El Chavo Del 8

El Chavo del Ocho es un famoso programa de televisión de México que también se volvió un éxito a lo largo y ancho de toda América Latina (incluido Brasil) y España. Fue tan exitoso, que la gran mayoría de los canales retransmitía varias veces episodios o temporadas del programa, hasta el 2006 cuando fue reemplazado por la nueva versión en caricatura. El programa se ha doblado a varios idiomas, entre ellos el portugués, el ruso y el hindi.
El programa comenzó en 1970, después de que el protagonista del programa, "El Chavo" (forma corta de "Chaval", el término mexicano para "chamo", "chico", o "jovencito"), apareció junto con otro personaje, "La Chilindrina", en un cortometraje durante otro programa de televisión popular en México. Este programa televisivo era producido y dirigido por Enrique Segoviano. Para 1973 el programa se convirtió en serie semanal, la cual fue cancelada en 1979. De 1980 a 1992 hubo sketches del programa en la serie Chespirito y desde 2006 està al aire la serie animada.
En un principio, el programa televisivo se dirigía a un público maduro, pero resultó extremadamente exitoso con los niños mexicanos; entonces se decidió redirigir el programa a los niños. El Chavo del Ocho se llamó así porque el programa se transmitía en el Canal Ocho de México (XHTIM Canal 8, propiedad de Televisión Independiente de México, del grupo ALFA de Monterrey, Nuevo León, México) que posteriormente compraría y sería parte de Telesistema Mexicano (hoy Televisa); dicho canal, cuando entró el canal 7 (hoy Azteca 7), se mudó al canal 9 (hoy Galavisión México). Finalmente, para evitar este malentendido del nombre del ocho, y su referencia a la antigua compañía televisora (canal 8), se comentó en algunos capítulos que el vívia en el departamento número 8, pero el lugar en que vivía era un barril en el patio de la vecindad, comprobable en varios capítulos pese a las repetidas reiteraciones del personaje de que "nadie puede vivir en un barril".

Argumento

El Chavo del Ocho es la historia de un niño mexicano (El Chavo) quien aparentemente vive en un barril de cerveza, en una vecindad de la Ciudad de México. El programa explora, de manera cómica, los problemas que muchos niños de la calle experimentan a diario como el hambre, la tristeza y el no tener a alguien que cuide de ellos y así mismo; el argumento pasa por una serie de enredos y confusiones en que participan los personajes que el escritor Roberto Gómez Bolaños "Chespirito" creó.

Popularidad

El programa fue tan popular (y lo sigue siendo) en otras partes de América Latina, incluso entre la comunidad hispanohablantes de los Estados Unidos y en Andalucía, donde se convirtió en el programa de televisión más visto en 1995. Además, aparecieron programas en los que actuaban los actores de El Chavo del Ocho. En los Estados Unidos, el programa aún se transmite por Galavisión.
En Argentina y Chile, Rubén Aguirre junto con Ramón Valdés disfrutaron de un gran éxito interpretando sus personajes en un circo; en Puerto Rico y Chile, muchas de las frases de El Chavo del Ocho se han convertido en parte del diálogo cotidiano. Por ejemplo, en Chile para decir que uno tiene fatiga de hambre, se dice: "tengo más hambre que El Chavo".
En 1988 falleció de cáncer Ramón Valdés, y en 1994 murió Angelines Fernández, "Doña Clotilde" o la "Bruja del 71", por causas desconocidas.
En Brasil (donde el personaje fue renombrado "Chaves") se ha creado un videojuego con los personajes de El Chavo y de El Chapulín Colorado. El programa es televisado por la estación televisiva SBT desde principios de los años 80. Es muy popular allá a pesar de la barrera idiomática (que fue superada por medio del doblaje al portugués).
El programa dejó de producirse poco tiempo después de que Villagrán y Valdés lo dejaran, y fue reemplazado por el programa Chespirito que mantuvo esquetches del "Chavo del Ocho" durante muchos años, hasta finales de la década de los 90.

Personajes


El Chavo del Ocho (Roberto Gómez Bolaños) es un huérfano de ocho años y es el principal personaje de la serie. "Chavo" significa "niño" en la jerga mexicana. Su nombre verdadero es desconocido (aunque, en algunos episodios se llama a sí mismo Chente (Vicente), por un amigo que murió en el orfanatorio donde fue abandonado). Es muy entusiasta, creativo y bien intencionado, aunque también muy inocente, razón por la cual otros niños se aprovechan de él. No es muy brillante (lo cual Roberto Gómez Bolaños sugirió en el lanzamiento de la serie animada puede ser causa de la malnutrición), y es un tanto torpe, a menudo golpeando a Quico, Don Ramón, o al Señor Barriga con pelotas, zapatos, martillos, ladrillos, sillas u otros objetos. El Chavo llego a la vecindad cuando tenía cuatro años y aparentemente vive en el apartamento #8 con una anciana (que nunca es vista, pero se menciona en la novela El diario de el Chavo del Ocho); después de su muerte, el pasa la mayor parte de su tiempo escondido en su barril. Le gustan mucho las tortas de jamón.
Carlos Villagrán - Kiko (escrito oficialmente como Quico en la serie animada) es un niño de 9 años malcriado y sobreprotegido. Es el hijo de Doña Florinda (y de un difunto capitán de barco llamado Federico que reportan murió cuando su navío fue tragado por una ballena, como Jonás; razón por la que Quico suele decir que descansa en pez). Es arrogante, manipulador y envidioso; siempre quiere atraer la atención de todos sobre sí mismo, ya sea gritando con fuerza o presumiendo su juguete más nuevo. También cree, en parte debido a la influencia de su madre, que el y su madre son superiores a todos los demás de la vecindad. Sin embargo, siempre encuentra tiempo para jugar con la "chusma", como llaman él y su madre a todos los demás personajes. Quico se destaca por su traje negro de marinero, sus enormes cachetes y su minúscula inteligencia. Se dice que una de las razones por las que abandonó el programa en 1978 fueron las rivalidades de popularidad con Chespirito. En el programa, Doña Florinda explicó su ausencia como que se había ido a vivir con su abuela ya que no podía aguantar más a la chusma.
Rubén Aguirre - Profesor Jirafales, el maestro de la escuela. Está altamente educado, pero es altamente ingenuo. Lleva una relación amorosa absurdamente inocente con Doña Florinda y enseña con toda su paciencia a los niños. Cuando se enfada, grita "Ta-ta-ta-taaaaa-TAH!!!" Su apellido es una comparación evidente entre su altura y la de una jirafa. Los niños y adultos a menudo lo llaman "Maistro Longaniza"
María Antonieta de las Nieves - La Chilindrina; la pecosa, inteligente, y traviesa hija de Don Ramón; y su bisabuelita, Doña Nieves; quien cuida de la Chilindrina cuando Don Ramón no está. A la Chilindrina le gusta aventajarse de sus amigos despistados para jugarles bromas y quitarles sus juguetes o golosinas. Usa lentes de montura gruesa, y después de algunos años, su guardaropa se redujo a un vestido verde corto, y un sueter rojo al que siempre le hacía una especie de nudo la espalda. Usa dos colitas que siempre están disparejas, ya que una siempre está más alta que la otra. Su nombre viene de un pan mexican típico rociado con chispas de chocola por encima, que recuerdan a sus pecas. En unos episodios tempranos de el Chavo, las colitas de la chilindrina son cortadas por el Chavo. Doña Nieves, por su parte, desapareció del programa a finales de los años 80 debido a que ella y la chilindrina no podían aparecer en la misma escena sin utilizar efectos especiales.
Angelines Fernández - Doña Clotilde, a quien los niños llamaban "La Bruja del 71" por su eccentricidad, éste apodo llega a tal punto que en muchas ocaciones el Chavo, Kiko y aveces la Chilindrina creén que de verdad lo es. Es una mujer retirada que persigue a Don Ramón.
Horacio Gómez Bolaños - Godínez es un niño que usa overol y gorra de beisbol. Normalmente se mantiene solo y trata de esquibar las preguntas en la escuela, para así poder concentrarse en dibujar y tocar instrumentos musicales. Ya que Godínez es su apellido, su nombre de pila es desconocido. Parece un estudiante capaz pero es totalmente desinteresado. Las apariciones de Godínes son muy raras, pero muy graciosas. Horacio dirigió el programa durante un tiempo, junto con su hermano Roberto.
Florinda Meza - Doña Florinda, madre de Quico y objeto del afecto del Profesor Girafales, y Popis, quien sólo aparece en las escenas del salón de clase. Doña Florinda es una viuda; su hijo lleva el nombre de su difunto esposo Federico. Doña Florinda se ha convencido a sí misma de que es social, moral y económicamente superior a sus vecinos (y se sugiere que alguna vez estaba en un mejor estatus). Protege tan fieramente a Quico que, cuando se molesta, le dará una cachetada a Don Ramón sin buscar explicación. Se le reconoce fácilmente por el hecho de que siempre carga su cabello en encrespadores, aunque esté de vacaciones en acapulco o trabajando en el "Restaurante Doña Florinda" que abre en episodios posteriores de la serie. Después de que Carlos Villagrán dejó la serie, interpretó el papel de Popis para sustituir a Quico. Popis a menudo diría "acúsalo con tu mamá", a veces en momentos inapropiados, tales como cuando el Profesor Girafales le decía a Quico que había contestado incorrectamente.
Raúl "Chato" Padilla - Jaimito el Cartero es un trabajador postal sociable, pero olvidadizo y negligente que aparece en los últimos episodios y toma el papel de Don Ramón en los segmentos de El Chavo en el programa de una hora "Chespirito". Cuando quiera que entre en la vecindad, se le ve cargando su vieja bicicleta, la cual no puede montar porque nunca aprendió como. Jaimito también es algo perezoso y tiende a evitar llevar a cabo cualquier tarea con la excusa de evitar la fatiga. Dice ser Tangamandapiano, lo cual suele tomarse a manera de chiste por los aficionados al programa , a pesar de que en:Tangamandapio es una población real de México. Jaimito una vez dijo que Tangamandapio es más grande que Nueva York, es tan grande que no aparece en ningún mapa.
Ramón Valdés - Don Ramón es un viudo desempleado. El mayor interés de Don Ramón parece ser vivir una vida sin complicaciones, pero en la vecindad esto parece ser imposible. Constantemente es reprochado por el alquiler (no ha pagado la renta en 14 meses, un número que se mantiene constante ya que Don Barriga le perdona meses de renta en varios episodios). Su hija la Chilindrina es un perpetuo dolor de cabeza y su vecina Doña Florinda responde con cualquier imposición sobre su estilo de vida con una cachetada. Aunque algo nervioso y temperamental, Don Ramón trata de mantener una actitud alegre y logra (apenas) ganarse la vida haciendo trabajos eventuales. Es aficionado a todos los deportes y actua como si los conociera todos (habiendo sido boxeador, torero [con un toro de madera], jugador de bolos y de Fútbol americano) pero debido a las ocurrencias de los niños, suele no ocurrírsele nada.
Edgar Vivar - Señor Barriga,( Zenón Barriga y Pesado )el terrateniente de la vecindad, y Ñoño, su hijo. Don Barriga rara vez tiene éxito en cobrarle la renta a Don Ramón y es bienvienido cada vez que llega a la vecindad con una patada, tropezón, trompada o golpe con un objeto lanzado por el Chavo. Su apellido es una referencia a su obesidad. Ñoño siepre era usado para los chistes de gordos en el salon de clases. Aparecía fuera de éste si cualquier escena necesitaba un niño adicional. Ñoño ha estudiado bien y tiene buen corazón, pero como la mayoría de los niños, es ingenuo para no decir más. También sustituyó a Quico en años posteriores.

