia.org/wiki/Yo-yo

Kojak

KOJAK fue una de las series más populares y violentas de los años '70. Telly Savalas, a su manera, interpretó al detective Theo Kojak, un poco ortodoxo e incorruptible policía de Manhattan Sud a lo largo de más de un centenar de episodios. Savalas ya había encarnado el papel de Kojak en un exitoso telefilme de 1972 titulado THE MARCUS-NELSON MURDERS (basado en un crimen de la historia real ocurrido en 1963), escrito por Abby Mann. A pesar de haber trabajado en otras series y en cine, Savalas fue reconocido como una gran estrella a partir de KOJAK. La serie incluyó a Kevin Dobson como el Detective Robert Crocker, su fiel compañero; Dan Frazer como el Capitán Frank McNeil, el jefe; George Savalas (que era en la vida real hermano de Telly) como el Detective Stavros; Mark Russell como el Detective Saperstein; Vince Conti como el Detective Rizzo; y Borah Silver como el Detective Prince. Usualmente las tramas tenían como protagonistas la corrupción de algún funcionario, algúna conspiración del crimen organizado, asesinos seriales o algún atentado, y en repetidas ocasiones Kojak tenía que utilizar la fuerza bruta para resolver sus casos (esto incluía amenazar a algún detenido o golpear a los pandilleros). Savalas regresó a su papel a lo largo de varias películas para TV producidas en los '80, y más establemente en una nueva serie emitida entre 1989 y 1990.

Extraido de:http://www.cinefania.com/tv/serie.php/8/

Hijitus

El pequeño superhéroe argentino debutó en Billiken en 1955. Nacido como un personaje secundario, se convirtió en el éxito más rotundo del dibujo animado latinoamericano. Desde el 22 en el espacio Historieta del Centro Recoleta. Se verán originales y bocetos de sus distintas etapas. También "covers" de Langer, Carlos Nine, Miguel Rep y Liniers, entre otros.
(Clarín) Almería, España. En una de las paredes del Bar Tito cuelga una foto: un hombre de finos bigotes sostiene en un sus manos una estatuilla del Oscar. Más abajo, un retrato de Elías Disney, y al lado, una foto del médico Ginés Carrillo. Con ese tipo de datos, el libro "Hollywood's Dark Prince", intenta demostrar que Disney es hijo ilegítimo del Doctor Carrillo y de una lavandera de la zona, llamada Isabel Zamora, que lo lleva a Estados Unidos y lo abandona a los pocos meses.
Mezcla de realidad y ficción, es pura coincidencia que también en Almería, en 1929, haya nacido Manuel García Ferré. Con 17 años —escapado de la guerra civil española— recorrió las redacciones de Buenos Aires hasta que en 1952 Constancio Vigil aceptó en Billiken su primera historieta, "Las Aventuras de Pí-Pío". La historia de un canario que pasa de linyera a sheriff en el ecosistema de la imaginaria Villa Leoncia. En esa saga, Ferré alumbró su sueño más exitoso: Hijitus.
Primitivo y casi ajeno al más difundido, el niño, descendiente de faraones, debutó en la tira en septiembre de 1955. Era entonces de cabeza ovalada y llevaba seis largos pelos y una galera desfondada. Contemporáneo al Tetsuwan Atom (Astroboy), creado con la inocencia y el poder necesario como para detener tragedias atómicas como Hiroshima.
De Villa Leoncia, Hijitus saltó a la tele, 1967, con "Las Aventuras de Súper Hijitus", el primer dibujo animado argentino hecho para TV. A diario, millones seguían la historia de un chico pobre (contemporáneo también del Juanito de Berni) cuyo sombrero mágico lo elevaba a superhéroe protector de Trulalá. Los capítulos de Hijitus iban de lunes a sábado por Canal 13 y se repetían, todos juntos, en los ómnibus históricos "Sábados Circulares" y "La Feria de la Alegría".
El mundo ni enterado, pero Hijitus adelantó el reloj al incorporar personajes reales en sus aventuras: por Trulalá pasaron el animador de animadores Pipo Mancera, el cantante beat Donald y Ulises Barrera, voz del box. Lo mismo, pero después, hizo Matt Groening en Los Simpson.
Frente a enlatados yanquis y japoneses, Hijitus mandaba. Así, pasó a forma cinematográfica y hasta se exportó al resto de Latinoamérica. El merchandising florecía en golosinas, remeras, juguetes y colonias, leche chocolatada, figuritas. García Ferré, como Disney, tenía su imperio. Pero en Trulalá, una ciudad arrabalera, apenas urbana, cuyo héroe vivía en un caño, el "medio caño" que el desarrollismo imaginó como alternativa al rancho.
Cincuenta años después, es imposible no ver a Villa Leoncia y Trulalá como postales del paisaje cultural argentino. "¿Que un personaje de un artista tan popular y con una capacidad creativa como García Ferré cumpla cincuenta años y no se realicé ningún tipo de festejo es, cuando menos, una falta de respeto, no?", sentencia Pablo Sapia, curador e impulsor de la muestra en homenaje a Hijitus que abre el Centro Cultural Recoleta el 22. Para Sapia, que fatigó cuatro meses hasta convencer al ermitaño dibujante de esta muestra, el paralelo entre Ferré y Disney es inexacto. "La mayor diferencia es que Disney era un gran conductor para el que trabajaban muchos artistas mientras García Ferré creaba y dibujaba solo".
Solo, como su inocente y poderoso Hijitus, acaso un huérfano trasplantado del horror de la guerra civil española.

Extraido de:http://axxon.com.ar/not/154/c-1540171.htm

Canciones : Imagina - John Lennon

Imagine

Imagine there's no heaven It's easy if you try No hell below us Above us only sky Imagine all the people Living for today... Imagine there's no countries It isn't hard to do Nothing to kill or die for And no religion too Imagine all the people Living life in peace... You may say I'm a dreamer But I'm not the only one I hope someday you'll join us And the world will be as one Imagine no possessions I wonder if you can No need for greed or hunger A brotherhood of man Imagine all the people Sharing all the world... You may say I'm a dreamer But I'm not the only one I hope someday you'll join us And the world will live as one

Imagínate

Imagina que no existe el Cielo,es fácil si lo intentas,sin el Infierno debajo nuestro,arriba nuestro, solo el cielo.Imagina a toda la genteviviendo el hoy...Imagina que no hay países,no es difícil de hacer,nadie por quien matar o morir,ni tampoco religión,imagina a toda la gente,viviendo la vida en paz...Imagina que no hay posesiones,quisiera saber si puedes,sin necesidad de gula o hambre,una hermandad de hombres,imagínate a toda la gentecompartiendo el mundoPuedes decir que soy un soñador,pero no soy el único,espero que algún día te unas a nosotrosy el mundo vivirá como uno.