Bromas Recurrentes

El programa está construido sobre una serie de chistes repetidos en cada episodio. Algunos ejemplos incluyen:
El Chavo rompe el avioncito de juguete de Kiko y éste grita "¡Mamá!"; Don Ramón, quien resultaba estar cerca, recoge el juguete roto, va hasta El Chavo y comienza a reprimirlo. Mientras tanto, Kiko le dice a su madre (Doña Florinda): "¡Me rompió mi juguete!", y apunta hacia donde están parados el Chavo y Don Ramón. Doña Florinda lo malinterpreta y piensa que es Don Ramón. Camina hasta él y le pregunta: "¿Conque sí, eh?", y antes de que Don Ramón pueda medio explicar que El Chavo fue quien lo rompió, le da una cachetada.
Posteriormente, Don Ramón mira a la cámara sorprendido mientras que Doña Florinda le dice a Kiko, "¡Vámonos, tesoro. No te juntes con ésta chusma!"; a lo que Kiko siempre responde "¡Sí Mami! ¡Chusma, Chusma!", empuja a Don Ramón y le escupe. Antes de irse, Doña Florinda le dice a Don Ramón: "¡Y la próxima vez vaya a romperle los juguetes a su abuela!": Don Ramón, molesto, tira su gorro al suelo y lo pisotea. El Chavo se le acerca y le dice: "Don Ramón, no rompa los juguetes de su abuela, mejor regálemelos a mí." A lo que Don Ramón golpea a El Chavo en la cabeza, produciendo el efecto de sonido de una campana lo cual hace que éste llore: "¡pi pi pi pi pi pi!", y se esconda en su barril. Don Ramón lo sigue diciéndole: "¡pe pe pe pe pe pe!, ¡no te doy otra no más porque mi abuelita trabajó con un juguetero!" ,y se marcha a su departamento.
El Profesor Jirafales entra (al sonido de Romeo y Julieta de Tchaikovski), y Doña Florinda deja de hacer lo que sea que esté haciendo y camina a él como si estuviera hipnotizada suspirando: –¡Profesor Jirafales...!– a lo que él contesta –Doña Florinda.––Que milagro que viene por acá...––Vine a traerle este humilde obsequio.–(Le entrega un ramo de rosas, aunque a veces confunde el ramo con otro objeto)–¡Ay gracias! Pero, ¿no gusta pasar a tomar una tacita de café?––¿No será mucha molestia?––¡Ay no!, pase usted.––Después de usted.–suspiros...Normalmente es interrumpido o seguido por algo dicho por la persona involucrada en lo que fuera que Doña Florinda estaba haciendo previamente, a lo cual ellos no le prestan ninguna atención, e incluso a Don Ramón, que termina imitando de forma señorial.
En los diálogos que mantienen el Señor Barriga y Don Ramón (generalmente por la falta de pago de la renta), frecuentemente, Don Ramón, nervioso por la situación o por otras situaciones adicionales (el Chavo interrumpiendo, la Chilindrina llorando, etc) intercambia el orden de las palabras de esta manera:-¡Usted debe tener mucha barriga, señor paciencia!--¿Qué? –-¡Digo-digo, que usted es una gran barriga, señor persona! --¿Cómo? –-Digo-digo... –-¡Mire, mejor no diga nada, y págueme la renta! –
Otros chistes repetidos no tienen un diálogo específico asociado como los mencionados anteriormente, pero incluyen al Señor barriga entrando a pedirle a Don Ramón que le pague la renta y él escapa por la ventana antes de que el Señor Barriga lo vea; y el hecho de que cada vez que el Señor Barriga llega, el Chavo lo golpea de una manera u otra hasta el punto de que el Señor Barriga comenzó a felicitar al Chavo por no "recibirlo con un golpe" a lo cual él se daría la vuelta o soltaría lo que cargaba (irónicamente golpeando al Señor Barriga) diciendo "¿Oíste Kiko? Esta es la primera vez que no–" lo cual normalmente es interrumpido por el Señor Barriga.

Extraido de:http://es.wikipedia.org/wiki/El_Chavo_del_Ocho

Meteoro

Meteoro fue uno de los primeros animes clasicos que han recorrido el mundo. Uno de esos pocos dibujos animados que si uno los ve en la tele no duda en quedarse mirandolos viendo las impresionantes carreras de Meteoro.Meteoro, un joven corredor de carreras. Conduce su flamante Mach 5, un súper deportivo GT fabricado por su padre con excepcionales características. Su familia esta compuesta por su Padre, su Madre, su hermano mayor "Rex" y otro menor "Chispita". Otros personajes de la serie son su novia Trixie, Su amigo Bujía (mecánico exclusivo del auto) y su mascota Chito un chimpancé que junto a Chispita hacen las gracias de la serie.

Rex, su hermano mayor , se fue del hogar familiar después de mantener una discusión con su padre porque éste cogió un auto que acababa de construir y compitió en una carrera sin su permiso. Rex ganó la carrera, pero perdió el control después de pasar la meta, destrozando el auto por completo. El hermano de Meteoro salió ileso y se acerco a su padre contento por haber ganado, pero éste le recriminó fuertemente por lo que hizo. Rex le dijo que le demostraría lo buen corredor que era y se marchó para nunca volver con su familia.Aunque repetidamente sale en la serie vestido como el corredor X. Un enmascarado que cuando menos se lo esperan se encuentra en la línea de carrera, cada vez que su hermano Meteoro compite. Ni Meteoro, ni su familia saben que el corredor X es en realidad su hermano mayor.

Funciones del Mach 5

Boton A
Con unos brazos que salian debajo del auto este se aceleraba y se elevaba
Boton B
Daba una proteccion especial a los neumaticos para determinados terrenos
Boton C
Unas sierras que salian de enfrente del auto obviamente para cortar
Boton D
Le daba al parabrisas proteccion antibalas
Boton E
Luces muy brillantes
Boton F
Transformaba el auto en submarino
Boton G
Salia un pajaro Robot con forma de paloma mensajera

Extraido de:http://www.comics.com.ve/?n=anime/meteoro

Palito Ortega

Nació en Lules, Tucumán, el 8 de Marzo de 1941, en un hogar muy humilde. Vendiendo diarios y trabajando como cadete en un comercio logró juntar dinero para intentar la aventura de la gran ciudad, y se vino a Buenos Aires en 1956.
Ya en la capital realizó varios trabajos, hasta que como vendedor callejero de café llegó a canal 7 y radio Belgrano, donde conoció algunos músicos que se presentaban con Carlinhos y su Bandita. Aprendió a tocar batería y guitarra y realizó presentaciones con esa banda. Su ambición era seguir los pasos de su ídolo Elvis Presley, por lo que desde 1959 comenzó a presentarse como con distintos seudónimos con un conjunto propio. En 1961 grabó su primer disco como NERY NELSON: "La Edad del Amor" y "No te Enojes Nena", en un sello poco conocido y sin repercusión, aunque llegó a registrar otros temas: "Cupido", "Mira el Arco Iris", "Yo No Quiero".
En 1962 comenzó a componer con Dino Ramos, formando la dupla autoral que lo llevaría a la fama y en 1963 comenzó a grabar en RCA (un simple con "Escalofrío" y "María", incluidos después en su primer LP) ya como Palito Ortega. Apareció en programas televisivos, hasta llegar al Club del Clan. Interpretaba sus temas con gesto serio, casi sin sonreir, lo que le valió el apodo de "El Chico Triste de las Canciones Alegres".
Desde ese momento su carrera fue una sucesión de records, tanto de venta de discos como de público en sus presentaciones. Pronto fue reconocido como único e indiscutido "Rey" de la Nueva Ola. Al igual que Elvis, comenzó a disminuir sus presentaciones personales para filmar una serie de películas en las que entonaba sus canciones. La primera fue "Fiebre de Primavera", una divertida estudiantina con Violeta Rivas y un excelente elenco: Estela Molly, Teresa Blasco, Nora Cárpena, Santiago Gómez Cou, Luis Tasca, Tono Andreu, Juan Carlos Altavista, Norberto Suárez. Después siguieron muchas más, entre las que recuerdo "Mi Primera Novia", donde conoció a su futura esposa Evangelina Salazar (que en la película prefería casarse con Dean Reed); "Un Muchacho Como Yo", con Osvaldo Miranda, Soledad Silveyra, Emilio Ariño, Beatriz Bonnet; "Quiere Casarse Conmigo", con la mexicana Sonia Bruno; "Amor en el Aire", donde con Rocío Durcal interpretan una excelente sucesión de canciones; una versión de "La Cigüeña Dijo Sí", no recuerdo si con ese título, con Estela Molly, Angel Magaña, Elina Colomer.

Extraido De:http://www.musicadelrecuerdo.com/collections/palitoortega.htm

Revista El Tony

Con un rígido enfoque editorial, claramente dirigido a un público muy específico, de estratos populares, Columba siempre puso el ojo en las ventas antes que en la calidad: Su sencillo objetivo era llegar a todos los quioscos del país. El mercado interno, la gran masa Argentina, era el objetivo primordial de la editorial. Esto hizo que sus revistas muchas veces fueran denostadas por ser productos excesivamente comerciales, trabajados con fórmulas que se habían estancado en el tiempo. La publicación de Skorpio, o de Fierro, supuso para algunos un fuerte contraste con Columba.

Aún así, por sus títulos pasaron grandes autores, guionistas y dibujantes, los que no siempre tuvieron una cordial relación con el editor. La leyenda negra de Columba se basa en su política depredadora en materia de derechos de autor, no pagar reediciones, en la no devolución de originales, en la muchas veces poco feliz aplicación de colores en sus revistas, o en la nula sensibilidad artística hacia los nuevos talentos, a quienes simplemente se les hacía copiar el estilo del dibujante de moda, como en el caso de la adaptación de Holocausto, dibujada por un joven Risso clonando el estilo de Mandrafina.

La fórmula de publicación de álbumes con gran cantidad de páginas y rápida periodicidad permitía tener una presencia sólida en el mercado, pero evidentemente resentía a la larga la calidad de sus productos. De todas formas, en las revistas Columba hubo trabajos notables, a pesar de las cortapisas que imponía la editorial. La censura era extensa, desde el lenguaje desprovisto de toda palabra soez, hasta un maniqueísmo extremo que solo la capacidad de algunos guionistas podía disimular.

Hablar de las revistas de Columba es también hablar de Robin Wood, Guionista Paraguayo avecindado en Argentina. Wood crearía una extensa galería de personajes que con el tiempo serían el soporte fundamental de estas publicaciones, y de paso se convertirían en algunas de las historietas más populares de Argentina.