Extraido de:http://maneras.turemanso.com.ar/canciones/imagina.html

El Capitan Piluso

El Capitán Piluso fue un héroe nacional interpretado por el genial comediante rosarino Alberto Olmedo, durante casi una década, desde 1960 hasta 1969, ocupó un lugar privilegiado en la televisión argentina convirtiéndose en un rotundo éxito popular que aún hoy, entrados en un nuevo milenio, se recuerda con alegría y nostalgia.Piluso estaba armado con una gomera, su "uniforme" consistía en una remera de marinero a rayas horizontaes, de colores azul y blanco, y un gorro blanco también de marinero, en nuestros días llamado "gorro Piluso". Este personaje era acompañado por su ayudante Coquito, interpretado por su amigo Humberto Ortiz.Piluso pasó por tres canales televisivos argentinos, comenzando en el que era el único canal privado de la época, el viejo Canal 9. Este personaje fue una invención conjunta entre el Gerente General del canal, Manuel Alba, el productor Hernán Abrahamson y el propio Olmedo, que le dió la forma definitiva, quedando el guión del programa a cargo de Humberto "Coquito" Ortiz.Presentaba dibujos animados y entre ellos sus propias aventuras (que no eran otra cosa que sus sueños), que atraían muchísimo a los chicos, quienes lo convirtieron en su ídolo máximo. Junto a Coquito, enfrentaba absurdos y desopilantes problemas programa tras programa, que causaban gran impacto en los espectadores y los cuales nadie sabía cómo se iban a desarrollar exactamente, ya que Olmedo pocas veces se mantenía entre los límites del guión y solía improvisar continuamente.Lo que nunca se modificaba en demasía era el final, la abuela de Piluso lo llamaba con un grito: ¡Pilusooo! ¡la leche!. La cara de Piluso al ir a tomarla era siempre el gag final.Piluso logró entrar en el corazón de los niños. Esto fue así porque los trataba como iguales, les guiñaba el ojo, y ellos entraban en sintonía con él.Su importancia fue tal que gracias a él luego pudieron tener su lugar en la televisión los "Titanes en el Ring", ya que debido al éxito de una pelea ficticia organizada entre El Capitán Piluso y Martín Karadagián, que ya en esa época se destacaba como luchador, el canal 9 le propuso al campeón armenio tener un espacio semanal en el aire. La pelea, ganada por Piluso, atrajo a más de 3000 niños y colmó el estadio cerrado más grande de la ciudad en ese entonces.Luego de unos años el programa pasó al estatal Canal 11, para culminar luego en el Canal 2 de La Plata.

Extraido de:http://www.ba-toymuseum.com.ar/esp/nacionales/piluso.html

Mafalda

La Historia de Mafalda, el personaje más simpatico de Quino:El 29 de Setiembre de 1964 apareció por primera vez una tira de Mafalda.Su autor, Joaquín Salvador Lavado, Quino, no sospechaba entonces que las reflexiones puestas en boca de este personaje serían traducidas a 26 idiomas (desde el japonés, italiano y portugués, hasta el griego, francés y holandés), y que sus libros venderían, sólo en Argentina, 20 millones de ejemplares. Pasaron 30 años desde aquella historieta inicial y 20 desde que Quino la dibujó por última vez. Sin embargo, sigue tan vigente como entonces. Los diez únicos libros de la serie continúan reimprimiéndose una y otra vez en todo el mundo. La primera aparición pública de Mafalda tuvo lugar hace más de 35 años, el 29 de setiembre de 1964, en la revista "Primera Plana".En su caso, la partera no dijo macho: el flamante personaje que con los años se transformaría en un estandarte de lucha por la igualdad social -en tiempos en que la liberación femenina aún estaba en pañales-, llevaba sus polleras bien puestas."¿Por qué mujer? No lo sé. Al principio uno no se detiene a pensar en esas cosas?", dice hoy Joaquín Lavado, Quino, el creador de Mafalda.El dibujante tampoco se había puesto a pensar, tres décadas atrás, que las ideas de esta niña tan ingeniosa como irreverente, tan reflexiva como contestataria, iban a recorrer el mundo. No sospechó que un día el escritor Julio Cortázar llegaría a decir: "No tiene importancia lo que yo pienso de Mafalda. Lo importante es lo que Mafalda piensa de mí". Mucho menos que aunque la URSS haya desaparecido, lo mismo que Los Beatles y la guerra de Vietnam, el mensaje de Mafalda seguiría manteniendo la misma dosis de genialidad y, sobre todo, de actualidad. Quino jamás imaginó que ese ser diminuto y genial, con una inteligencia y sagacidad inmune a los razonamientos adultos y apenas rodeada de un apropiado universo infantil, elevaría la historieta a la categoría de "cuentos morales".Con una exacta dosis de simpleza y profundidad, Mafalda se convirtió en el personaje de historieta que más significa hoy para los argentinos. Para Quino -dueño de una genuina modestia-, todo empezó por casualidad y sin que él se propusiera ninguna grandeza: "En realidad Mafalda iba a ser una historieta para promocionar una nueva línea de electrodomésticos llamada Mansfield.
La agencia Agnes Publicidad le encargó el trabajo a Miguel Brascó, pero como él tenía otros compromisos, me lo pasó a mí. Esto fue en 1963. Pero la campaña nunca se hizo y las ocho tiras que dibujé quedaron guardadas en un cajón. Hasta que al año siguiente Julián Delgado, secretario de redacción de "Primera Plana", me pidió una historieta. Entonces rescaté esas tiras y bueno, ahí empezó todo." Esta anécdota, que Quino contó muchas veces, tiene algunos detalles poco conocidos. Por ejemplo, el nombre del empleado de la agencia que le encargó la tira: el actor Norman Briski. "En aquel momento ese nombre me quedó grabado -recuerda hoy Brascó-, porque era una mezcla de mi apellido con el del dibujante Oski. Cuando me llamó, esta coincidencia me resultó graciosa y fui a la agencia a ver de qué se trataba. Querían una familia con padre, madre y dos hijos: un típico contexto para que aparecieran los productos. Lo que necesitaban no tenía nada que ver con lo que yo normalmente hacía, así que le derivé el trabajo a Quino, que en ese momento trabajaba conmigo". En cuanto al exótico nombre de Mafalda, el nombre surgió de la versión cinematográfica de la novela "Dar la cara", de David Viñas. En una escena de esa película aparece un bebé dentro de un moisés que se llama así, y Quino adoptó el nombre.