El Tony

El tony nació en Septiembre de 1928, y fue la primera revista de historietas de Argentina. Se publicó ininterrumpidamente, con diversos formatos, hasta el año 2000, cuando Columba terminó sus emblemáticas revistas.

Su tiraje inicial fué de 10.000 ejemplares, los que llegarían a los 300.000, cifra notable si hablamos de un semanario. En un principio, publicaba material de procedencia extranjera. Revista enfocada a un público infantil, traía historietas, secciones didácticas y adaptaciones literarias. Se crearon festivales para estrechar los lazos con el público, concursos y hasta una asociación de seguidores del Agente X-9, creación de Alex Raymond, con chapitas cedidas por la editorial.

Con el tiempo, el material de autores autóctonos comenzó a ganar terreno. Aún asi, se publican historietas clásicas Americanas, como Mandrake, Tarzán o Batman, que se publica solo un año después de su aparición en Estados Unidos, en 1940. Paulatinamente, las historias empiezan a ser dirigidas a un público juvenil y adulto. Se establece la fórmula de un álbum con gran número de personajes, con sagas de larga duración que se entregan en capítulos autoconclusivos. Algunos de estos personajes tuvieron una enorme aceptación y se mantuvieron durante muchísimo tiempo. Las temáticas recorrían casi todos los géneros: policial, bélicas, fantásticas, épicas, de ciencia ficción, junto a la inclusión de personajes criollos, esquema editorial que se repetiría en los otros tìtulos de la editorial. En un apretado resumen, algunos de los personajes más recordados de las últimas décadas de la editorial fueron:

Alamo Jim, de Carlos Albiac y Carlos Casalla, un western de aventuras matizado con humor, Protagonizado por una especie de solitario antihéroe;

Argón el Justiciero, de Oesterheld y Vogt-mas adelante Armando Fernández y gomez sierra-, serie de fantasía heroica ambientada en la època de Alejandro Magno, protagonizada por un guerrero Macedonio que guardaba ciertas similitudes-sobre todo físicas-con Nippur de Lagash.

Pepe Sánchez, de Wood y Vogt, comiquísima parodia de James Bond y del género de espías a cargo de un agente secreto Argentino. Abundaba en citas y guiños sobre el cine y la novela del género.

Mark, de Wood y Ricardo Villagrán. Un personaje inspirado en El hombre omega, la película que a su vez se basaba en Soy leyenda, de Richard Matheson. Mark y su amigo Hawk, supervivientes de un cataclismo atómico deben luchar contra mutantes, humanos renegados y científicos amparados en ciudades de cristal;

Cabo Savino, de Julio Alvarez Cao. Dibujado por carlos Casalla, Furlino y Merel. una muestra de la historieta "criolla" Argentina, que narra las vivencias de un soldado de fortín en la frontera del siglo XIX. Publicado originalmente en el diario La razón en 1954, tres años después recala en Columba. Se publicaría además en Fantasía y Dartagnan. Otros guionistas fueron Chacho Varela y Jorge C. Morhain. Entre 1973 y 1975 Columba edita Cabo Savino como comic book, y en 2003 editorial Caleuche lanzó un libro recopilatorio del personaje;

Martín Toro, De Sergio Almendro. También guionizado por Jorge C. Morhain y Ray Collins. fue un personaje de idéntica temátrica creado por los editores aprovechando el éxito de Cabo Savino.

Los Aventureros, de Robert O´neill (seudónimo de Wood) y Gomez Sierra. Un aristócrata Polaco, un Mexicano y un Inglés sobreviven gracias a su ingenio y sus músculos en aventuras en todo el globo insertas a principios del siglo XX.

Brigada Madeleine, de oesterheld y Gomez Sierra, Meyer y Nestor olivera. Otro de guionista fue Carl Trench, seudónimo de Julio J. Grassi. Un grupo de comandos Franceses en la Segunda Guerra Mundial, con el enfoque Oesterheldiano de la guerra: el enemigo es un ser humano como todos, atrapado en un infierno que es igual para todos. El elemento humano, mas que el bélico, sostenía muchas de sus historias.


Big Norman, de Robert O´neill y Haupt. Dave Norman es un detective privado, un duro al estilo de Harry el sucio, en el New York de los setenta. Narrada en primera persona-lo que le daba una conexión directa con el encanto del personaje-era Una mezcla de serie negra con algo de exploited, con el reconocible estilo de Haupt.

Jackaroe, de Wood y Dalfiume. Pluma Blanca es el nombre indio de Jackaroe: Abandonado de niño fue encontrado y adoptado por ellos. Un western muy particular, de raiz mas Europea que Americana, deudor del Spaghetti Western.

Ronstadt, de Wood y Villagrán. Un soldado Holandés con una bala alojada cerca del corazón que lo puede matar en cualquier momento. Como elemento típico de Wood, aquí también está presente el viaje-la odisea-del personaje a través de diversas partes del planeta. Nuevamente, Wood elige situar a su personaje en un marco temporal similar al de otras series: fines del siglo XIX y comienzos del XX.

Kozakovich y Connors, de Wood y García Durán. Max Kozakovitch es un soldado Polaco convertido en mercenario. Junto al piloto David Connors, recorren Europa, Asia menor y Africa en busca de aventuras que les den sustento, durante la época de la primera guerra mundial. Como de costumbre, Word intercala hechos y personajes verídicos en sus argumentos.

Tras El Tony vinieron El tony extraordinario, Album el Tony, Tony Extracolor, Supercolor El Tony, El Tony todocolor, El tony Color, Anuario El Tony y Superanual El Tony, publicados alternada o paralelamente. Esta nomenclatura se basaba en el número de páginas y de historias en color o blanco y negro de cada número. A mediados del 2000 dejan de publicarse.

Extraido de:http://www.ergocomics.cl/sitio/index.php?idele=20060528163525

Batman

El personaje creado por Bob Kane en 1939 que apareció en el nº 27 de Detective Comics llegó a la pantalla del cinematógrafo en los años '40 junto a otros héroes (Capitán América, el Avispón Verde) a través de un serial titulado Batman (1943) que fue producido por la Columbia y protagonizado por Lewis Wilson como Batman y Douglas Croft como Robin. El serial de quince episodios fue continuado años después por otro titulado New Adventures of Batman and Robin (Vuelve el Hombre Murciélago-1948), pero el protagonista fue Robert Lowery (que lucía un poco más atlético que Wilson) y John Duncan como Robin. Casi veinte años después el productor William Dozier se enteró de que la ABC había adquirido los derechos de Batman para producir una serie detectivesca junto con la Fox. Dozier, un fanático de los comics, pensó en darle un matiz de poca seriedad a la serie, a diferencia de la cadena que pretendía una serie policial. Dozier contactó en Madrid al guionista Lorenzo Semple Jr., especializado en comedias, para interesarlo por el proyecto. Semple se despachó con el argumento para el episodio piloto, titulado "Hi Diddle Riddle", que era una versión de un episodio aparecido en el nº 171 de Batman. Más tarde Dozier se dedicó a buscar los actores ideales para los respectivos papeles. El primero en ser confirmado fue Alan Napier en el papel del mayordomo Alfred. Napier no estaba muy convencido de aceptar el papel en un principio, pués nunca había leído antes el comic y le parecía ridículo el rol. Pero cuando le dijeron que iba a ganar 100.000 dólares, el actor dijo: "No se preocupen Batman, ya tiene mayordomo". Dozier pensó en Ty Hardin para el protagónico principal, pero el actor se hallaba en Italia filmando spaghetti- westerns y rechazó el papel. Más tarde el productor convocó a dos actores que cuadraban con el personaje: Adam West y Lyle Waggoner (más tarde sería el Mayor Trevor en la serie La Mujer Maravilla).
Adam West: William Anderson nació el 19 de septiembre de 1928 en Walla Walla, Washington, y comenzó su carrera profesional como anunciante televisivo en Sacramento, California, luego de dejar la Universidad de Stanford. Precozmente se casó en 1945, a los 17 años, pero se divorció seis años después. Trabajó en Hawaii como disc-jockey y a fines de los años '50 logró debutar en una película: The Young Philadelphians (1959), en la que Paul Newman interpreta a un esforzado abogado que tiene que defender a un joven que parece ser culpable (Robert Vaughn). No volvió a aparecer en la pantalla hasta Geronimo (1962), un western con Chuck Connors y Ross Martin. Para ese momento ya había probado suerte en el medio televisivo, cumpliendo el rol del sargento Steve Nelson en las dos últimas temporadas de The Detectives, la serie policial protagonizada por Robert Taylor emitida entre 1959 y 1962.
La serie The Detectives se emitió por ABC a partir de octubre de 1959. Protagonizada por Robert Taylor, las tramas eran bastante fuertes para la época. Emitida en formato de episodios de media hora, en septiembre de 1961 pasó a la NBC y se puso al aire en episodios de una hora. También se incorporaron al elenco dos nuevos actores: Mark Goddard y Adam West, quienes estuvieron hasta la cancelación de la serie en septiembre de 1962. A partir de aquel momento West vio como su carrera comenzaba a asentarse. Los papeles secundarios en películas como Soldier in the Rain (1963), junto a Steve McQueen, y las participaciones especiales en series como The Outer Limits (Rumbo a lo Desconocido) lo ligaron a la ciencia ficción. Así tuvo su primer papel protagónico en Robinson Crusoe on Mars (1964), un filme que rescataba la historia de Daniel Defoe pero ambientándola en el planeta rojo.

También incursionó en la baja comedia cuando acompañó a Los Tres Chiflados en The Outlaw is Coming (1965), la última película del trío. The Outlaw Is Coming! fue la última película de los Tres Chiflados (por entonces Moe, Larry y Curly-Joe). Es una sátira de los filmes del oeste con un impecable elenco de comediantes (Henry Gibson, Emil Sitka y otros) y muestra al trío como empleados de una imprenta que son enviados al oeste junto su editor (West) para enfrentar a una banda que reúne a los más peligrosos pistoleros jamás vistos: Wyatt Earp, Wild Bill Hickock, Jesse James, Annie Oackley, Sam Bass y otros. Sin embargo su nombre solo pasó a ser conocido mundialmente a partir de 1966 cuando interpretó por primera vez a Batman, el héroe encapotado creado por Joe Kane. Batman fue una serie orientada hacia el público infantil pero que también fue seguida por los adultos, quienes veían en los argumentos un sutil toque de sátira. Para West significó la celebridad instantánea en todo el planeta. Miles de artículos de merchandising eran expendidos día a día y una monstruosa campaña publicitaria instauró lo que se denominaría la batmanía. La música de la serie fue un hit, los actores de Hollywood estaban ansiosos por desempeñar el papel de alguno de los pintorescos villanos y un largometraje titulado Batman (1966) lanzó la batmanía a la pantalla grande. En 1968, habiendo decrecido las mediciones de público, la serie fue cancelada. 1970-1980: Luego de esto West se vio muy complicado en conseguir trabajos: La serie había salvado su bienestar económico pero también lo había encasillado en el papel de Batman. En los años '70 volvió a conseguir papeles secundarios en películas como Poor Devil (1972) en la que Jack Klugman cree que ha vendido su alma a un mensajero (Sammy Davis Jr.) del Diablo (Christopher Lee) y en una película de terror llamada Curse of the Moon Child (1973). A mediados de la década tuvo su primer protagónico luego de la serie: un filme titulado The Specialist (1975) junto a John Anderson y Anna Capri. También participó en un western, Nevada Smith (1975) junto a Lorne Greene y en una película de guerra, Hell River (1975) junto a Rod Taylor. El público masivo sin embargo lo volvió a ver más tarde como el mecánico de Burt Reynolds en Hooper (Hooper, el Increíble-1978). 1980-1990: A continuación de esta época de oscuridad, West decidió volcarse al cine de terror, participando en One Dark Night (Una Noche Negra-1982) y Zombie Nightmare (1986), dos filmes de zombies. A mediados de los '80 volvió a la televisión para conformar el reparto de The Last Precint, emitida a partir de abril de 1986 por NBC. Pero la serie fracasó luego de siete episodios. West también incursionó en el terreno de las artes marciales, participando en Return Fire: Jungle Wolf 2 (1988) y Omega Cop (1990), ambas con Ron Marchini y The Night of the Kickfighters (1991), con Andy Bauman. Esta serie de filmes de bajo presupuesto se continuó con Maxim Xul (1989), una mezcla de El exorcista II y Hellraiser protagonizada por West. 1990-2000: En 1993 efectuó un nuevo regreso a la pantalla chica para Danger Theatre, un serie de media hora presentada por Robert Vaughn que satirizaba las viejas series de aventuras. West cumplía el rol del capitán Mike Morgan, un despistado policía de Hawaii en el segmento "Tropical Punch". Lamentablemente la serie fue cancelada luego de solo siete episodios.
En 1994 Adam conformó el reparto de The New Age, un filme de Michael Tolkin en el que un agente de talentos (Peter "Robocop" Weller) y una diseñadora de arte (Judy Davis) que pierden sus respectivos trabajos el mismo día, por lo que deciden llevar a cabo un negocio por cuenta propia. En el reparto figuran Samuel L. Jackson, Patrick Bauchau y Corbin Bernsen, y Adam West fue puesto en tercer lugar luego de la pareja protagónica.
Burt Ward estaba estudiando actuación en la UCLA cuando fue a una prueba para el rol de Robin. Cuando unos productores le hicieron vestir las calzas que llevaba el personaje, el joven Burt se asustó y pensó que lo estaban probando para una película pornográfica. Algún tiempo después fue llamado a realizar una prueba fílmica con el protagonista, Adam West. Recién a partir de ese momento Burt supo que estaba siendo probado para el papel de Robin, aunque él no sabía quien era, pues jamás había leído el comic de Batman. Cuando se inició la serie, la popularidad llamó a la puerta del joven de 19 años, y pensó que esto le allanaría el camino hacia una fructífera carrera actoral. Pero al igual que West, al finalizar la serie en 1968, tuvo grandes dificultades para conseguir otros roles y sus trabajos en el medio son contados con los dedos: en 1977 prestó su voz para la versión animada de Batman y Robin. Y a fines de los '80 intervino en una serie de mediocres películas estrenadas directamente en video: KILLCRAZY (1989), R0BO-CHIC (1989), VIRGIN HIGH (1990), SMOOTH TALKER (1990) y BEACH BABES FROM BEYOND (1993). En 1990 se casó con la hija de un multimillonario y continuó realizando apariciones públicas en convenciones y reuniones de batifanáticos junto a Adam West y por separado.
En 1989 Adam y Burt realizaron una aparición pública con el viejo vestuario de la serie. Ese fue el año del estreno de la película de Michael Keaton, y los productores no estuvieron muy felices de esta presentación, así que frustraron nuevas apariciones del dúo dinámico.

Batipersonajes

Neil Hamilton (el Comisionado Gordon): Hamilton fue un galán del cine mudo y se tuvo que ver relegado a papeles secundarios con el advenimiento del sonoro. Sus más importantes filmes mudos fueron The White Rose (1923) y Beau Geste (1926). En los años '30 se destacó en la versión sonora de Tarzan the Ape Man (Tarzán de los Monos, 1932) y What Price Hollywood? (1932). A fines de los '40 fue uno de los primeros actores en participar de shows televisivos cuando fue el anfitrión de Hollywood Screen Test, un ciclo que se comenzó a emitir en 1948 por la cadena ABC y que ofrecía la posibilidad a jóvenes actores de participar en episodios junto a actores más experimentados. La serie se emitió hasta 1953. En 1950 también participó de una comedia musical televisiva llamada That Wonderful Guy, que fue protagonizada por Jack Lemmon y Cynthia Stone. Falleció en 1984.
Yvonne Craig (Barbara Gordon - Batichica): Su aspecto físico la ayudó a conseguir un papel en un episodio de Perry Mason (1958) y un rol en la película GIDGET (1959), que fue el inicio de su carrera. La actriz fue seleccionada para el papel de Batichica, pero ella jamá había mirado ningún episodio de la serie (que llevaba ya una temporada de emisión). Sin embargo esto no fue impedimento y desempeñó su papel en 26 episodios de la serie, efectuando ella misma las tomas de riesgo. Durante los '70 se vio relegada a apariciones como invitada en todo tipo de series . Llegada la época de la nostalgia, Yvonne ha logrado mantenerse realizando apariciones personales en convenciones y reuniones de batifanáticos.
Alan Napier (Alfred, el Mayordomo): Primo de Neville Chamberlain, primer ministro británico entre 1937 y 1940, Napier realizó su primeros papeles cinematográficos en los años '30. Su primer papel en el cine norteamericano fue en Vuelve el Hombre Invisible (1940) junto a Vincent Price. Su impecable carrera está compuesta por una nómina notable de filmes de todos los géneros, tales como La Cadena Invisible (1943), Julio Cesar (1953) y Mi Bella Dama (1963). Su rostro comenzó a hacerse conocido al mundo entero a partir de 1966 cuando encarnó a Alfred, el correcto mayordomo de la serie Batman (1966-1968).Al igual que otros actores seleccionados para los distintos personajes, Napier no tenía idea de que o quien era Batman, pues jamás leía los comics.Luego de la serie apareció en unas pocas películas televisivas y efectuó su última aparición pública en 1988, poco antes de morir.
Stafford Repp (el Jefe O'Hara): Comenzó su carrera actoral luego de la II Guerra Mundial. Su primer contacto con el medio televisivo se produjó cuando fue contratado para realizar efectos de sonido a $1,00 el show. Más adelante se destacó como actor de carácter, cumpliendo breves roles en series como The Twilight Zone, Perry Mason, Mr Lucky, Bonanza y Banacek, convirtiéndose en uno de los personajes de la serie The Thin Man, con Peter Lawford, and The New Phil Silvers Show. Antes de aparecer en Batman, trabajó en unas 15 películas. Su papel de Jefe O'Hara le hizo una faz conocida de la TV y luego de cancelada la serie, obtuvo algunos papeles como actor invitado en series. Falleció en 1974.

Bativillanos

El elemento quizás más original de la serie lo constituía sin duda alguna la amplia galería de villanos a la que el dúo dinámico se tuvo que enfrentar a lo largo de toda la serie. Con el correr de la primera temporada y el boom que la serie significó, un sinnúmero de estrellas de Hollywood (Gregory Peck, Elizabeth Taylor, Frank Sinatra, James Mason, Gloria Swanson, Bette Davis) se entusiasmaron en conseguir algún papel de villano.
Durante la primera temporada varios actores realizaron participaciones como villanos invitados: George Sanders fue el Capitán Frío (Mr. Freeze, la versión televisiva del Mr. Zero de los comics). David Wayne, un célebre comediante, fue el Sombrerero Loco (Mad Hatter). Falsa Faz (False Face), un villano de quien no se veía el rostro verdadero, fue interpretado por el hasta entonces desconocido Malachi Throne, cuyo nombre ni siquiera apareció en los créditos. Julie Newmar fue Gatúbela (Cat Woman), que fue persuadida de participar en la serie por su hermano, incondicional fanático de Batman. El Rey Tut (personaje pensado para Robert Morley pero que fue adjudicado a Victor Buono) fue un villano creado para la serie. Su personal interpretación lo convirtió en un clásico entre los malvados.
Durante la segunda temporada (en plena batimanía) Art Carney fue el Arquero en un episodio en donde Alfred tiene que vestirse como Batman. Van Johnson fue el Trovador (The Minstrel) y Shelley Winters encarnó a Ma Parker (un papel que le asentó bien pues quedó encasillada como madre de pandilleros), Walter Slezak, un actor de origen alemán encarnó al relojero y Vincent Price encarnó a Cascarón (Egg-Head) que terminó una de las escenas iniciando una virtual guerra de huevos mientras que el guión solo pedía dos huevazos. El célebre pianista Liberace tuvo su papel de villano y Carolyn Jones (Mortycia de Los Locos Addams) fue Marsha, la Reina de Diamantes, una versión de la Poison Ivy del comic. Cliff Robertson reemplazó a Clint Eastwood en el papel del cowboy Shame y Michael Rennie, Klaatu de The Day the Earth Stood Still (El Día que Paralizaron la Tierra-1951) fue Doromido (Sandman) un aliado de Gatúbela (nuevamente Newmar). Incluso en un episodio aparecen El Avispón Verde y Kato (Van Williams y Bruce Lee) de quienes no se sabe bien si son justicieros o villanos. En realidad fue un intento de promocionar la nueva serie de William Dozier, que si bien era más refinada que Batman, no poseía la aceptación popular de esta. Durante la tercera temporada algunos de los villanos fueron Joan Collins como Lorelei Circei, Ethel Merman como Lola Lasagna, el comediante Milton Berle como Luis el Lirio (Louie the Lilac), Rudy Vallee como Lord Marmaduque Fogg acompañado por Glynnis Johns como Lady Penelope Peasup en un capítulo triple ambientado en la ciudad de Londrevia (Londres). Al no estar disponible Julie Newmar, Eartha Kitt, una felina actriz de color, ocupó el rol. Cerca del final, Zsa Zsa Gabor fue Minerva, un papel escrito pensando en Mae West y Ida Lupino fue la Dra. Cassandra.
Frank Gorshin (El Acertijo): El primer episodio de Batman exhibió a El Acertijo, un personaje que no tuvo gran importancia en los comics, pero que en la pantalla fue interpretado soberbiamente por Frank Gorshin, un actor de grandes dotes que a lo largo de su carrera fue muy desaprovechado. Su caracterización le valió una nominación al premio Emmy de aquel año. Goshin había iniciado su carrera en 1956 participando como actor secundario en películas de la Fox y la Paramount. En 1957 pasó a AIP, el estudio de Roger Corman, para el que actuó en filmes baratos y de diversos géneros. Luego de finalizada la serie Batman, su fama comenzó a decrecer y en los últimos años sus papeles secundarios en distintos filmes, más notablemente en 12 Monkeys (12 Monos-1995), han llamado la atención del público.
Cesar Romero (El Guasón): La lista de villanos siguió con Cesar Romero, quien aceptó el rol de El Guasón (The Joker) luego de que José Ferrer rechazara el papel. De padres cubanos, Romero debutó en Broadway precozmente en 1927 y apareció en la pantalla grande en 1933. Su impecable carrera se extendió por el cine y la TV, convirtiendo su bigote anchoíta en una especie de sello de fábrica. Falleció en 1994.
Burgess Meredith (el Pinguino): El siguiente pintoresco malvado fue el Pingüin (The Penguin), tuvo una excelente interpretación en el actor Burgess Meredith. Apareció en 6 episodios y en el largometraje y su nombre fue asociado más tarde con el entrenador de Rocky Balboa en la saga de las películas de Rocky (1974). Meredith comenzó su carrera cinematográfica en 1936, luego de alguna experiencia teatral. En los años '40 llegó a dirigir varios filmes. Su larga trayectoria se extendió a la TV, medio en el que logró grandes momentos, como por ejemplo sus participaciones en episodios de La Dimensión Desconocida. Fue anfitrión en series dramáticas y documentales. y durante los años '80 siguió activo en papeles de reparto y altamente respetado por sus camaradas.
Julie Newmar (Gatúbela): Una bella bailarina y también actriz, Newmar había debutado en Serpent of the Nile (1954). A fines de los '50 fue un bello rostro que cautivaba por su misterio. En un episodio de La Dimensión Desconocida interpretó al Diablo. Su popularidad la llevó al papel de Gatúbela. A diferencia de otros actores que participaron del show, Newmar tuvo gran demanda a fines de los '60 y permaneció como actriz de culto a lo largo de los '80 y '90.