Extraido de:http://mafalda.publispain.com/historia.htm

Milli Vanilli

Ejemplos como el de Milli Vanilli, demuestran que en ocasiones, en el mundo del espectáculo, se puede llegar al olvido tan rápido como al éxito.
Este dueto estaba formado por Fabrice Morvan (nacido el 14 de mayo de 1966 en Francia) y Rob Pilatus (que vino al mundo el 8 de junio de 1965 en USA) ambos se conocieron en un nightclub de Munich y a partir de ahí se hicieron grandes amigos.
En 1988 se creó el grupo y salió al mercado su primer disco titulado "All or Nothing", padrinados por el célebre y tramposo productor discográfico Frank Farian bajo el sello "Arista Records" lanzaron el single "Girl You Know It's True", una bailable y pegadiza canción pop que incluía un ridículo baile. Con ella baten records de ventas en todo el mundo. En 1989 con su segundo disco que llevaba por título su anterior éxito "Girl You Know It's True", aparecieron nuevos singles como "Blame it on the Rain" (un tema calcado de su éxito anterior), "Baby Don't Forget My Number" o la balada "Girl I'm Gonna Miss You". En 1990 consiguieron su primer y único Grammy (quedando demostrado desde ésa época que este premio musical lo puede ganar cualquiera con un buen éxito comercial en su cartera). En noviembre de ese mismo año se produjo uno de los mayores escándalos musicales de los 90, cuando en un concierto en Australia se descubrió que todo había sido un montaje de Frank Farian y en realidad Rob y Fab se limitaban a hacer playback, mientras que las voces pertenecían en realidad a unos artistas anónimos. Sin lugar a dudas este fue un golpe que noqueó al dueto para siempre, convirtiéndose en objeto de indignación y burla en los medios de comunicación.
En 1991 Farian intentó lanzar a los auténticos cantantes de las canciones de Milli Vanilli, con un grupo llamado The Real Milli Vanilli, pero este intento con el disco "Moment of Truth" fue un rotundo fracaso.
En 1993 Rob Pilatus y Fabrice Morvan regresaron bajo el nuevo nombre de "Rob and Fab", esta vez sí cantaban ellos, pero la nueva intentona no sirvió de nada ya que la maldición de Milli Vanilli seguía perviviendo.
Ahí no acabó la cosa, el 2 de abril 1998, Rob Pilatus, totalmente destrozado por el alcohol y las drogas fue encontrado muerto víctima de una sobredosis en Frankfurt.
Por otra parte, Fabrice Morvan, ha proseguido en el mundo de la música, actuando en clubs y grabando varios discos de escaso éxito como "Love Revolution" (2003).