Extraido de:http://www.quintadimension.com/televicio/index.php?id=48&pag=1

Tarzan

Edgar Rice Burroughs creó el que, dicen, es uno de los principales iconos populares del siglo veinte: Tarzán de los Monos, el aristócrata salvaje criado entre los inexistentes simios del África misteriosa y colonial. La popularidad del personaje, lo saben ustedes, trasciende a las novelas y relatos donde fue introducido para saltar al cine, la televisión y, naturalmente, los cómics. Como muchos otros personajes posteriores, Tarzán se convertiría en un personaje multidimensional, en tanto que las versiones de los distintos medios no coincidirían entre sí más que en algunos elementos básicos. No creo que nadie se rasgue las vestiduras a estas alturas si reconocemos que el Tarzán cinematográfico apenas se parece al original literario, muy superior en todos los aspectos.
Tarzán es el personaje que inicia (junto con Buck Rogers) los cómics "serios" o "de aventuras" ya en 1929. Y lo hace basádose tanto en las novelas como en la visión cinematográfica, explorando las selvas y civilizaciones de África y obviando en gran parte lo que sería marca característica del Tarzán literario: su incursión de pleno dentro de la fantasía.

Porque el sueño del África misteriosa y colonial pronto se le quedó pequeño a Edgar Rice Burroughs y, escritor de pulps, enseguida viró al personaje hacia lo desaforado y fantástico, hacia la ciencia-ficción en ocasiones, hacia mundos que no existen y que tienen mucho más sabor que la constreñida visión del continente negro y su héroe salvaje que popularizara Hollywood.
El Tarzán de Harold Foster incluiría algún encontronazo con dinosaurios y valles perdidos, la larga y maravillosa aventura con una civilización egipcia que parece escapada del tiempo y, por fin, el encuentro con un grupo de vikingos que preludiaría el deseo de Foster de crear un personaje propio en esa dirección, lo que luego sería Prince Valiant, siempre dentro de unos cánones realistas. El Tarzán de Burne Hogarth continuaría haciendo equilibrios entre la visión colonialista y la visión pseudofantástica, enfrentando por igual a Lord Greystoke con fieras a veces trastocadas de continente o con extraños seres-cabeza y las inevitables civilizaciones perdidas; en el terreno de las tiras diarias, en colaboración con Dan Barry, se llegó a realizar un crossover con otros personajes burroughsianos y se llevó a Tarzán al centro de la Tierra.
Pero no es hasta 1967 en que Tarzán en los cómics asume plenamente la historia del Tarzán literario y se prescinde de la imaginería africana al uso y se vuelve al Tarzán descubridor de mundos perdidos y seres de pesadilla. Russ Manning ya venía de adaptar al comic book varias novelas de Burroughs (y es sorprendente cómo se puede ser tan fiel a unas novelas en tan corto número de páginas), y cuando se encarga de recoger la antorcha del personaje y dibujar las tiras diarias y las planchas dominicales del héroe selvático trae consigo un bagaje que posiblemente ni Foster ni Hogarth ni ninguno de los otros dibujantes de Tarzán poseían o les importaba, alejándose además de los cánones estéticos de los dos grandes (su versión no nace del homenaje ni de la nostalgia como puede hcerlo la, por lo demás, más que sobresaliente versión de Joe Kubert para los comic books unos años más tarde).

Manning es un fan del personaje, y como tal es consciente de que la mitología de Tarzán va mucho más allá de los exploradores con salacot y los masai con lanzas de plumas (por no mencionar la vergonzosa inclusión de la malhadada mona Chita en las películas del semi-mudo Johnny Weissmuller): quizá consciente de que la política descolonizadora le había pasado por encima al personaje (como también le pasaría al otro héroe selvático de los cómics, The Phantom), Manning muy inteligentemente reconduce a Tarzán hacia Opar y Pal-ul-don, hacia el país de los hombres-hormiga y las bellas reinas sin escrúpulos, hacia mundos perdidos con hombres de cola prensil que cabalgan dinosaurios y nieblas que ofrecen la vida eterna o la vejez inmediata. Además, tanto Tarzán como sus compañeros de aventuras se expresan no con los torpes monosílabos del cine, sino en un perfecto inglés que alterna con la divertida jerga burroughsiana ("Kreegah", "Bundolo", "Mangani") que Hollywood había ignorado.
Con un estilo narrativo de dinámica ejecución y belleza plástica que preludia a autores contemporáneos como Steve Rude, Manning muestra a un Tarzán juvenil y maduro al mismo tiempo, serio e inteligente, tan distinto del estatuario y clasicista Elmo Lincoln de Hal Foster como del neurótico Rodolfo Valentino hiperactivo de Burne Hogarth. Además, recurriendo tal vez al recurso de Burroughs de contar varias historias dentro de la trama principal, Manning subvide sus años en la serie entre historias protagonizadas por Tarzán o por su hijo Korak, que en ningún momento es un personaje molesto como otros sidekicks al uso, sino una noble versión adolescente de su padre. La inclusión en las historias de Jane Porter, la esposa de Tarzán, para nada supone un handicap: esta Jane es un personaje digno e inteligente, heredero de la Aleta de Prince Valiant, una puesta al día de los conceptos de la feminidad en la historieta muy anterior a otros intentos similares dentro de los comic books.

La belleza que transmiten todos los personajes de Manning, desde la reina La a los diversos guerreros, a las mujeres con cola o a los múltiples felinos o reptiles y dinosaurios convierten a su Tarzán en la que es quizás la visión definitiva del personaje tal como fue cuando la magia y la fantasía iban de la mano de la aventura.

Extraido de:http://www.bibliopolis.org/umbrales/umbr0052.htm

Sumo

Sumo nació y murió con Luca Prodan. Luca nació en Roma, hijo de un italiano y una escocesa. La familia había padecido los campos de concentración de la Segunda Guerra, pero con el tiempo logró reponerse y hacer cierta fortuna. Luca estudió en Escocia y vivió toda la década de los '70 en Londres. Allí tocaba la guitarra en diferentes pubs de los barrios bajos. En 1981 aceptó la invitación de un amigo que vivía en un campo de Córdoba y se vino para las sierras de Mina Clavero, sin hablar ni una sola palabra de español y planeando comprar vacas con todos sus ahorros. Al poco tiempo se aburrió de la tranquilidad y se mudó a Buenos Aires. Concretamente a la localidad de Hurlingham.Con un grupo de amigos tomaron la iniciativa y gastaron toda la plata en equipos: Germán Daffunchio tocaría la guitarra; Alejandro Sokol el bajo y Stephanie Nuttal, una amiga inglesa, la batería. Sumo se formó en 1981 y debutó en febrero de 1982 en el Pub Caroline's de El Palomar.Su primera actuación importante se llevó a cabo en el Festival Rock del Sol a la Luna, en las instalaciones del Club Estudiantes de Buenos Aires en Caseros, el 20 de marzo de 1982. Del mismo participaron Riff, Juan Carlos Baglietto, Orions y Los Violadores. Asistieron unas 20.000 personas. Cuando estalló la Guerra de Malvinas, Stephanie volvió a Gran Bretaña y Sokol pasó a tocar la batería. Diego Arnedo, un vecino, se incorporó en el bajo. Roberto Pettinato, director de la revista "El Expreso Imaginario" fue invitado también para algunos shows, y quedó.Tras un ciclo en el Bar Einstein y luego de grandes actuaciones en el Stud Free Pub y en Zero la banda logró, junto a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, ponerse a la cabeza del incipiente movimiento underground de nuestro país. Pero Luca regresó a Inglaterra, y muchos creyeron que ya no volvería. Sin embargo, el 17 de agosto de 1984 volvieron a tocar en el Auditorio Buenos Aires. Interpretaron viejos hits de la banda, algunos temas nuevos y una versión reggae de "Cambalache". La formación incluía a Luca, Arnedo y Petinatto con los nuevos Alberto Superman Troglio (batería) y Ricardo Mollo (guitarra).El mismo Luca Prodan hace un resumen de la carrera underground de la banda: «En un principio, eran casi todos temas míos, cuando yo tocaba la guitarra. Después la cosa fue cambiando, entró una onda mucho más reggae, nos desdoblamos en la Hurlingham Reggae Band (que era únicamente reggae) y Sumo, por su parte, se puso más pesado. Y Fargo -que hoy es el guitarrista de los Redonditos de Ricota- era el violero de la Hurlingham. Después se unieron los dos grupos otra vez, Fargo se fue con Patricio Rey, yo me fui a Europa, y cuando volví con Sumo comenzamos a hacer temas de la Hurlingham... Ahora Sumo es medio reggae y medio pesado. En fin: medio raro» (G.Guerrero, pág 115).El debut discográfico se produjo en 1985 con Divididos por la felicidad, presentado en el Teatro Astros en mayo, junto a temas viejos, que habían sido registrados en un cassette independiente (del cual se realizaron solamente 300 copias), titulado "Corpiños en la madrugada", y que sería reeditado comercialmente en 1992. El hit fue "La rubia tarada" (cuyo título original era "Una noche en New York City"). Vendieron unas 15.000 copias.La segunda placa fue "Llegando los monos" (1986), presentada en Capital con un Obras en agosto. En esa oportunidad, se grabó lo que sería el video "Sumo en Obras", de 55 minutos de duración que contiene, entre otros, los temas "Gaitas", "Heroína", "Divididos por la felicidad", "F'you" y "Mejor no hablar (de ciertas cosas)". Cerraron el año con un show en CementoCasi un año después regresaron a los estudios, para registrar su tercer álbum, "After chabón", que también fuera presentado en en el estadio Obras. Sobresalen las canciones "Mañana en el abasto" y "Lo quiero ya". Este disco lo presentaron el 10 de octubre en el Estadio de Obras ante 4.000 personas, pero la salud de Luca ya no estaba bien.La última actuación del grupo con Luca se realizó el 20 de diciembre de 1987 en la cancha del Club Atlético Los Andes, junto a Los Violadores. El 22 de diciembre de 1987 Luca Prodan fue encontrado muerto, víctima de un paro cardíaco y una cirrosis hepática. La despedida emocionada de Sumo fue en el Chateau Rock de 1988. Allí, Pettinatto y Mollo se alternaron frente al micrófono para rendirle homenaje al alma mater de la banda de la única forma posible: tocando rocanrol.En 1988 comenzaron a circular unos cassettes semipiratas, con temas y ensayos que habían sido grabados directamente en el portaestudio de Luca. Al año siguiente, el sello CBS lanzó "Fiebre", con las canciones que hubiesen integrado el siguiente disco de Sumo.Dos recopilaciones oficiales salieron a la calle en 1991: "Collection" y "Grandes Exitos". Desde el mismo día de su entierro, cientos de fans visitan su sepultura en el cementerio de Avellaneda. Los homenajes van desde la clásica pintada "Luca Not Dead" hasta enterrar por el pico una botella de ginebra. La mayor convocatoria se da en el aniversario de su muerte.En mayo de 1995 se lanzó "Fuck You", un disco doble homenaje a Sumo, en el cual participaron Lethal, Los Pericos, Los Auténticos Decadentes, A.N.I.M.A.L., Pedro Aznar, Diego Torres y Attaque 77, entre otros.Dos grupos derivaron de Sumo: Divididos (con Arnedo y Mollo) y Las Pelotas (Daffunchio / Sokol).
Extraido de:http://www.letras.com/s/sumo/

Mandrake El Mago

No estoy en disposición de rebatir la tesis del último premio Pulitzer, Michael Chabon, respecto a la influencia de Henry Houdini en la creación de los superhéroes de los comic-books, pero sin duda fue una inspiración capital (junto con otros populares ilusionistas de una época de ilusiones) para que un jovencísimo Lee Falk presentara a quien es quizá el primer héroe con superpoderes del medio, aun sin llegar a ser jamás un superhombre al uso: el inquietante y divertido mago Mandrake.

Lee Falk (el "Lee" más importante y mejor de la historia de los cómics) apenas tenía veinte años cuando presentó a la King Features Syndicate varias semanas del personaje, dibujadas por él mismo. Universitario de sólida formación teatral y radiofónica (además de indispensable guionista histórico, Falk llegaría a ser productor y director de centenares de obras de teatro, y naturalmente autor de otro título clave de la historieta, The Phantom), enseguida dejaría la labor artística al veterano Phil Davis, y entre ambos explorarían las fronteras de la realidad y la ficción de la mano de su poderoso personaje.
Mandrake ("Mandrágora", aunque las primeras ediciones en España lo rebautizaron "Merlín") toma su nombre de un poema de John Donne, adquiere el físico característico de los magos teatrales y los latin lovers de los años treinta, y -como todos los personajes del cómic- la vestimenta sempiterna del frac y el sombrero de copa de una profesión que, por lo demás, apenas ejerce. Héroe misterioso educado en artes arcanas, tiene como sidekick a un gigantesco servidor negro, revelado luego como príncipe africano, Lothar, quien con el paso de los años adquiriría el inevitable coprotagonismo que le correspondía. El triángulo aventurero se cierra con la bella y desvalida princesa Narda, surgida a partes iguales de las películas de Theda Bara y los cuentos de las mil y una noches.
Mandrake divide sus aventuras entre casos misteriosos y enigmas policiacos (que con el paso de los años se adueñarían de los destinos de la strip), y un divertido vagabundeo por el mundo, mostrado aquí como sucesión de reinos de opereta, exotismo arábigo y con algunas influencias de Jonathan Swift, momias y hombres-lobo, tumbas profanadas y dinosaurios inevitables, magos malvados como El Cobra (que fue su propio maestro), mundos fantásticos con abundantes dosis de erotismo en los serrallos y despendolados pases de birlibirloque por parte del héroe, desarmado siempre.

Mefistofélico y hierático, sin despeinarse jamás el negrísimo cabello engominado, sólo alzando la ceja y atusándose el bigote con el esperado gesto teatral, Mandrake usaría sus poderes para romper de continuo la barrera entre realidad y ficción, para volar, levitar, hacer volar y hacer levitar a sus enemigos, cambiarles el rostro, volverlos invisibles, convertirlos en animales, trocar materiales en oro, empequeñecer a gigantes, doblar lanzas y espadas, desviar disparos, cualquier cosa que sorprendiera tanto al lector como a los desvalidos contrincantes del mago. La fantasía desbordada (magníficamente ejemplificada en las páginas dominicales, donde el lucimiento del artista resulta patente) es la característica principal del personaje, un divertido ritual de efectos especiales dibujados que no podían verse todavía en las pantallas y que conseguían un impresionante efecto transgresor.
Por desgracia, toda la fantasía desbordada de los poderes del mago en acción, su no sometimiento a las reglas de la naturaleza, se iría diluyendo con el paso de las décadas, hasta dejar reducidos los poderes cuasidivinos de Mandrake al uso de hiponosis pura y simple (explicación que, naturalmente, no explica ni la décima parte de las habilidades mostradas por el personaje durante sus años de exotismo). La muerte de Phil Davis y su breve sustitución por su propia esposa primero y por Fred Fredericks más tarde fue convirtiendo a Mandrake en un detective de aspecto algo ridículo, con aventuras caseras en los años sesenta y más tarde con un acercamiento al jamesbondismo al que no pudieron escapar muchos de los grandes personajes clásicos de prensa.
Mandrake queda pues como título característico e imprescindible de los tiempos en que los cómics podían diversificarse y explorar conceptos y estirar a placer sus argumentos, cuando a nadie se le ocurría poner trabas a la fantasía, pues por propia definición ésta es incontenible. Basta un pase mesmérico y un chasquear de dedos para demostrarlo.

Por Rafael Marin
Extraido De:http://www.bibliopolis.org/umbrales/umbr0054.htm

Bonanza

En 1958, el productor David Dortort propuso a la cadena televisiva norteamericana NBC la idea de filmar “Bonanza”, una serie que tendría la particularidad de ofrecer una interesante mezcla entre las sitcoms (comedias de situación) y los Westerns, dos géneros que inundaban el prime time (horario central) de la TV de aquellos años.
Dortort jamás imaginó que su creación se mantendría primera en audiencia dentro de los Estados Unidos durante 14 años, y que se emitiría por una inmensa cantidad de países a lo largo de todo el mundo, llegando a cientos de millones de espectadores.
Bonanza es mucho más que la historia de un campesino y sus tres hijos, que trabajan en el complejo y violento lejano oeste de principio de siglo. En la actualidad, se ha convertido en una parte de la cultura de millones de occidentales. Ben Cartwright y sus hijos Adán, Hoss y el pequeño Joe son nombres familiares incluso para aquellos que ni siquiera habían nacido cuando se comenzó a rodar la serie, ya que fue repetida tantas veces, que fueron muy pocos los que no la pudieron ver aunque sea algún sábado a la tarde.
Dortort, un escritor devenido en productor, creó a Ben Cartwright como el patriarca fuerte de la familia, un padre que dirigiría a sus tres hijos con un comportamiento recto y disciplinado, y que constantemente les legaba toda su sabiduría y experiencia. Cada uno de sus hijos, tenía características únicas. Adán era el intelectual y el mayor, el “cerebro” de todos ellos. Hoss era el “grandulon”, un hombre robusto de una fuerza increíble y con un corazón de oro. El pequeño Joe era el más chico, algo impulsivo, y muy romántico. Las diferencias entre ellos tenían que ver con que Ben Cartwright los había tenido con una madre diferente, ya que había enviudado tres veces.
Su residencia era el mítico rancho “La Ponderosa”, un “imperio” de ganados, madera y una espectacular vista a las montañas de Nevada, cerca del lago Tahoe. Bonanza fue el primer Western "sedentario", es decir, donde los protagonistas tenían un hogar permanente para defender y usar como base. Hasta ese momento, la mayoría de los Westerns tenían protagonistas que viajaban de ciudad a la ciudad, y era durante esos recorridos cuando se producían la trama y las aventuras.
Inicialmente, la NBC quería protagonizar Bonanza con estrellas reconocidas, ya que creía que este era un requisito fundamental para obtener una buena audiencia. Dortort afirmó al canal que él podría hacer el programa con actores hasta entonces desconocidos, pero que él ya tenía en mente y sabía que triunfarían. Su predicción fue increíblemente exacta.
Dortort eligió a Lorne Greene para interpretar a Ben Cartwright. Hasta entonces, Greene era conocido en Canadá como "The Voice of Canadá" (la voz de Canadá), un apodo que recibió por los numerosos radioteatros que había interpretado en ese país. Pernell Roberts interpretó el papel de Adán, Dan Blocker a Hoss, y Michael Landon hizo el papel de Pequeño Joe.
Los cuatro actores habían realizado varios papeles en la TV norteamericana, pero todos ellos bastantes pequeños y pocos conocidos. Su situación cambió rápidamente cuando la serie salió al aire.
El primer episodio de Bonanza salió al aire el 12 de septiembre de 1959. La serie fue desde un principió un éxito inmediato. Durante sus dos primeras temporadas, Bonanza tuvo una gran repercusión, principalmente por que fueron filmadas en color.
El color en la TV era el nuevo fenómeno de aquella época, y RCA (la casa matriz de la NBC) deseaba realizar un programa que animaría a los espectadores a comprar los nuevos televisores a color. Por lo tanto, los primeros episodios incluyeron muchos planos de las hermosas áreas del Lago Tahoe, así como un vestuario con ricos y variados tonos de vestidos. Durante dos años, Bonanza se emitió la noche de los sábados, pero como sobre el final su rating bajó, la NBC decidió trasladarla a la noche de domingo.
En ese día de la semana, el programa encontró su verdadera audiencia y se convirtió en un boom televisivo. Durante sus primeros diez años, Bonanza se mantuvo constantemente entre los 10 programas más vistos de la TV, y entre 1964 y 1967, fue el mayor visto de todo Estados Unidos.
El éxito de Bonanza en su tercera temporada, se debió a mucho más que un simple cambio de día y horario. Luego de los dos primeros años, Lorne Greene persuadió a lo productores a ablandar el rígido carácter de su Ben Cartwright, para hacerlo algo más sabio y comprensivo. Roberts, Blocker y Landon también modificaron sus personajes, dándoles a ellos una mayor profundidad y complejidad. Por su parte, las historias empezaron a ser menos simplistas y más interesantes.
En muchos aspectos, Bonanza estuvo adelantada a sus tiempos. El programa se ocupó de temas hasta entonces muy polémicos, como el prejuicio racial, el abuso hacia las esposas, los problemas psicológicos, el abuso de la droga y del alcohol, y la perdida de la inocencia en las familias rurales. Además, logró combinar el drama y la comedia de una forma esplendida, ya que los cuatro protagonistas manejaban estos dos estilos con igual facilidad, ofreciendo un interesante contraste en las historias.
Aunque Bonanza ofreció una gran variedad en la temática de sus episodios, el programa tenía algunas constantes. Los espectadores aprendieron rápidamente que cualquier personaje femenino que desarrollara una relación con Cartwright, sería “condenado” a la muerte o a salir de la serie. También supieron que cada episodio tenía, si no un final feliz, por lo menos satisfactorio. El bien triunfaba siempre sobre mal. Los protagonistas siempre se inclinaban por lo correcto, sin importar cuan doloroso pudiera ser para Cartwrights. De hecho, Ben reforzaba constantemente los valores familiares, con sus sabios consejos y toda su experiencia. Además, se sabía que en Bonanza jamás habría escenas de sexo o de violencia.
Los espectadores también intervinieron en algunos guiones de la serie: durante una temporada, los productores tuvieron la idea de comprometer a Adán con Laura Dayton, una joven viuda, pero ante los reclamos del público femenino, que veía avecinarse el casamiento, decidieron dar marcha atrás.
Sin embargo, y a pesar del enorme renombre de la serie, Pernell Roberts se desencantó con Bonanza, ya que sentía que los programas de TV no servían para transmitir la profundidad de su personaje. Lorne Greene, Dan Blocker y Michael Landon desarrollaron una gran amistad personal y un muy buen funcionamiento en conjunto, pero Roberts, el más reservado de todos, solía quedarse solo en el set. Cuando Roberts expresó su deseo de dejar el programa, los productores intentaron convencerlo de que permaneciera por todos los medios, pero fue en vano. Para reemplazarlo, introdujeron el papel de Will Cartwright, el sobrino de Ben, interpretado por Guy Williams. Más tarde Roberts se retracto de su decisión y Williams fue desplazado. Sin embargo, en el final de la sexta temporada, Roberts volvió otra vez a expresar sus deseos de dejar la serie, por lo que esta vez los productores lo dejaron ir sin mayores problemas.
Su salida no afecto el rating, y esta vez los productores decidieron no traer a nadie, sino simplemente ampliar los papeles de los otros actores. Por ejemplo, Ray Teal, que interpretaba el papel del sheriff Roy Coffee, pasó a tener mucha más incidencia en las tramas. En la novena temporada, Candy, interpetado por David Canary, fue puesto como el capataz del rancho. Los productores también le dieron mayor importancia a Jaime Hunter el huérfano adoptado por Cartwrights que ya se había convertido en un adolescente. Con este personaje, interpretado por Mitch Vogel, se esperaba captar también una audiencia más joven. Los episodios que involucraban a Jamie trataban sobre la rebelión adolescente, el amor en los jóvenes y el dolor del crecimiento.
A pesar de los esfuerzos por mantener a la serie en constante renovación, Bonanza comenzó a caer en audiencia luego de estar doce años en el aire. El “tiro de gracia” fue en 1972, con la inesperada muerte de Dan Blocker. La pérdida del querido Hoss fue como un soplo devastador para los fieles espectadores. Los productores reaccionaron rápidamente, convenciendo a David Canary para que regrese con su papel de Candy, y agregando Tim Matheson como Grif, un joven y problemático vaquero. Pero la pérdida de Blocker pareció destruir el corazón mismo de la serie. Bonanza solo sobrevivió una temporada más, lapso durante el cual fue relegada a la noche de los martes, antes de su precipitado final, el 16 de enero de 1973.
Todos los actores de Bonanza continuaron sus carreras con gran éxito. Michael Landon, quien durante esos años había comenzado a escribir y dirigir algunas obras, se convirtió en un productor, director, y escritor muy popular. Sus dos series, Una casa en la pradera y Camino al cielo, tuvieron una gran repercusión. Lorne Greene protagonizó las series Guerra en el espacio, Galáctica y Código rojo. David Canary hizo una muy buena carrera en teatro. E incluso Pernell Roberts volvió a la TV, protagonizando El cazador John M.D.
Pero todos ellos continúan siendo identificados a lo largo de todo el mundo como Ben, Adán, Hoss, y el pequeño Joe Cartwright. Cada día, en alguna parte alrededor del planeta, Bonanza se está emitiendo. Su énfasis en los valores familiares y la sana diversión, la hacen hoy en día tan popular cuando se estrenó, hace más de 40 años.