Extraido de:http://www.lacoctelera.com/quefuede/post/2005/08/07/milli-vanilli

Los Tres Chiflados

Bajo la marquesina de Howard y Howard (el apellido artístico de los
Horowitz) firmaron su primer contrato por 30 dólares semanales, pero el público
no los apoyó de entrada: Sus sketch fueron considerados " de mal gusto "por más
de uno. A comienzos de la década del 20, un conocido artista del circuito
artístico under­ground de New York, Ted Healy, perdía a sus acróbatas alemanes
por una discusión; necesitado de acompañantes, se acordó de dos amigos de la
niñez, los hermanos Howard. Primero llamó a Moe y luego a Shemp. El embrión
del trío se formaba en el año 1922. Hicieron juntos el tradicional circuito
de teatros y vauDevilles, y el resultado era siempre el mismo: La
audiencia descostillada de la risa. A los cuatro años de "gira" ' Shemp quería tomar
otro camino. Le dio la noticia a Healy mientras presenciaba un acto musical en un
club nocturno, ¨Waney Sister & Fine¨ Las hermanas Haney cantaban
y bailaban mientras Larry Fine tocaba el violín y bailaba una danza rusa. Moe se fijo
en él y pensó que seria un perfecto reemplazante para Shemp.



Le hicieron la
oferta de convertirse en un "Stooge", y después de unos días de pensarlo,
Larry aceptó. Pero Shemp finalmente decidió quedarse. Con esta formación,
Ted Healy y sus muchachos levantaron sus primeras buenas críticas y empezaron
a tomar renombre. El primer éxito considerable del conjunto cómico llegaria en
el año 1929. Un espectáculo en Broadway llamado "A Night In Venice", del cual
se harían más de 175 representaciones. Un representante de la 20th Century
Fox los vio actuando en un teatro de Hollywood en 1930 y no dudó la movida. Los
contrató para que hicieran un pequeño papel en la película "Soup To Nuts.¨
La participación tuvo una buena respuesta pero trajo los primeros problemas al
grupo. Healy era el encargado de llevar los contratos y tomando partido por los
cuatro discutió inútilmente con eljefe de la Fox. Enterados de esto, el trío decidió
separarse de él y actuar por su cuenta. De esta forma comenzaron a actuar bajo
el nombre de " Three Lost Souls " ( Tres almas pérdidas ) junto a un partenaire
llamado Jack Walsh. Con esta combinación cosecharon sus primeros titulares,
"Howard, Fine y Howard": Unos de los más sorprendentes actos del show business.
Durante ese tiempo Ted Healy, queriendo juntar al grupo, utilizo todo tipo de
recursos, amenazas, suplicas e inclusive juicios, que por supuesto perdió. Un par de
años más tarde, ante los constantes pedidos de Healy, Moe, ya como manager del
trío, consideró una oferta de Ted, y mediante un trato en 1932 el trío volvió con
su primer partenaire. Juntos actuaron en un show de Broadway, pero al poco
tiempo por problemas contracturales, Shemp decidió irse del grupo, y fue
suplantado temporariamente por un xilófonista de nombre Freddie Sanborn, quien
había actuado en Soup To Nuts ". Habia que cubrir el puesto vacante y Moe pensó
en llamar a su hermano Jerome, más conocido como Curly. Cuentan que en
sus primeras apariciones los nervios le causaban una aguda y llamativa voz, que
se convertiría en una de sus más recordadas características. Fue durante
una actuación del grupo en el New York café, en 1933, que unas personas de
la Metro Goldwyn Mayer los vieron y no dudaron en ficharlos. Para la
Metro filmaron más de diez cortos, pero la situación con Healy volvía a empeorar.
Fue el 6 de marzo de 1934 justo cuando había que renovar el contrato con la
Metro que los chiflados decidieron romper con el. El problema fundamental era
el salario, simplemente el trío no recibía lo que le correspondía. La separación
era definitiva.
A partir de ese momento, Moe, Larry y Curly le pusieron primera al largo camino
de los Tres Chiflados, que desde 1934 dejó en el archivo del cine 206 películas
cortas que fueron reproducidas por empresas televisivas de 109 paises, la
Argentina entre ellos.

extraido de: http://move.to/treschiflados

Agarrate Catalina Que Arrancamos...

Que frase demode, No???

La cuestion es que estamos para recordar aquellas simples cosas (como diria Argentino Luna) que nos hicieron tan felices...espero que les guste la propuesta...