Extraido de:http://www.enplenitud.com/nota.asp?articuloID=2815

INXS

Salidos de la distante Australia, INXS entró con fuerza a la escena pop con un estilo musical apoyado en la guitarra y un cantante líder que recordaba a Jim Morrison y Mick Jagger juntos. Su música tiene estilo y es elegante al punto que muchos de sus éxitos son rock bailable.
Su música marcó un tiempo y un público. De hecho “New Sensation” es el tema musical de una marca de autos que quiere colocarse con el joven adulto. El éxito de la banda se explica en parte por la constancia en la formación, sus esquemas de giras, la diversidad de sus composiciones y una producción siempre fresca empujada por un productor diferente en cada disco.
El inicio de INXS se remonta a 1977 cuando los tres hermanos Farris decidieron armar una banda en Sydney, Australia. Originalmente llamada “Farris Brothers”, la formación presentaba a Tim Farris en la guitarra, Jon en la batería y Andrew en los teclados. Tim era el cantante líder de una banda cristiana y Jon, el menor de los tres estaba esperando salir de la secundaria, por lo que la agrupación no pudo despegar con la rapidez que se deseaba.
La formación incluía a Michael Hutchence como cantante, fallecido en 1997; Kirk Pengilly en el saxofón y Garry Beers en el bajo.
Mientras Jon terminaba la secundaria el grupo no tuvo más opción que sentarse a esperar, mientras desarrollaban su propia identidad musical basada en la música bailable negra y el soul blanco. Eso ocurría en Perth, en el oeste del país.
En 1979, después de la graduación de Jon, se mudaron nuevamente a Sydney ahora bajo el nombre de INXS. En 1980 grabaron su primer disco: "Simple Simon"/"We Are The Vegetables" bajo el sello grabador Deluxe.
En los años que siguieron lograron colocar varias canciones en las listas australianas. Su segundo disco “Underneath The Colours” tuvo buenas ventas y el tercero, “Shabooh Shoobah” llegó a colocarse entre los 5 primeros álbumes australianos. Ese mismo disco fue llevado a Estados Unidos por Atco Records. Eso les valió la posibilidad de hacer giras en Estados Unidos, adempas de conocer a Nile Rogers con quien grabaron “The Swing” el disco que les terminó de dar su identidad musical.
El sencillo “Original Sin” de 1985 empujó al disco “The Swing” hasta la cima de las listas australianas. El disco les permitió encontrar una veta de público que gustaba de la guitarra, el saxo, ritmos fuertes y letras seductoras. El éxito llamó la atención en Estados Unidos, Europa y América del Sur, lo que los puso bajo observación hasta su siguiente disco: “Listen Like Thieves” que vendió en todas partes del mundo, excepto en Inglaterra donde fue maltratado por la crítica.
Sin embargo, “What You Need” con sus coros pegajosos y guitarra poderosa hizo que los televidentes de MTV se volvieran locos y se lanzaran a comprar el que sería su mayor éxito: “Kick”.
En 1986, Hutchence aparece por primera vez en una película, “Perros en el Espacio”. Una de las canciones del disco era interpretada por el cantante y la llevó hasta las 10 más calientes de Australia.
Con la popularidad alcanzada el grupo empezó a hacer giras por Estados Unidos y Europa, además de que sus videos empezaron a salir en MTV. Esta promoción fue tierra abonada para su próximo disco “Kick”, que solo en Estados Unidos vendió más de un millón de copias y vio a “Need You Tonight” en el número uno de Billboard.
“Kick” fue por lejos, lo que se puede llamar un Gran Álbum. Algo de política y mucho ritmo hicieron que el disco fuera multi platino en 1998 e hicieron de Hutchence una gran estrella de rock. 4 videos seguidos "Need YouTonight" (#1), "Devil Inside," (#3) "New Sensation" y "Never Tear Us Apart" (#7) presentaron al vocalista usando ropa de cuero apretada y mocviéndose al ritmo de us propia música. En cuestión de semanas el disco sonaba en cuanta discoteca existía en Estados Unidos.
Luego de un descanso de un año, la banda se volvió a reunir para grabar X. En el ínterin se dedicaron a reacomodar sus prioridades y sus vidas retomando viejos proyectos.
Sin embargo, Hutchence aprovechó el descanso también para conocer a Kylie Minoque y cuyo romance les dio mucha publicidad gratuita y puso la música de la agrupación en boca de una generación nueva de seguidores.
En 1992, INXS produjo “Welcome to Wherever You Are” que fue visto por la crítica como el disco más audaz de la banda y cuyo sencillo “Beautiful Girl” fue un éxito en las radios de rock alternativo. El décimo álbum de INXS fue “Full Moon, Dirty Hearts” en el que cantaban con Ray Charles y Chrissie Hynde, además de agregar un poco de guitarra de los Stones, punk y el ritmo pesado de U2.
En ese disco Hutchence cantó a dúo con Chrissie Hynde “Kill The Pain”, en cuyo video se usaron imágenes de la Guerra del Golfo. Esto le valió la censura en MTV, anteriormente uno de los medios que más apoyaron a INXS.
En 1994 INXS cambió de disquera y pasó de Atlantic a Polygram, mientras que Hutchence empezó a salir con la rpesentadora inglesa Paula Yates, entonces esposa de Bob Geldof.
En 1997 INXS enfrentó dos eventos, el primero fue el exitoso lanzamiento de “Elegantly Wasted” y a finales del año el aparente suicidio de Hutchence, que apareció ahorcado en un hotel de Sydney, a unos días de que el grupo celebrara su 20 aniversario.
La banda decidió continuar trabajando y en el año 2000 contratando al neozelandés Jon Stevens como su nuevo cantante. Al año siguiente fueron incluidos en el salón de la fama australiano.

Extraido de:http://www.radiodos.com/paginas/archivo/artistas/inxs.php

Los Kalkitos

Venía un fondo dibujado y una hoja transparente con diferentes personajes. Apoyabas el calco sobre el fondo, raspabas encima y te quedaba el calco como parte de la imagen. El secreto era raspar bien para que los personajes no te quedaran sin una pierna o sin un brazo.

Extraido De: http://www.despatriados.com/nostalgias.asp

Heidi

Quizá ha sido una de las series con la que más hemos llorado. Entrañables esas escenas de Heidi cuando vuelve a las montañas, cuando Clara comienza a caminar.Estos dibujos fueron uno de los grandes éxitos de la television, todos estabamos pendientes de esta niña con los mofletes sonrojados

Heidi es una niña que vive en los Alpes junto a su abuelito. Heidi saca a pastar a las cabras y juega con su perro Niebla, su cabrita Copo de Nieve, su pajarito Pichi y su amigo Pedro. La historia cuenta sobre todo esto, y ademas de cuando Heidi es llevada a la ciudad para acompañar a Clarita, una niña minusválida muy solitaria, y la pobre Heidi se ve en la situación de tener que aprender a vivir usando maneras educadas y sufrir los regaños de la institutriz de Clara (la Señorita Rottenmayer). Despues de mucho tiempo, el Padre de Clara se entera que Heidi está muy triste y entonces la deja volver donde su abuelito.
Otros personajes que aparecen en la serie son la madre y la abuela de Pedro. Esta última era ciega, y quería mucho a Heidi.
Una característica de heidi son sus mejillas coloradas (claro, si vive en la montaña donde a la gente se le sale la salud hasta por los cachetes). Una de las cosas que recuerdo de cuando niño es unas figuras de plumavit de heidi y los demas personajes que me compraba mi familia. A mi me gustaban mucho y parece que por la época eran muy populares.
En ingles, el nombre de la serie es "Heidi, girl in the Alps" y en Japones es "Alps no Shojo Heidi". Tiene 52 capítulos y fue producida durante 1974 por la compañía Zuiyo Enterprise.
La serie de televisión está basada en la novela alemana de Juana Spiry del mismo nombre. También existe una pelicula basada en esta novela, con Shirley Temple interpretando el papel de Heidi.

La canción de la serie

Abuelito dime tú lo que dice el viento en su canción abuelito dime tú por qué llovió por qué nevó
Dime por qué hasta aquí subí dime por qué yo soy tan feliz ,abuelito, nunca yo de tí me alejaré Abuelito dime tú que el abeto a mí me vuelve a hablar abuelito dime tu por qué la luna ya se va Dime por qué hasta aquí subí dime por qué yo soy tan feliz abuelito, nunca yo de ti me alejaré

Extraido de:http://www.teacuerdas.com/nostalgia-animados-heidi.htm

Queen

Queen, el principal grupo británico de rock, estaba formado por cuatro miembros: Freddie Mercury, Brian Harold May, Roger Taylor y John Deacon.
Todo comenzó en 1968, cuando Brian May y Tim Staffel, dos estudiantes del Imperial Collage, crearon una banda llamada 'Smile'. A ellos se les unió Roger Taylor como batería. Un compañero de Tim Staffel, Freddi Bulsara, quien se convirtió en un gran admirador del grupo.
Cuando en 1970 Tim dejó Smile, Freddie se unió al grupo, junto a Brian y a Roger. Freddie cambió su apellido por el de Mercury y cambiaron el nombre del grupo por el de 'Queen'. A ellos se unió un año después, John Deacon como bajista. Con estos cuatro nombres se completaba el grupo británico de rock más importante de la historia.
Tras varios ensayos y algunos trabajos de poca monta, en 1973 grabaron su primer álbum, 'Queen'. Las canciones mezclaban la religiosidad de Freddie con el típico rock en su estado puro.
Tras una gira como teloneros del grupo 'Moot The Hoople', grabaron su segundo LP, 'Queen II'. Nuevamente emprendieron gira por Gran Bretaña y también iniciaron su primera gira por Estados Unidos, nuevamente como teloneros de 'Moot The Hoople'. Tras esta gira grabaron un nuevo disco, 'Sheer Heart Attack', en 1974, que supuso un gran éxito mundial y el reconocimiento de la calidad del grupo.
En 1975 comienza su primera gira por Estados Unidos en solitario, teniendo que hacer dos shows diarios ante el éxito recibido. En abril iniciaron una gira por Japón, donde fueron recibidos en el aeropuerto por miles de fans.
En 1975 lanzaron el single 'Bohemian Rhapsody', que se convirtió en un gran éxito. Estuvo en el número uno durante nueve semanas. Cuando el LP, 'A Night At The Opera', salió al mercado, se convirtió rápidamente en un éxito, dándoles su primer disco de platino.
En 1976 sacaron a la luz un nuevo disco, 'A Day At The Races', y en octubre de 1977 los miembros del club de fans fueron llamados para tomar parte en uno de los videos, 'We Are The Champions', grabado en el New London Theatre. Después de la grabación, el grupo ofreció un concierto gratuito de agradecimiento para sus fans.
En octubre de 1977 lanzan al mercado 'News Of The World' y un año más tarde 'Jazz'.En 1979 lanzan su primer álbum en vivo, 'Live Killers'. Al poco, la banda recibió el encargo de hacer la banda sonora de la película 'Flask Gordon', que fue publicada en 1980.
Entretanto también habían editado el álbum 'The Game', el primero en que usaron sintetizadores. Fue lanzado en junio de 1980 y fue un superventas, así como el sencillo 'Another One Bites The Dust', que se convirtió en su sencillo más vendido en el mundo.
En 1981 iniciaron una gira por diversos países de Sudamérica batiendo récords de asistencia en países como Brasil y Argentina. En octubre de 1981 lanzaron 'Greatest Hits', 'Greatest Flix' (colección de videos) y 'Greatest Pix (un libro biográfico con fotos del grupo).
En 1982 lanzaron 'Hot Space' y en 1984 'The Works', cuya canción 'Radio Ga Ga' se convirtió en un nuevo gran éxito, asíí como 'I Want To Break Free', en cuyo video aparecían los miembros de Queen disfrazados de mujer, queriendo ridiculizar una serie de la televisión británica.
En 1985 se realizó el festival Rock in Río, el más importante hasta la fecha, en el que participó Queen, siendo los grandes triunfadores. El 13 de julio, participaron en otro festival, el Live Aid, el primero que re realizaba contra el SIDA. Antes del concierto, los miembros de Queen habían decidido distanciarse algo, pero debido al enorme éxito que tuvieron en el concierto, cambiaron de opinión y decidieron continuar con más energías.
En 1986 lanzaron 'A Kind Of Magic', que era la banda sonora para la película 'Highlander'. En diciembre del mismo año editan 'Live Magic', su segundo disco en vivo.
La cantante de ópera Montserrat Caballé, una de las fans incondicionales de Freddie, se reunió con él en su casa de Barcelona en 1986. Allí hicieron una gran amistad y acordaron grabar un disco en conjunto. Freddie escribió una canción de Barcelona a la medida de Caballé. El sencillo apareció en España en septiembre de 1987 y rápidamente el Comité Olímpico Español lo adoptó como himno oficial de las olimpiadas que se iban a celebrar en Barcelona en 1992. El LP salió a la luz en octubre de 1988.
En 1989 salió un nuevo álbum de Queen: 'The Miracle' pronto se convirtió en otro gran éxito. Por aquella época, Freddie ya sabía que se estaba muriendo. Con el fin de la década, Queen fue elegido como el mejor grupo de los 80.
En 1991 sacaron un nuevo sencillo, 'Innuendo', de casi siete minutos. Ni qué decir tiene que se encaramó en las listas de todo el mundo. El álbum 'Innuendo' salió poco después y siguió los pasos del sencillo.
La enfermedad de Freddie Mercury influyó en los discos que la banda editaba y sus letras hablaban de la llegada de un final que el propio Freddie presentía pero que nadie conocía.
A finales de 1991 publicaron el 'Greatest Hits II'.
El 23 de noviembre de 1991, Freddie anunció al mundo que padecía el SIDA. Al día siguiente fallecía en su casa, rodeado de familiares y amigos. Este hecho conmocionó a sus millones de fans, que no habían conocido la enfermedad de Freddie hasta el mismo final.
Como homenaje a Mercury se lanzó un doble sencillo con dos temas: 'Bohemian Rhapsody' y 'These Are the Day Of Our Lives'. El dinero recaudado fue a parar a una organización para la lucha contra el SIDA.
El 20 de abril de 1992, se ofreció un gran concierto como tributo a Freddie. El escenario fue el estadio de Wembley, en Londres, y las 72.000 entradas se vendieron el apenas seis horas, sin saber siquiera quienes iban a actuar. El concierto fue televisado en directo para más de mil millones de habitantes de todo el mundo.
En 1995, tras cuatro años de trabajo, salió al mercado el último trabajo de la banda junto a Freddie Mercury. Su título fue 'Made In Heaven', y Freddie colaboró con su voz en los últimos meses de su vida.
A finales de 1995 sacaron el que fue el último álbum de la banda, 'Ultimate Queen', una caja de lujo con los veinte discos de Queen. Pocos meses después editaron su último disco, 'Queen Rocks', con una canción dedicada a Freddie, 'No One But You (Only The Good Die Young)'.

Extraido de:http://www.publispain.com/queen/historia.htm

ALF

ALF es el nombre de una popular serie de televisión estadounidense, que se emitió originalmente por la NBC entre 1986 y 1990, inspirada y parodiando la película "E. T.: El extraterrestre" (1982). Se emitió por primera vez el 22 de septiembre de 1986.
La serie constó de 103 episodios, luego de los cuales se presentó una película, llamada "Proyecto ALF" que contaba el desenlace de la historia.

El personaje del título es Gordon Shumway (también conocido como ALF Tanner), un pequeño alienígena apodado A.L.F ('Amorfismo Lejano Fantástico' o "Alien Life Form" del inglés "Forma de vida Alienigena"). Nació hace 229 años, el 28 de octubre de 1756,en la región Lower East del planeta Melmac. El planeta Melmac estaba localizado 6 parsecs más allá del Supercúmulo Hydra Centaurus y tenía un cielo verde y pasto azul.
El cuerpo de ALF está cubierto de pelaje anaranjado. Tiene un hocico lleno de curvas, lunares faciales, ocho estómagos y le gusta comer gatos. Fue a la escuela preparatoria por 122 años y fue capitán del equipo de Bouillabaisseball ( se juega sobre el hielo usando moluscos como pelotas), también estudió Odontología lo cual según dijo no fue tan difícil dado que los melmacianos sólo tienen 4 dientes. Su frase característica es "No hay problema".
Huyendo de su planeta después de un accidente nuclear, ALF sigue una señal de radio, estrellándose en la cochera de los Tanner, una familia de clase media de los suburbios que incluye al trabajador social Willie (Max Wright), su esposa Kate (Anne Schedeen), sus hijos Lynn (Andrea Elson) y Brian (Benji Gregory), y a Suertudo (Lucky en la versión en inglés), el gato de la familia.
Inseguros de qué hacer, los Tanner llevan a su casa a ALF y los esconden de una división militar encargada de la vida alienígena, y de sus entrometidos vecinos (los Ochmoneks), hasta que el pueda reparar su nave espacial. Él generalmente se esconde en la cocina. Eventualmente se reveló que Melmac fue destruido por una catástrofe nuclear, y que ALF no solo no tenía casa, sino que también, para bien de su conocimiento, era último sobreviviente de su civilización y de su especie, aparte del superheroe Malhar Maik. Después de reveló que un pequeño grupo de los amigos Melmaquianos de Alf viajaban constantemente en el universo en busca de un nuevo lugar para vivir. Se convirtió en un miembro permanente de la familia, aunque el impacto cultural, la culpa de sobrevivir, el aburrimiento general, la desesperanza, y la soledad frecuentemente causaban dificultades a los Tanner.
La serie original duró cuatro temporadas y 102 episodios, en donde al final de la serie ALF está por ser rescatado por otros sobrevivientes de su planeta, pero en lugar de eso es capturado por el ejército americano. Se suponía que este hecho sería la trama para una quinta temporada, pero tal cosa no ocurrió por la falta de presupuesto del canal. Por muchos años se pensó que Alf había sido eliminado por el ejército, pero en la película de 1996, "Proyecto ALF", se muestra como dos agentes ayudan a escapar a ALF de un inminente exterminio.
El nombre de cada capítulo es también el nombre de una canción referente a la trama del capítulo. Después de que la serie terminó en Estados Unidos, se convirtió en un éxito luego de ser retransmitida en varios países europeos como España, Polonia y Alemania.

Extraido de:http://es.wikipedia.org/wiki/ALF_%28serie%29